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[回复本文][原帖] 发信人: wulunkai (死亦如夏花@foXen), 信区: movie 标 题: 电影大师集锦【珍藏】 发信站: 饮水思源 (2005年10月27日16:28:48 星期四) 卡洛斯·绍拉（Carlos Saura，1932- ） 卡洛斯·绍拉1932年1月4日出生于西班牙亚拉刚省的胡亚斯卡市一个中产阶级之家， 母亲是钢琴家，哥哥则是个画家，绍拉很小的时候就对电影产生了浓厚的兴趣，但他那时 候的理想是成为一名优秀的舞蹈演员，无奈，一次小腿的意外受伤使他的这个梦想破灭， 于是走上了辉煌的电影之路。 18岁的时候，绍拉成为一名摄影师。1953年至1957年在马德里电影学院接受了4年导演 训练，1958年到1963年接着留校任教6年，讲授剧本写作及导演相关课程。在这段期间，他 专注于纪录片，1958年完成第一部剧情片《昆卡》，1963年之后的作品渐受国际重视。从 事影视生涯四十多年的绍拉，他的特色就是环绕着“死亡”、“孤寂”、“家庭”、“梦 想”这些深奥的主题，从这些主题中可以洞悉他在第七艺术的深厚造诣及宽广胸怀。 卡洛斯·绍拉的影片的最大特色就是影片中的音乐与舞蹈，尤其是他的弗拉明戈舞蹈 三步曲，更是让他赢得了诸多光环。他也被公认为是最有西班牙特色的导演，他的《血色 婚礼》更是史无前例地以歌舞片的身份被提名奥斯卡最佳外语片。另外一部展现探戈舞魅 力的《探戈》更是让他囊括了那一年西班牙国内所有的电影奖项。 1981的《血色婚礼》获得卡罗维发利电影节特别奖，故事讲述在婚礼之前，新郎充满 愉快之情，而新郎的母亲则好像有着自己的心事，而且她坚决要求儿子在婚礼上不要带刀 子，但满心欢喜的儿子没有听从母亲的嘱咐。新娘以前的男友十分忧郁地注视着这场盛大 的婚礼，他决心要把新娘抢走。婚礼之日，贺客盈门，新娘与前男友相携乘马私奔，新郎 随后追赶，双方为了自己心爱的女人展开了一场决斗，最后同归于尽，婚礼成了“血色婚 礼”。新郎倒在血泊中，新郎的母亲和新娘却将承受一生折磨。 卡洛斯·绍拉因观赏加德 斯舞团排练《血色婚礼》而受到启发，以半纪录片的拍摄手法和加德斯合作本片，也为其 弗拉明戈系列作品揭开序幕。在绍拉的舞蹈片中，“镜子”无所不在，不但带出“戏剧反 映人生”的母题，在本片中更有着自省与追寻真理的意味。 1998年，卡洛斯·绍拉拍摄了《探戈》，马力欧是遭妻子抛弃的著名导演，为了遗忘 悲伤，他投入一部关于探戈的电影拍摄。有天晚上选角时，他认识了爱莲娜，影片出资老 板安杰罗的情妇。在排演进行中，马力欧与爱莲娜卷入大胆激情的恋爱中……。这是绍拉 双重指涉的电影，不仅关于情欲，还关于电影、梦、死亡这些他惯有的题旨，在他的诠释 下，探戈除了是种舞艺，也是两性关系﹙情欲﹚，在他的电影中还有马力欧的电影﹙电影 ﹚，他让马力欧在梦中拿出匕首刺杀离他而去、与新欢共舞的女人，马力欧在他的作品中 借用了梦的灵感，让一男子拿出匕首刺杀舞剧的女主角﹙梦﹚，马力欧出车祸时有过在鬼 门关前走一圈的类死亡经验﹙死亡﹚，这些相互参照的情节设计，使本片内涵饶富层次。 这部以“探戈”为前提、充满着复杂情欲交错的影片，与一般单调的歌舞片截然不同，当 制片人裘安拿着剧本去找卡洛斯·绍拉，在看了上百部有关音乐及舞蹈的电影后他表示： “除非我能深入到探戈舞的精髓，否则随便拍一部舞蹈片，对我而言毫无价值及意义。” 由卡洛斯·绍拉编剧和导演的影片《戈雅》展现了西班牙著名画家戈雅——被认为是 现代最重要的艺术家的经历和艺术演变。以他生命的最后数月作为故事的背景，源于他作 为一个人的演变、他的画作以及他私人的困扰。《戈雅》是一部视像和美感再现的影片， 揭示了一个与历史、与西班牙和欧洲关系密切的生命的奥秘，影片展现了欧洲历史上最动 荡的篇章之一。影片自由挥洒得一如戈雅翱翔于天堂与地狱之间的高超想象力：非线性叙 事、跳跃性思维、自由穿插的时空、舞台效果与油画效果并重的风格化布景、戈雅艺术理 念的充分展示，都体现出导演卡洛斯·绍拉深厚的电影功力和高品位的艺术追求。 卡洛斯·绍拉作品年表： 1958：《昆卡》 1959：《流氓》 1963：《一个强盗的悲剧》 1965：《狩猎》 The Hunt 获奖记录：1966年第16届德国柏林电影节银熊奖（最佳导演奖） 1967：《小镇薄荷汁》Peppermint Frappe 获奖记录：1968年第18届德国柏林电影节银熊奖（最佳导演奖） 1970：《极乐花园》The Garden Of Delights 1973：《安娜与狼》Anna AndTheWolves 1974：《安杰丽卡表妹》 获奖记录：1974年第27届法国戛纳电影节评委会奖 1975：《饲养乌鸦》（另译《姑息养奸》） 获奖记录：1976年第29届法国戛纳电影节评委会大奖 1979：《妈妈活到一百岁》Mama Turns100 1980：《快、快、快》Deprisa 获奖记录：1981年第31届德国柏林电影节金熊奖， 1981：《柔情时分》Sweet Hours 1981：《血色婚礼》Blood Wedding 获奖记录：卡罗维发利电影节特别奖 1983：《卡门》Carmen 1984：《高跷》The Stilts 1986：《魔术师的爱》El Amour Bruno 1987：《黄金国》El Porapo 1989：《黑夜》The Dark Night 1990：《卡美娜万岁》Ay Carmela! 1994：《弗拉明戈》Flamenco 1996：《出租车》Taxi 1998：《探戈》Tango 2000：《戈雅》(另译：《波尔多美酒》) Goya In Bordeaux aka Goya 2002：《沙乐美》Salome 胡安·安东尼奥·巴尔登（Juan·Antonio·Bardem，1922-） 胡安·安东尼奥·巴尔登1922年6月2日生于西班牙马德里，他的父母是舞台剧演员， 因受普多夫金著作的影响，1947年他作为第一批学员进入西班牙电影实验研究学院学习。 1950年，意大利文化学院在西班牙举办了意大利电影周，放映了意大利新现实主义电影的 代表作品，这些影片深深地启迪了巴尔登和他的同伴。巴尔登与几位志同道合的知识分子 组建了UNINCI电影公司，拍摄了影片《幸福的一对》。这部由巴尔登和贝尔兰加联合导演 的影片嘲讽了西班牙的社会现实，因而被扣压了两年后才允许公映。《幸福的一对》是巴 尔登和贝尔兰加的处女作，从这部影片可以看出，他们对电影有着自己的艺术追求，希冀 用新的视点来表现纷杂的生活。该片具有新现实主义电影的印痕，西班牙电影评论家拉法 埃尔把该片称为“是我们电影向现代化进军的第一步，因为它不论在内容上、还是在形式 上都是一种创新，首次贴近了本国的现实，并以一种流畅的形式使之有别于西班牙影片中 存在的话剧式的矫揉造作”。第二年，巴尔登与贝尔兰加共同编剧、贝尔兰加执导了《马 歇尔，欢迎你》，辛辣地嘲讽了“马歇尔计划”，该片在戛纳电影节获得国际评论奖。在 此期间巴尔登还从事电影评论工作，并与几位朋友创建了《目标》杂志，该杂志成为西班牙战后第一本严肃的电影刊物。 1953年，巴尔登第一次独立执导了影片《喜剧演员》。该片通过一个剧团的生活，折射了 社会，表现了普通人生存的不易，同时也显露了巴尔登的导演风格——注重取景和剪辑， 兼及表现主义对他的深厚影响。1955年，巴尔登因导演《骑车人之死》斐声国际影坛，该 片表现了50年代马德里资产阶级的思想意识和道德观念，是一部具有历史价值和社会价值 的佳作。巴尔登的这部重要作品获戛纳电影节国际评论奖，从此奠定了他在影坛的重要地 位。 在《目标》杂志和大学电影俱乐部的倡议下，1955年召开了在西班牙电影史上占有十分重 要位置的“萨拉曼卡讨论会”。这次会仪主要讨论西班牙的电影现状，巴尔登在发言中一 针见血地指出：“西班牙电影在政治上软弱无力、反映社会问题虚假、缺乏文化素养、忽 视美学、电影工业落后。”他精辟的总结震动了当时那一代电影人，在那个高压时代，巴 尔登起到了先锋作用，成为当时电影界提倡并敢于讲真话的领路人。 1956年，巴尔登执导了《马约尔大街》，是一部涉及外省封闭环境中女人地位的正剧，根 据卡洛斯·阿尼切斯的作品《特雷贝雷斯小姐》改编，巴尔登以浓重的笔墨刻画了外省一 座小城市中人们的生活。在拍摄中，巴尔登被警察逮捕，后经法国工会组织的抗议，巴尔 登被释放，最终完成了影片的拍摄。《马约尔大街》被威尼斯电影节授予评论大奖。 1957年的《复仇》是部情节剧，涉及了农民的恩怨及和解，影片获奥斯卡最佳外语片提名 。《奏鸣曲》改编自拉蒙·德尔·瓦列|—因克兰的作品，描写了19世纪西班牙自由派和保 守派的斗争，以及墨西哥的农民运动。此后，他拍摄了《下午五点钟》、《无辜者》、《 什么事也没发生》和《机械钢琴》。巴尔登拍摄了战争题材的影片《战争的最后一天》， 歌舞片《歌舞演出》及《克里斯·米勒的堕落》等。 1975年佛朗哥去世后，巴尔登因是西班牙共产党党员被关进监狱，不久，持续了30多年的 独裁统治土崩瓦解，巴尔登被释放，西班牙在政治、经济、文化方面发生了巨大的变化。 在这种形势下，巴尔登执导了《假日》和《一月的七天》。《假日》讲述了机械师胡安利 用假日骑摩托车去外地旅游的所见所闻，巴尔登以幽默的手法表现了西班牙的社会现实。 《一月的七天》是一部政治片，导演用纪实的手法描述了1977年1月24日极右分子在马德里 阿托查大街杀害几名左派律师的真实事件，巴尔登从政治上剖析了造成这场惨案的原因， 并深刻地揭示出极右分子的思想及心理状态。这两部影片分别在第10届和第11届莫斯科电 影节获大奖。1982年的《警告》叙述了国际共产主义运动领袖季米特洛夫的生活。在此之 后，巴尔登又拍了电视连续剧《洛尔卡：诗人之死》等，1991年他拍摄了电视连续剧《青 年毕加索》。 巴尔登是属于布努艾尔之后、绍拉之前的一代导演，他的创作主要集中在佛朗哥独裁专政 时期，评价巴尔登的电影要体认他在一个特殊的年代所起的先锋作用，身为秘密的西班牙 共产党党员，巴尔登本着对西班牙电影进行革故鼎新的愿望进行创作，他作品中的人物促 使人们认识西班牙。巴尔登揭露了一个犯了错误的世界，他的批判矛头直指向西班牙资产 阶级，同时也指向中产阶级，他为西班牙电影能够反映本国的现实作了不懈的努力。巴尔 登在影片中所表现的人、社会各阶层都是僵化、孤立和封闭的，影片中的人物总是有个觉 悟的过程，人物的结局也大多是悲观的。在艺术上巴尔登认为剪接非常重要，蒙太奇是他 的电影观念的基础，他充分利用景深创造令人震撼的那个特殊年代里所做的贡献。1986年 ，他被授予美术金奖章，以表彰他对电影的贡献。 胡安·安东尼奥·巴尔登作品年表： 1951：《幸福的一对》（与贝尔兰加合导） 1953：《喜剧演员》 1955：《骑车人之死》 获奖记录：1955年第8届法国戛纳电影节国际评论奖 1956：《马约尔大街》 获奖记录：1956年第19届意大利威尼斯电影节评论大奖 1957：《复仇》 1959：《奏鸣曲》 1960：《下午五点钟》 1963：《无辜的人们》 1963：《什么事也没发生》 1965：《机械钢琴》 获奖记录：柏林电影节联合评论奖 1968：《战争的最后一天》 1970：《歌舞演出》 1972：《克里斯·米勒的堕落》 1976：《桥》 获奖记录：1977年第10届莫斯科电影节大奖 1976：《假日》 获奖记录：1977年第10届莫斯科电影节大奖 1978：《一月的七天》 获奖记录：1978年第11届莫斯科电影节大奖 1982：《警告》 获奖记录：卡罗维发利电影节特别奖 费德里科·费里尼（Federico Fellini，1920－1993） 费德里科·费里尼1920年1月20日出生于意大利北方里米尼海港的一个中产阶级家庭， 小时候的费里尼就对马戏团及小丑情有独衷，还因为此在7岁到12岁之间偷偷溜出去流浪了 几天。这个小时候的向往最终贯穿了费里尼一生的电影，无论是他早期的扬名立万之作《 大路》，还是他大众普及率最高的《八部半》，马戏团那盯盯当当的音乐总是或强或弱。 费里尼于1939年成了一名广播剧和电影编剧。1945年费里尼辅助罗西里尼导演了《罗 马，不设防的城市》，它一面世就成了新现实主义的扛鼎之作，被罗西里尼信任和器重的 费里尼被理所当然地认为是新现实主义的得力干将。在1950年之前，费里尼基本上是以编 剧和副导的身份出现。这段生涯为费里尼涉足导演提供了充分的练手机会，同时他独有的 创作理念也正在逐渐形成。1950年费里尼与别人合作导演了《卖艺春秋》，他的妻子玛茜 娜主演。这部处女作奠定了费里尼电影的几个基本特征，一是马戏团情结，本片讲的就是 在意大利城乡流浪的命运凄惨的杂耍艺人，二是片场的马戏团化。第二年，《白酋长》问 世，1953年的《浪荡儿》是费里尼第一部引起国际瞩目的电影，它最终获得了威尼斯电影 节银狮奖。 1954年，《道路》公映，这是费里尼早期最重要的一部电影。流浪艺人藏巴诺买下了 弱智姑娘杰尔索米娜，杰尔索米娜又遇到了一个走钢丝绰号“疯子”的艺人，然后三人的 命运改变了，最后藏巴诺杀了“疯子”，杰尔索米娜常唱的歌倒是马戏团唱着，可是她本 人却列死了，孑然一身的藏巴诺在黑夜的指引下来到海边，对着大海莫名地哭泣。这部电 影成了费里尼电影生涯中最赚人眼泪的一部作品。《道路》使费里尼名声大噪，也是他自 立门户的起点。1955年的《骗子》，费里尼继续描摹着颓靡，一个平庸的骗子奥古斯都在 费里尼的镜头下充满着悲凉。1957年的《卡比利亚之夜》是费里尼的第二部奥斯卡最佳外 语片，这部电影或者可以说是费里尼与新现实主义完全分道扬镳的作品，电影大理论家巴 赞曾有这样一篇文章《卡比利亚之夜——新现实主义历程的终结》，专门对此论述。 在1960年的《甜蜜的生活》中，费里尼与“真实”的告别更是斩钉截铁，记者马塞每 天钻在罗马上流社会找新闻，历尽了其中的骄奢淫逸的生活。宗教极热分子，肉欲蓬勃的 明星，无所不用其极的狗仔队……电影在现这产眼乱缭乱的幻想中轻快游走，肆无忌惮地 画出一个世界整体随落的全景。这部光怪陆离的电影一公映，就引起了阵轩然大波，教皇 气得拍了桌子，梵蒂冈教廷专门发起一场运动来抵制这部“图谋不轨”的电影，而意大利 的上流社会因片子对他们剥皮剔骨地揭露而怒火中烧，左派也因费里尼远离社会底层而颇 有微辞。 两年后，费里尼和德·西卡、维斯康蒂联合执导了《三艳嬉春》，三个导演分别执导了一 个短片，关于女人的一次生动的比喻。 1963年的《八部半》以一个灵感枯竭的导演基多为主人公，他在筹拍他的第九部电影 时的经历，回忆、幻想、梦臆以及现实穿插。在这部电影中，费里尼对梦的表现可以与弗 洛伊德的精神分析相媲美，片中共有的11个梦成了电影学院研究的范本。开头从紧闭的车 中爬出，飞向天空，后来又有根绳子把他扯了下来，以及他被一大群女人围着给洗澡的镜 头，都可以称为神来之笔。《八部半》为其后的心理片确立了一个经典范式。而该片在摄 影及剪接上的创机关报也不可忽视，费里尼对于运动镜头的把握炉火纯青，在疗养院段落 开场的那个镜头中，摄影机如行云流水般地穿行摇移于空间之中，将疗养院复杂的人物交 待得有条不紊。基多在服务台和罗马的妻子通完电话后的镜头处理方式，20年代好莱坞才 学会。而本片的如同时空穿梭的剪接也被命名为“意识流”风格。 费里尼在《八部半》之后，显然觉得剖析自己还不够，于是另一部具有自传色彩的电 影出现了，《朱丽叶与魔鬼》是他的第一部彩色电影，仍由费里尼的妻子玛茜娜主演，一 个阔太太对她的富翁丈夫疑神疑鬼，为了达到目地她向私家侦探求助，最终陷入精神崩溃 。这部电影被称作女性版的《八部半》，荒诞的幻境比起《八部半》有过之而不及，为了 表现这种气氛，费里尼经常去造访灵媒和所谓通灵人士。费里尼在片中继续了他对女性肆 无忌惮的幻想，片中对外遇的解释更是让人瞠目结舌，所谓偷情只是把自己的性器官借给 别人用一下而。在此片之后，他和妻子多年没有合作，直到1986年的《金格和弗雷德》。 相对于《八部半》和《朱丽叶与魔鬼》的成功，1968年的《死亡精灵》和《爱情神话 》就显得失败了。1970年代初，费里尼先后推出了《小丑》、《罗马》、《阿玛珂德》等 几部作品。费里尼天才般的想像力在《爱情神话》、《卡萨诺瓦》、《女人城》中表现得 最为夸张，不动声色地讽喻现实的沉沦。八十年代后，费里尼无论如何努力，他的才华已 不在巅峰状态，而他似乎也开始对那种极尽绚烂的叙述方式减淡了兴趣，1983年的《扬帆 》就是费里尼这种状态的准确产物。在费里尼1990年落幕之作《月吟》之前，费里尼还拍 了两部长片《金格和弗莱德》及《访谈录》。 1993年10月30日，费里尼病逝，意大利为其举行国葬，联合国教科文组织专门铸造了 费里尼勋章。 费德里科·费里尼作品年表： 1950：《卖艺春秋》Variety Lights 1952：《白酋长》the white sheik 1953：《城市里的爱情》（集锦片中一个插曲：《婚姻介绍所》） 1953：《浪荡儿》I Vitelloni 获奖记录：1953年第16届意大利威尼斯电影节银狮奖 1954：《道路》La Strada 获奖记录：1954年第17届意大利威尼斯电影节银狮奖 1956年第29届美国奥斯卡最佳外语片奖 1955：《骗子》Ilbidone 1957：《卡比利亚之夜》Nights of Cabiria 获奖记录：1957年第30届美国奥斯卡最佳外语片奖 1957年第10届法国戛纳电影节最佳女主角奖 1960：《甜蜜的生活》La doice Vita 获奖记录：1960年第13届法国戛纳电影节金棕榈奖 1962：《三艳嬉春》Boccaccio’70（另译：《薄伽丘70》）（和德·西卡、维斯康蒂联合 执导） 1963：《八部半》Otto e Mezzo 获奖记录：1964年第36届美国奥斯卡最佳外语片奖、最佳服装设计奖 1963年莫斯科电影节大奖 1965：《朱丽叶与魔鬼》Juliet of the spirits 1968：《死亡精灵》（与另外两位导演合作摄制其中的《该死的托比》）Spirits of the Dead 1969：《爱情神话》Fellini Satyricon 1970：《小丑》（电视片）The Clowns 1971：《罗马》Fellini\'s Roma 1973：《阿玛柯德》Amarcord 获奖记录：1975年第47届美国奥斯卡最佳外语片奖 1976：《卡萨诺瓦》Fellini\'s Casanova 1978：《乐队排演》Orchestra Rehearsal 1980：《女人城》City of Women 1983：《扬帆》And the Ship Sails On 1986：《金格和弗莱德》Ginger and Fred 1987：《访谈录》Intervista 1990：《月吟》The Voice of the Moon 大岛渚（Nagisa Oshima，1932－ ） 大岛渚1932年3月21日生于日本京都，父亲在渔场任职，据说是武士之后。在他6岁时，父 亲去世，他在母亲的抚养教育下长大。在大岛渚的童年记忆中，父亲是个颇有成就的业余 诗人和画家。大岛渚在童年时代阅读了大量父亲留下的共产党、社会党书籍，和其他的大 量诗歌文学作品。中学时代，已经厌倦了孤单阅读的大岛渚开始热衷棒球运动，并开始创 作诗歌和小说。 1950年，大岛渚十分自然地进入了京都大学法学部学习。京都大学是他一直希望考取 的，这是因为他年轻时看过的一部影片，推崇了京都大学一名教授的进步言论。然而，大 岛渚并没有在自己选中的法学部找到理想，于是他开始热心学运。大岛渚先是成为京都大 学学生副主席，后又被选为京都大学学生联盟主席，但这样学生活动的经历让他彻底失望 了。1951年，日本天皇访问学校的时候，大岛渚和他的同学被禁止公开提问，于是，他们 公开张贴大字报，要求天皇不要再神化自己，这次“天皇事件”直接导致了学生联盟的解 散。1953年时，该组织又成立了一次，大岛渚成了公认的领袖。后来发生了大规模的游行 ，引来警察的干预，学生运动也在事实上彻底失败了。这些大学时期的学运活动失败的经 历，使得大岛渚开始更深层次地思考社会形势、政治局势、学生运动等等问题，对大岛渚 后来的电影创作产生了很大影响。 1954年，大岛渚大学毕业进入社会。由于他的学运经历，他被认为是“赤色分子”， 几乎无法得到工作，甚至纺织和造纸公司都不接受他。大岛渚考入松竹公司大船制片厂工 作几乎是个历史误会，直到进入松竹公司时，他对电影还几乎是一无所知。五年时间，大 岛渚只参加了十五部影片的拍摄，这在高产的日本电影业实在不算多，但是他在这一期间 却完成了十一部剧本。 在1959年前后，松竹公司出于电影业的趋势，被迫起用新人导演，写过大量剧本的大岛渚 在27岁时就破格晋升为导演，开始了自己的创作生涯。第一部影片《爱与希望的街》就是 大岛渚自己的剧本，虽然这部处女作和他成熟时期的代表作品还有距离，但已经充分显示 出今后大岛渚作品中风格、主题、人物等主要元素的大致轮廓。问题是大岛渚在影片的主 题和情节处理上和松竹公司有着极大的分歧，作为对大岛渚的报复，影片只被安排在松竹 公司一家二流的乡村影院里首映，而且此后半年时间里大岛渚没被安排任何新的工作。 1960年，大岛渚又得到第二次机会，执导《青春残酷物语》。这部影片把大岛渚真正 推到日本电影新浪潮的最前沿，奠定了大岛渚作为成功新人导演的影坛地位。大岛渚在影 片中关注的正是当时年轻人面对社会、青春、学运的观念和心态，拍摄手法虽然没有同时 期法国的《精疲力尽》那样具有彻底的颠覆性，但也在普通技法的基础上大胆应用前卫手 段，是当时日本影坛的一大创举。 在短暂的成功之后不久，公司鉴于其他很多新人作品商业上的不成功，陆续停止了新 人导演们的继续创作。大岛渚也因为《日本的夜与雾》上映时发生的日本社会党委员长被 刺的政治事件受到牵连，而被公司停止了创作。一怒之下，大岛渚约集一批同事集体退出 松竹公司，成立独立制片的“创造社”。 直到1973年大岛渚解散创造社，这个一直在艰难中挣扎的创作组织大大小小共拍摄了 23部电影、电视作品，数量、质量不可谓不丰。大岛渚以惊人的创作力完成了自己的许多 杰作：大江健三郎小说改编的《饲养》；关于战后民主思想运动和“性的恶魔”的《白昼 的恶魔》；民间春歌与民主思想的《日本春歌考》；卡夫卡式的描写在日朝鲜人的黑色幽 默影片《绞刑》；描述新宿一带先锋艺术家生活的《新宿小偷日记》；新一代少年反抗社 会的《少年》；战败后日本名门家族故事的《仪式》等故事长片和《被忘却的皇军》、《 大东亚战争》、《毛泽东》等一大批电影电视纪录片。这一时期的作品虽然没有大岛渚后 期作品的巨大声名，但其杰出程度却不亚于那些著名作品，甚至还要更胜一筹。这一时期 ，大岛渚延续了自己政治、社会、革命、左派等等诸多一贯关注的主题，并由于大量应用 纪录片等更为直接的电视体裁而使得思路和主旨更为鲜明、突出。而且，在艰难的独立制 片过程中，大岛渚还开创了“1000万日元电影”的极低成本的制作模式，并创作出几部极 为出色的“示范之作”。 1970年代以后，大岛渚在拍摄了大量在日朝鲜人题材的电影电视作品之后，对女性题 材产生了很大兴趣。女性，在日本一直是第二性的概念，和那些“亚等”朝鲜人有着相似 的社会地位。大岛渚在1973年就作为一档著名的女性早间电视节目主持人制作了一批采访 节目。同这些被采访女人的接触，形成了大岛渚这一段时期对女性题材的敏感，也为日后 《感官王国》、《爱的亡灵》等片的女性主义立场奠定基础。 1973年，法国制片人德曼提出要为大岛渚制作国际影片，大岛渚考虑到“创造社”时期作 品受到成本限制的窘态，同时也是为了达到创作上的更加“自由”，答应了这一要求。从 此，大岛渚本已在国际上赢得承认的地位更加稳固。两人合作的第一部影片就是著名的《 感官王国》，影片以热烈的性交场面和性虐待观念描写了阿部定杀死情人的真实案件，从 而轰动世界影坛。国外资本的注入使影片得以摆脱日本电检制度的束缚，大岛渚为追求真 实感而要求演员做真正的性交，对各种生理、心理的变态性行为也不加避讳地直接表现出 来。1978年，大岛渚乘胜追击，又完成一部探讨性欲与爱情的狂放之作《爱之亡灵》，两 部性爱影片为大岛渚奠定世界级大导演的地位。两部姊妹篇虽然都以性交场面闻名，但其 中不时散发出死亡气息而演变成壮烈仪式的性爱氛围却不是纸上谈兵所能感悟的。 80年代，大岛渚先后完成战争凝聚同性爱，以及反思日本战争精神的《圣诞快乐，劳 伦斯先生》和涉及人、猿感情的“法国电影”《马克斯，我的爱》，都是极具争议性的著 名作品。到此为止，似乎大岛渚已经完成了他毕生的作品，虽然1991年他艰难地拍出了一 部《京都，母亲之城》，但严重的疾病几乎不允许这位杰出的导演再拍佳作了。 即将进入21世纪之际，大岛渚几乎已经离开观众十三年之久了，然而他终于克制住病魔， 重新回到电影制作前线。根据著名作家司马辽太郎的小说改编的新作《御法度》，是一部 唯美风格的古装影片，讲述了江户时代末期，一群青年武士奋起抗击幕府的故事。大岛渚 并没有视线放在政治与历史上，而是浓彩重墨地描画出这些青年的武士道精神和男人之间 的暧昧感情，在这一点上似乎与他的名作《圣诞快乐，劳伦斯先生》很相似。这是一部所 谓“菊花与剑”模式的日本电影，由新出道的美少年松田龙平主演。曾经在《圣诞快乐， 劳伦斯先生》中饰演日本小队长原上士的北野武，虽然近几年已经成为世界瞩目的日本电 影名导，此番也回到曾经一手提携他的恩师麾下效力，饰演威武的武士首领。影片在戛纳 电影节上获得观众和影评人的一致喝彩。 大岛渚是日本“新浪潮”电影的代表人物。他的影片具有独特的个性，中早期影片带有明 显的先锋前卫色彩，他几乎所有作品的主题都在不同程度上有反传统、反体制的观念，他 影片中的主要人物也或多或少的可以称之为“反”英雄，至于他从60年代初组建“创造社 ”以来的独立制片思想和作者论态度，更把他与大部分日本电影工作者的制片厂工作方式 截然分开。 大岛渚作品年表： 1959：《爱与希望的街》 1960：《青春残酷物语》 1960：《太阳之墓场》 1960：《日本的夜与雾》 1961:《饲养》 1962:《天草四郎诗贞》 1965:《南鹤少年日记》 1965:《悦乐》 1966:《白昼的恶魔》 1967：《日本春歌考》 1967：《无理日本之夏》 1967：《忍者武艺帐》 1968：《复活的醉鬼》 1968：《绞死刑》 1968：《新宿小偷日记》 1969:《少年》 1970:《东京战争战后秘话》 1972:《夏之妹》 1972：《仪式》 1976：《感官世界》In The Realm Of The Senses 1978：《爱的亡灵》Empire of Passion；Empire of the Passions 获奖记录：1978年第31届法国戛纳电影节最佳导演奖 1983：《圣诞快乐，劳伦斯先生》Merry Christmas, Mr Lawrence 1986：《马克斯，我的爱》 1991：《京都，母亲之城》（纪录片） 1994：《日本电影百年史》（纪录片） 1999：《御法度》Gohatto 克日什托夫·基耶斯洛夫斯基（Krzysztof Kieslowski，1941－1996） 克日什托夫·基耶斯洛夫斯基1941年6月27日出生于波兰华沙一个土木工程师家庭。还 在童年时代，父亲就患上肺结核，因为常常更换医院，一家人便居无定所。这种情况持续 了12年，直到父亲死去。这种颠沛流离的生活使基耶斯洛夫斯基养成了沉默寡言的性格， 在他尚小的心灵里投下了悲观的阴影。 在考入洛滋电影学院之前，他曾在消防队训练学院、华沙剧场技师学院学习，做过文 化局的办事员、剧场服装师等职业。由于对剧场艺术的热爱，他立志做一名电影导演，然 而连续两次报考洛滋电影学院都没有被录取。在第三次努力下他终于如愿以尝考上了电影 学院。 1969年，他从洛滋电影学院毕业，同年完成了毕业作品《洛滋小城》（纪录短片）。 毕业后，他分配到国家纪录片工作室拍摄纪录片。到1980年为止，他共拍摄了18部纪录片 ，这些纪录片大致可分为两类。一类是反映波兰社会的政治生活状况，如《工人（71）》 （1972）、《履历》（1975）、《守夜者的观点》（1977）、《我不知道》（1977）等； 另一类则是描述普通波兰人民的喜怒哀乐和他们的生活状况，如《初恋》（1974）、《医 院》（1976）、《车站》（1980）等。纪录片生涯对基耶斯洛夫斯基的故事片的创作产生 了两点不可忽略的影响，一是对现实的关注滋长了他悲观厌世的情绪，最终去构筑一个远 离现实的现实世界；二是形成了他故事片浓郁的纪实风格。 事实上，早在1973年的时候，他就拍摄了自己的第一部故事短片《人行地下道》，这 算是一部电视电影。其他还有《人员》（1975）、《宁静》（1976）等几部电视电影。像 许多欧洲著名导演一样，他曾经经历了“电视电影导演”的创作道路，并且成绩斐然。 1976年拍摄的《疤》（另译《生命的烙印》）是他真正意义上的故事长片，获的了莫 斯科电影节大奖。 《盲打误撞》和《无止无休》是基耶斯洛夫斯基两部承前启后的作品。这两部影片一 方面保持了对波兰社会现实的种种关注，另一方面对个人命运和情感的思索注入了哲学和 宗教的色彩。《盲打误撞》讲述的是医学院学生威弟克接到父亲死亡的信后赶到火车站乘 火车回家，由此威弟克的命运出现了三种可能性：1、他赶上了火车，结识了一名老共产党 员，后来自己也加入了共产党；２、他没有赶上火车，与警察发生冲突，被送进监狱，遇 到一名政治犯，最终成为与政府对立的反对分子；３、他没赶上火车，巧遇一个过去的女 同学，后来顺理成章的结婚、从医，一次因公出国，飞机刚刚起飞就爆炸…… 《盲打误撞》对后世的电影产生了很大的影响，其中最出名的是德国汤姆 提克威的 《罗拉快跑》（1998）和英国的《滑动门》（1997）两部作品。 1988年，基耶斯洛夫斯基创作了电视系列片《十诫》。其中第五诫和第六诫被制作成 了电影《关于杀人的短片》和《关于爱情的短片》，两部影片都获得了国际奖项，引起世 人极大的关注。 1991年的《维洛尼卡的双重生命》是一部诗一样的电影。基耶斯洛夫斯基说：“那部 片子在讨论感性、预感和人际关系的东西。”两个同年同月同日生的姑娘，一个是波兰人 ，另一个是法国人，她们有着相同的容颜，有着相同的名字——维洛尼卡，但都不知道对 方的存在。她们都有音乐天赋，她们都有激情、爱情和忧伤，甚至有相同的疾患——心脏 病。她们没有来往，也不相识，但隐隐的感到对方的存在。所有这一切，被某种神秘的氛 围笼罩着，无法确定它们之间的因果关系。 1993年至1994年，基耶斯洛夫斯基拍摄了以法国国旗“红、蓝、白”三色为主题的《 红色》、《蓝色》、《白色》，分别以象征“自由、平等、博爱”的三种色彩为意义的出 发点，对人生命的意义做了一次思考和反问。这三部影片深刻而彻底地剖析了人类情感中 最深层的部分,揭示了空虚寂寞的真正本质——人天生是孤独无助的。 基耶斯洛夫斯基在1994年《红色》参加完戛纳电影节后，他宣布退休，告别影坛。 1996年3月13日，基耶斯洛夫斯基因为心脏病手术不成功，离开人世，享年54岁。 基耶斯洛夫斯基的影片构成一幅独特的电影人文景观，他利用娴熟的电影语言技巧揭 示了人物内心深处的复杂情感，形成了具有表现主义倾向的纪实性影片风格。被电影史家 视为八、九十年代最具有独创性，最有才华而又最无所顾及的电影大师。 克日什托夫·基耶斯洛夫斯基作品年表： 1973：《人行地下道》（电视电影） 1975：《人员》（电视电影） 1976：《疤》（另译《生命的烙印》） 获奖记录：莫斯科电影节大奖 1976：《宁静》（电视电影） 1979：《影迷》 1981：《盲打误撞》 1981：《短暂的工作日》 1984：《无止无休》 1988：《十诫》（10部电视单元剧） 1988：《关于杀人的短片》 获奖记录：1988年第41届法国戛纳电影节评委会奖、欧洲电影节最佳影片奖 1988：《关于爱情的短片》 获奖记录：1989年西班牙圣塞巴斯蒂安电影节评委会特别奖 1991：《维洛尼卡的双重生命》 1993：《蓝色》 获奖记录：1993年第49届意大利威尼斯电影节金狮奖、最佳女主角、摄影特别奖 1994年第19届法国电影恺撒奖最佳女演员、最佳剪辑、最佳音效奖 1993：《白色》 获奖记录：1994年第44届德国柏林电影节最佳导演奖 1994：《红色》 路易·马勒（Louis Malle，1932－1995） 路易·马勒1932年10月30日出生于法国北部，父亲是法国北部闻名的实业家，母亲是 著名糖业工厂的继承人。马勒从小在天主教的严格家教中接受教育。二战爆发后的混乱时 期，马勒随父亲辗转各地，这种童年的颠沛以及德军占领的影响，使得马勒几乎从来没有 固定的学校教育。马勒一向就对自己生长的富豪家庭怀有叛逆精神，因此在动荡的少年时 代依旧沉溺于自己的孤独之中，这也成了他喜爱电影的原因。 马勒少年生活中，最重要的一件事发生在他12岁的时候。当时，他寄读于枫丹白露旁 的卡尔穆·塔文学校。一天，德国盖世太保闯入校园，冲入课堂，抓走了三个犹太小伙伴 ，以及藏匿犹太少年的让·德·耶苏神父。小路易亲眼目睹了这一幕令人恐惧的赤裸裸的 法西斯暴行。在赴奥斯威辛集中营前，可怜的小同学凝望着大家，与伙伴们一一握别。那 一刻让他永生难忘。每每谈及这段往事，他便怒火中烧，愤愤不已。这段深藏于内心的记 忆或多或少为他长大后进入演艺圈产生了一定的影响，并在他晚年的《再见，孩子们》中 予以再现。 马勒在14岁时就萌发了拍电影的愿望，19岁进入法国高等电影研究院，认真学习了2年 电影。在研究院学习时，马勒对电影理论并不感兴趣，而是一味努力实践如何表现影像。 毕业时，他拒绝向学校递交论文，表明了他重实践不重理论的观念。 马勒还在电影研究院时，得到一个机会，随格斯特上校拍摄了一些类似科教片的纪录 短片，这给急于实践的马勒提供了方便。随后，格斯特上校筹备拍摄海底纪录片《静静的 世界》，这部影片使用了改进过的摄影设备，可以比较方便地进行水下摄影。马勒随同格 斯特上校在地中海、红海、印度洋等水域进行了大规模的拍摄工作，并自己下海拍摄鲨鱼 镜头。1956年4月这部当时少见的影片上映时，片头注明是两人联合导演。影片不仅在票房 上获得成功，而且还获得戛纳电影节最高大奖。年仅24岁的马勒，第一次站在了戛纳电影 节的领奖台上。 1958年，马勒执导了《情人们》,描写一个富裕家庭的太太与一面相识的陌生青年，抛 开传统的伦理道德，共度一夜纯粹的爱的生活。整部影片全由典雅优美的影像构成，以新 鲜的手法和感觉再次震惊世界影坛，获得1958年威尼斯电影节最佳导演奖。可以说，马勒 是法国新浪潮电影的引火线，他以一个新人的面孔出现，拍摄的影片既叫好又叫座，使得 更多的新人影片得以投拍，这才陆续推出雷奈、戈达尔、特吕弗、夏布洛尔等一大批新浪 潮著名导演的处女作。 此后，马勒曾经试图与影坛前辈罗伯特·布烈松合作《抵抗》一片，后因意见不合分 手。马勒开始自己撰写剧本，并与制片人扬朱里埃相遇，成为知交好友。在马勒富豪父亲 的财力背景支持下，两人合作。大制片商拿破仑·穆拉王子非常赏识马勒的作风和能力， 投资由马勒独立执导的第一部剧情长片《死刑台与电梯》，该片是随后兴起的法国新浪潮 电影的先声。当时，马勒年仅25岁。全片大胆使用当时很流行的摩登爵士乐，以战后一代 的新感觉在高度机械化和人性化的巴黎社会背景下，描写一个年轻人和有夫之妇发生暧昧 关系，进而杀人，最后因一步之差被关在电梯中，束手就擒的故事。马勒在早先不久结识 了舞台剧女演员让娜·莫罗，两人相互倾慕彼此的才华，相约合作。马勒也就从第一部剧 情片开始了与莫罗的长期合作，莫罗也凭借马勒的几部作品成为法国银幕上的顶级女星。 影片以高度紧张、冰冷的感觉以及相对黑色的风格吸引了观众，创下了高票房。影片还得 到评论界一致的好评，著名左派评论家乔治·萨杜尔称导演为“电影诗人”，影片还获得 该年度“路易德吕克奖”。 1960年，马勒以默片时代闹剧手法拍摄了改编自同名小说的《扎奇在地铁》，又让著 名艳星碧姬·巴铎自己饰演自己，拍摄了半纪录半剧情的影片《私生活》，以崭新的手法 和电影观念博得观众和影评家的一致好评。 1963年，马勒改编了法国著名小说《鬼火》，影片描写一个酗酒的堕落浪子，在自杀 前的种种遭遇和颓废的心态。此时的马勒也已经接近而立之年，该片正是他有感而发，将 自己怀念已逝的青春时代的心情，描写得淋漓尽致，带着极灰暗的颓废色彩。《鬼火》可 以说是马勒艺术上的一面金字塔，并为他获得第26届威尼斯电影节评委会特别奖。 在一段时期都拍摄文艺性比较强的影片后，马勒在1965年和1966年，连续拍摄了两部 大制作的娱乐片。在今天看来，这两部影片的节奏、娱乐性都不够“刺激”，但两部影片 都能在轻松愉快之中给人留下美好的印象。像《江湖女间谍》中让娜·莫罗和碧姬·巴铎 两大女星联手作战，重机枪狂扫的镜头；《大盗贼》中贝尔蒙多优雅的大盗形象都是不可 磨灭的。 1968年，马勒又对纪录片重新燃起兴趣，拍摄了《印度印象》系列片。影片站在一个外国 人角度，以“直接电影”理念，向观众展示出摄影机前真实的印度。这一套影片在全球引 起广泛的兴趣，印度政府向电视台发出严重抗议，甚至采用外交手段驱逐BBC的印度员工。 但无论如何，这一套影片已经是纪录电影史上的经典之作。 在一系列纪录片之后，马勒执导了一部涉嫌表现乱伦的影片《好奇心》。影片反映他对自 己少年时代的追忆，以优美细腻的笔触涉及母子乱伦情感的敏感题材。尽管争议声一片， 但马勒又无可争议地挽回他在剧情片界当年的声誉。 1973年，马勒又执导了一部争议性极大的作品《拉孔布·吕西安》，从人性及社会学 的角度看待二战时期一个年轻的法官，以次揭露普通人心中“平凡的邪恶”。此片将他独 有的才华发挥到极至，又一次为马勒赢得世界性的声誉。影片暴露了法德合作这一真实的 历史背景，因此几乎惹恼了法国国内各个阶层，这一结果使得他在法国几乎无法立足。在 拍摄了一部晦涩难懂的神话寓言影片《黑月亮》之后，马勒离开法国，到好莱坞发展。 1978年，出于对爵士乐和对少年面对腐败的成人社会题材的兴趣，马勒在美国拍了自己第 一部英语影片《雏妓》，影片描写的是爵士乐和妓女制度在南方衰落的背景下，一个雏妓 和一个专为妓女拍摄的摄影师的故事。影片不仅使马勒在美国确立了自己的地位，也使得 童星波姬小丝一举成名。 此后，他在美国依旧不向商业电影屈服，拍出了怀旧色彩的力作《大西洋城》和引起“安 德烈晚餐会”沙龙风潮的《与安德烈共进晚餐》以及一系列的纪录片佳作，如《快乐的追 逐》、《上帝的国度》等，在美国电影界和文化界留下深远的影响。 1987年，马勒又回到欧洲，拍摄了自己后期的最佳作品《再见，孩子们》，以自己的童年 经历为线索，描述了二战阴影下的孩子们。老导演以清新一如往昔的影像风格和诗情得到 评论界和观众的一致称赞，并获得威尼斯金狮奖。 1989年，马勒拍摄了以1968年法国学生运动为背景的影片《五月傻瓜》，以剧情片的方式 展现了自己对于“五月风暴”的回忆和观点。 90年代初，马勒在好莱坞又推出一部惊世之作《毁灭》，这又是一部涉及乱伦的激情电影 ，描述一个参议员，在见到自己的儿媳后，不能自禁，最后导致儿子坠楼身亡的悲剧故事 。但时过境迁，马勒并未能取得以往的成绩，但作为一位年介六旬的老导演，能拍出这样 激情四溢且极具冲击力的影片，实在令人叹服。 1993年，刚刚完成了心脏手术后的路易·马勒担任了戛纳电影节的主席。之后，他又开始 拍摄新片《万尼亚在42街》，这部实验性很强的片子描述了契诃夫的小说《万尼亚舅舅》 在纽约42街口被改编排演为舞台剧的过程。1995年在这部新作即将推出之时，马勒不幸因 淋巴病变而逝世。一代名导从此与他热爱的世界诀别，但他一生几十部作品将功垂影史， 令名不朽。 路易·马勒作品年表： 1956：《 静静的世界》（纪录片，和雅克-伊夫·库斯托合导）Silent World 获奖记录：1956年第9届法国戛纳电影节金棕榈奖 1957：《死刑台与电梯》 Ascenseur pour l\'échafaud 1958：《情人们》The Lover 获奖记录：1958年第21届威尼斯电影节最佳导演奖 1959：《私生活》 A Very Private Affair 1960：《扎奇在地铁》 Zazie in the Subway 1963：《鬼火》Feu follet 获奖记录：1963年第26届威尼斯电影节评委会特别奖 1965：《江湖女间谍》（另译《万福玛利亚》） Viva María! 1967：《大窃贼》 The Thief of Paris 1968：《勾魂摄魄之威廉·威尔逊》 Spirits of the Dead 1969：《印度印象》（电视剧集）Phantom India 1971：《好奇心》 Murmur of the Heart 1974：《拉孔布·吕西安》Lacombe Lucien 1974：《人性，太人性》（纪录片） Human, Too Human 1974：《协和广场》（纪录片） Place de la république 1975：《黑月亮》 Black Moon 1976：《特写》（纪录片） Close Up 1978：《雏妓》Pretty Baby 1980：《大西洋城》Atlantic City 获奖记录：1980年第37届意大利威尼斯电影节金狮奖 第３５届英国电影学院最佳导演奖、最佳男演员奖 1981：《与安德烈共进晚餐》My Dinner with André 1984：《穷酸白人》Crackers 1985：《阿拉莫湾》Alamo Bay 1986：《上帝的国度》（电视剧集）God\'s Country 1987：《快乐的追逐》（纪录片）And the Pursuit of Happiness 1987：《再见，孩子们》Goodbye Children 获奖记录：1987年第44届意大利威尼斯电影节金狮奖 1989：《五月傻瓜》（另译《米罗在五月》） May Fools 1992：《毁灭》（另译《爱情重伤》）Damage 1994：《万尼亚在42街》 Vanya on 42nd Street 阿伦·雷奈（Alain Resnais,1922－ ） 阿伦·雷奈1922年6月3日出生于法国布丹。电影、漫画、普鲁斯特的小说给了他艺术的启 蒙。他后来说漫画是第一种让他认识到电影技巧的媒介，他为了看没有法译本的连环画甚 至跑到意大利！ 1939年，雷奈在巴黎的生活目标由做一个教师转到舞台表演。1943年，他考入法国高等电 影学院，但只读了18个月就退学了，他认为在昂利·朗瓦的法国电影资料馆看经典电影， 比在学校上课的收益更大。之后，雷奈搬到了塞纳河左岸，正式开始了他的电影事业。在 这个时期，他对蒙太奇和场面调度之间的关系做了一系列的重要实验。1948年的作品《梵 高》为他赢得了威尼斯电影节的两个奖项及奥斯卡短片金像奖。 雷奈1950年的短片《格尔尼卡》中用自己独特的蒙太奇手法把毕加索的名画及超现实主义 诗人的解说词拼合在一起，强烈的表达了他对战争的不满。1956年，他的另一部经典纪录 短片《夜与雾》面世，不同于传统的纪录片，雷奈不追求细节的重组，而以强调观众主动 想象和回忆的独特手法又一次撼动人心，而对于《夜与雾》来说更重要的一点是：记忆和 遗忘作为雷奈电影中的母题，正是从这部影片中开始出现的。 在雷奈的电影中，我们看到的是《广岛之恋》中的原子弹爆炸与作为个人记忆的女主人公 同两个男子之间的恋情；作为战争记忆的《夜与雾》；《穆里爱》中法国在殖民地阿尔及 利亚的暴行；政治立场非常强的《远离越南》；以英国为背景而触及了智利独裁政府的暗 杀活动的《天意》以及《活在战争的梦魇中》这部1960年代重要的政治电影之一，剧中一 句“战争虽然完结，打斗依然继续”成为传诵一时的名句。 而《广岛之恋》是西方电影史上一部划时代的作品。它标志着西方电影从传统时期进入现 代时期。它是与“新浪潮”同时期的一个重要流派“左岸派”（另两位“左岸派”的代表 人物是玛格丽特· 杜拉斯，代表作品《印度之歌》；阿兰·罗勃－格里叶，代表作品《横 越欧洲特快列车》）的一部具有作者独特风格的，并带有十分浓烈的文学色彩的“现代电 影”的开山之作。有人认为这是一部“空前伟大的作品”；“也许和《公民凯恩》同样重 要”。 1961年，雷奈的另一部经典名作《去年在马里昂巴德》获得威尼斯电影节金狮奖。在这部 影片中，雷奈打散了人名（甚至没有名字）、时间与地点的确定性，走进怀疑主义的思考 ，使该片对大部分观众来说更像是一个猜谜游戏，但更重要的是，正如雷奈自己所说的“ 形式就是风格”。 1980年，雷奈的实验又进入了新的阶段。《我的美国舅舅》是以行为学家昂利·拿布烈的 论文为蓝本，分析了3个法国人的行为。全片交织着变幻莫测的时空迷宫，冷峻的思辩色彩 。进入90年代的雷奈，以《吸烟／不吸烟》、《人人都爱唱的歌》使他被封以“后现代大 师”的冠冕。《吸烟／不吸烟》由一个选择的不同路径出发，演化出十多种不同的结局， 表现了人生变幻莫测的偶然性。雷奈用两位演员饰演9个角色，在实验上又大胆地迈出了一 步。《人人都爱唱的歌》中，雷奈让主人公用流行歌曲来代替对话，使电影“成为一种可 以在记录与想象、情节剧和哲学之间自由跳跃的媒介”。 2003年，81岁的雷奈又拍摄了《别在我的唇上亲吻》。在拍摄这部作品前，他的另一部筹 拍中的影片因为重重阻力而被耽搁了下来，于是他干脆重起炉灶，搞起了法国20年代的轻 歌剧。故事讲述大战刚刚结束，庆幸生还的蚁民疯狂寄情于食色性，歌台舞榭空前蓬勃， 用华丽缤纷提供安慰。全片把雷乃的“构建真实”理念深入运用，艺术成就非凡，歌舞动 人，绝对是法国歌舞艺术的精粹。 阿伦·雷奈是个富于探索精神和创新精神的法国电影大师，他掌握了视觉和语言之间最完 美的平衡，运用画面的时空交错的潜意识流手法准确地表现出人的潜意识活动。 阿伦·雷奈作品年表： 1948：《梵高》（短片） 获奖记录：1949年第22届美国奥斯卡短片金像奖 1950：《格尔尼卡》（短片） 1951：《高更》（短片） 1956：《夜与雾》（纪录片） 1956：《全世界记忆犹新》（短片） 1959：《广岛之恋》 获奖记录：1959年第12届法国戛纳电影节评委会大奖 1961：《去年在马里昂巴德》 获奖记录：1961年第26届意大利威尼斯电影节金狮奖 1963：《穆里爱》 1966：《活在战争的梦魇中》 1967：《远离越南》 1974：《斯塔维斯基》 1977：《天意》 1980：《我的美国舅舅》 获奖记录：1980年第33届法国戛纳电影节评委会大奖 1983：《生活像小说》 1984：《生死恋》 1986：《几度春风几度霜》 1989：《我要回家》 1993：《吸烟／不吸烟》 1997：《人人都爱唱的歌》（另译《法国香颂》） 2003：《别在我的唇上亲吻》 阿巴斯·基亚罗斯塔米（Abbas Kiarostami，1940－ ） 阿巴斯·基亚罗斯塔米1940年6月22日出生于伊朗首都德黑兰，毕业于德黑兰艺术学院。阿 巴斯早先为交通剧设计交通海报，同时给儿童读物画插图，后来又拍摄广告短片。对各种 工作的尝试为他日后拍电影积淀了丰富的社会生活经验。 1969年“伊朗新浪潮”诞生，青少年发展研究院聘请阿巴斯组建电影学系，此后的23年间 （至1992年），他一直在此拍片。电影系成了制作伊朗新电影的温床。1970年阿巴斯完成 了他的首部抒情短片《面包与小巷》，从中已可洞见他日后集大成作品的艺术风格：纪录 片片式的框架、即兴的表演、真实生活的节奏和现实主义的主题。 1974年，积累了几年拍短片的经验后，阿巴斯推出了他的第一部故事长片《旅行者》。19 86年后，他相继拍摄了一些反映伊朗学龄儿童面临的问题的纪录片，如《一年级新生》， 《家庭作业》等20余部相关作品。 1987年，阿巴斯凭借一部《何处是我朋友的家》在1989年瑞士洛加诺电影节上赢得了银豹 奖。1990年，他拍出了迄今为止他最钟爱的影片《特写》。该片源于一桩真实的案件，一 名潦倒的男子影迷为了改变穷困无望的生活，冒充著名导演行骗而被送上法庭，阿巴斯就 此进行了纪录片式的采访调查。这不能不说是一种新鲜而独特的手法，交叠着电影的真实 与现实的真实。 自《特写》开始，阿巴斯沿用并发展了这一手法，有意识的模糊纪录与虚构之间的界限。 譬如《生生长流》，其线索即是在寻找《何处是我朋友的家》中饰演主人公的小孩。1994 年的《橄榄树下的情人》是关于一个电影剧组选演员拍片的故事，而该剧组正在拍摄的影 片就是《生生长流》。正是这种现实与虚构之间的交织使观众强烈地感到所观看的影片不 只是创作出来的艺术品，也是每天都在发生的现实生活。由于这三部作品之间微妙的关系 ，有人称它们为阿巴斯的三部曲。 1997年，阿巴斯一部关于死亡哲理的影片《樱桃的滋味》获得第50届法国戛纳电影节金棕 榈大奖。《樱桃的滋味》表达了导演在“限制和自由的矛盾中”形成的对生死的看法。影 片因其独特的叙事手法和哲学思考，在世界影坛引起轰动。影片的主人公巴迪，一位面色 阴郁的中年人，似乎再也无法找到一个继续活下去的理由，于是自然的，他选择了死亡， 在生命的列车抵达终点之前提前下车。虽然他做出了这个选择，但他并不是个草率的人， 这从他对身后事的考虑上可以看出。他想到死后要么是亲人收尸、殓葬，这对他们来说或 多或少要造成痛苦，起码是不安；要么曝尸野外，让没有头脑的低等动物果腹。这些巴迪 先生都不愿意，于是他为自己的死亡做了一个异于常人的安排：在一棵樱桃树下挖个坑， 前一天晚上吞下大量安眠药，然后到坑里躺下，第二天早晨，让人来到坑边叫他两声，若 仍能回答，则将自己救起；若悄无声息，不管睡得太沉或真的死去，则用20锹土将其掩埋 ，然后这个人就可以得到巴迪先生留给他的20万里亚尔（伊朗货币单位）。所有的计划都 很周密，包括用多少锹土。现在巴迪先生只要找到一个帮助他完成计划的人，于是他开着 汽车在茫茫人海中寻觅。影片就从这里开始。 之后，阿巴斯又完成了《ABC到非洲》、《十》、《关于〈十〉的十课》等影片。 2005年，阿巴斯与肯·洛克、厄马诺·欧米完成三段式的影片《车票》，场景选在一列前 往罗马的火车上，来自不同国家不同地区的人物在不同的车厢穿插走动，电影也刻意地没 有切成三段，颇有连成一气的感觉。《车票》也是一部极力促进人类和平共处的电影， 其间，他还为别人编过剧本，如《钥匙》（1987），《旅程》（1995），以及最广为人知 的贾法·帕西诺导演的《白气球》（1995）。 阿巴斯的电影风格得到了众多著名导演的认同和赞赏，昆廷·塔伦蒂诺、埃米尔·库斯杜 里卡等都对他推崇倍至，让—吕克·戈达尔更是公然宣称：“电影始于格里菲斯，止于基 亚罗斯塔米”，而黑泽明则说得更为恳切：“很难找到确切的字眼评论基亚罗斯塔米的影 片，只须观看就能理解它们是多么的了不起。雷伊去世的时候我非常伤心。后来我看到了 基亚罗斯塔米的影片，我认为上帝派这个人来就是接替雷伊的。感谢上帝。” 阿巴斯·基亚罗斯塔米是一位大器晚成，可以同印度的萨蒂亚吉特·雷伊和日本的黑泽明 相媲美的东方作者导演。 阿巴斯·基亚罗斯塔米作品年表： 1970：《面包与小巷》（短片） 1974：《旅行者》 1985：《一年级新生》（纪录片） 1987：《何处是我朋友的家》 获奖记录：德黑兰电影节最佳导演奖、最佳录音奖、评委会奖 1989年瑞士洛迦诺电影节铜豹奖、评委会奖、费比西特别推荐奖 1989年戛纳国际电影节艺术电影奖 1989：《家庭作业》（纪录片） 1990：《特写镜头》 获奖记录：1990年加拿大蒙特利尔电影节魁北克影评人协会奖 1992：《生生长流》 获奖记录：1992年第45届戛纳电影节罗西里尼人道主义精神奖、金摄影机奖 1994：《橄榄树下的情人》 1997：《樱桃的滋味》 获奖记录：1997年第50届法国戛纳电影节金棕榈奖 1999：《随风而去》 获奖记录：1999年第56届意大利威尼斯电影节评委会大奖 2001：《ABC到非洲》 2002：《十》 2004：《五》 2004：《关于〈十〉的十课》 2005：《车票》 沟口健二（Kenji Mizoguchi，1898－1956） 沟口健二1898年3月16日出生于日本东京，他的学历不高，小学毕业后就开始工作了，并且 从事过多种职业，还曾到黑田清辉的洋画研究所学习。 1920年，沟口健二进入日活公司向岛片厂做助理导演，从此进入电影界。1923年就推出了 处女作《爱情复苏日》，他导演的第5部影片《败军的歌曲悲惨》引起了人民的关注。不过 早期的艺术创作并不稳定，《雾港》被认为是美国作家奥尼尔的翻版之作。到1934年时， 他一共拍了50部无声电影，可现今存世的只有3部拷贝。 20世纪初的沟口健二，远不像今天许多电影学院的学生那样，能够拥有电影界一百多年积 攒下来的，极其丰富的资料源和理论库，一入行就能拍出成熟的作品来。那个年代的新晋 电影人，只能一边模仿一边摸索，一边学习一边开创，在曲折和艰辛里，等着整个电影艺 术和工业体系同自己一起成熟起来。 沟口健二早期的作品极其芜杂，从侦探片、武士片一直到模仿《卡尔加里博士》表现主义 样式的惊悚片《血与灵》。作品风格的多变，鲜明地体现出创作者探索之路的艰难曲折。 这条路一走，就走过了他的整个青年时代。 1936年，当时已经38岁的沟口健二先后推出了《浪华悲歌》和《祗园姐妹》，从此正式跻 身于日本一流导演的行列。然而与此同时另一件重大的事情发生了，这就是战争。战争对 沟口健二的打击是致命的。这意味着他必须再白白耗费将近10年的，对于一个成熟导演最 宝贵的创作期。更糟糕的是，作为当时日本知名的大导演。他还必须不时应付来自战争机 器的种种“定货”，那些为了鼓舞“士气”而策划出来的战争片和武士片。 二战期间沟口健二比较重要的作品主要有古装剧《元禄忠臣藏前后篇》，这是一部形式庄 严、制作华美的复仇剧，影片的史诗气势之后在他鼎盛时期的作品时已自成一派。1952年 ，他推出了名噪一时的《西鹤一代女》，该片讲的是日本幕府时期妓女阿春坎坷的一生。 电影原作是一部写于17世纪的日本古典小说《好色一代女》，影片的创作者对原作“好色 ”的主题作出了自己的改造和挖掘。女主人公阿春在原作中是一个放荡的女人，而在影片 中她则是作为好色的男人们的玩物和牺牲品。这部影片节奏舒缓优美，在采用现实主义手 法对景物和人物心理进行细微刻画的同时，又通过长镜头和机位变化、剪辑等手法的运用 ，为影片提供了一种耐人寻味的神韵。影片中大部分镜头都是全景和中景，许多较长的镜 头依靠复杂的摄影机运动把不同景别的形象拍在一起，并随着演员的表演和场面调度而转 换拍摄的方法，创造出一种舒缓而富于变化的节奏。这种舒缓稳重的影像表现和有条不紊 的故事融为一体，有力地展现了处于封建社会低层的主人公所面对的压抑而凝滞的社会文 化氛围。 1953年，沟口健二的《雨月物语》再次在威尼斯电影节上获得银狮奖（该年没有金狮奖） 。这部影片也被认为是日本电影史上最重要的作品之一。影片以两对夫妇在战乱年代的遭 遇来折射女性在乱世中被伤害和摧残的悲惨命运。《雨月物语》的原著是上田秋成的同名 小说，共有九篇鬼怪故事，沟口选取了其中《浅茅宿店》和《蛇性淫》两篇，但做了很大 的改动。其创作意图是借用莫泊桑小说《勋章拿到了》的主题，讽刺、批判那些一心想往 上爬，不惜牺牲女性利益以求荣华富贵的卑鄙男人。影片的成功之处，在于沟口将电影的 表现手法同日本传统的艺术表现形式进行了有机的结合，使影片显现出一种十分典型的东 方色彩，仿佛一幅耐人寻味的水墨画、一首语境朦胧的叙事诗。 1954年，沟口健二的《山椒大夫》又一次获得威尼斯电影节银狮奖，同年的另一部作品《 近松物语》也颇受好评。他影片中如诗如画和悲壮缠绵的古典情调极为动人，而他拍摄中 的长镜头表现手法也尤其受到法国影评人和新一代导演的推崇。1955年，沟口健二还有根 据中国古代诗人白居易《长恨歌》改编的《杨贵妃》，又一次把目光投向了悲剧中的女人 。 1956年，的《红线地带》是沟口健二的最后一部影片。他一生共拍摄了90余部影片。作品 主要以女性为中心，大多表现了男性对女性的歧视和戕害，对女性寄予了强烈的同情心， 有“女性电影大师”之称。在电影手法上坚持一场戏一个镜头，排斥大特写和近景，以远 景和全景为主要的拍摄方法，拒绝蒙太奇的运用。 1956年8月24日，沟口健二在京都逝世，享年58岁。 沟口健二作品年表： 1923：《爱情复苏日》、《813》、《雾巷》 1923：《鲁宾莫诺》、《铜钱王》 1924：《丹东》、《无人知道的遗址》、《山冈之歌》、《血与灵》 1925：《街头小景》 1926：《纸人伤春》《不给钱不打仗》 1927：《带孝的新娘丽莉》 1928：《一个小学女教员的爱情》 1929：《东京进行曲》《都市交响乐》 1930：《故乡》 1932：《可是他们还在继续干》。 1933：《当今的氏族神》、《瀑布飞泻》、《祗园的节日》。 1934：《神风连队》 1935：《羊脂球》、《虞美人草》 1936：《祗园姊妹》、《浪华悲歌》 1937：《爱与怨的峡谷》 1938：《残菊物语》 1940：《大阪的女人》 1941：《一个演员的生涯》《元禄忠臣藏》（前集） 1942：《元禄忠臣谱》（后集） 1943：《第三代团十郎》（分三集） 1947：《女人的胜利》、《女演员须磨子的恋爱》 1948：《夜间女人》 1950：《雪夫人的命运》 1951：《武藏野夫人》 1952：《西鹤一代女》Life of Oharu， 获奖记录：1952年第17届意大利威尼斯电影节最佳导演奖 1953：《雨月物语》Tales Of Ugetsu 获奖记录：1953年第18届意大利威尼斯电影节银狮奖 1953：《祗园姊妹》（重拍片） 1954：《近松物语》Chikamatsu Monogatari 1954：《山椒大夫》Sansho the Bailiff 获奖记录：1954年第19届意大利威尼斯电影节银狮奖 1955：《杨贵妃》 1955：《新平家物语》 1956：《红线地带》 亨利-乔治·克鲁佐（Henri-Georges Clouzot，1907—1977） 亨利-乔治·克鲁佐1907年11月20日出生于法国尼奥市。早年考入政治学校，志愿做一 名外交官，后来做了民主共和党的政治家路易·马伦的秘书。不久辞掉秘书之职成为文化 人。1928年到1930年先写了几年的电影评论，后来在别人的鼓励下写了电影剧本《混乱之 夜》。之后他到德国做副导演。1938年开始正式写电影剧本，他写有1941年拉康布导演的 《最后六个人》和1942年洛哥安导演的《家里的陌生人》。1942年正式当导演，第一部作 品是《杀人犯住在二十一号街》，这是一部在剧情安排和导演手法上都很出色的影片。 1943年克鲁佐完成了《乌鸦》，一部表现主义的作品。在法国中部的一个乡村，雷米 ·吉尔曼医生居然成了一只“乌鸦”的受害者。原来，有人写了一封署名“乌鸦”的匿名 信，诬告他犯有通奸罪和非法施行流产手术。很快，这封诬告信就在村子里广泛流传开来 ，闹得整个村子惶恐不安，每一个村民都被怀疑是这封神秘匿名信的作者。雷米医生在对 此事展开调查的过程中，逐渐发现了同胞们的卑鄙无耻和小肚鸡肠。本片拍摄于第二次世 界大战期间，取材于二战前轰动一时的社会新闻，即法国蒂尔市的匿名信案件。创作者巧 妙地利用了侦探小说的悬念手法叙述故事，而且采取了杰出的艺术手法。但是，由于影片 的悲观主义色彩，导演和编剧在法国解放后被一个清洗委员会暂时驱逐出了电影界。克鲁 佐是一个为了艺术而不顾一切的电影艺术家，拍摄于德军占领时期的《乌鸦》已经足以证 明他的勇气。 《恐惧的代价》是根据乔治·阿尔诺的小说和他在拉美居住时的一些亲身感受拍摄了 本片。片中以四名主角人物对命运的挣扎，正如同现代人的社会中的处境。勇气和意志固 然重要，但是生命随时会消失在须臾之间的意外下，一切显得没有意义。全片充满了震撼 力和压迫力，尤其是影片后半段，完全以视觉呈现出危机四伏的山路，令人提心吊胆，对 视听语言的使用出神入化。而影片的结局更是出人意料，使之成为了影史上的经典片段。 该片是克鲁佐的代表作品，是上个世纪五十年代最重要的法国影片之一，在当年A级电影节 还不互相排斥的年代，影片连获柏林和戛纳两个电影节的最高大奖。 《恶魔》这部拍摄于1954年的黑白片已经是被公认的惊悚片经典了，全片从头到尾不 见一丝血光，但气氛营造得步步惊心，直到最后一刻才揭开迷底，而且丝丝入扣毫不牵强 。这部黑白片即使在今天看来，仍然有惊心动魄之感。 《毕加索的秘密》这部拍摄于1956年夏天的纪录片忠实纪录了毕加索创作绘画作品的 详细过程。影片采用黑白胶片拍摄，这使吸烟和手持画笔的毕加索显得更加神秘莫测。拍 完这部纪录片后，毕加索将拍片过程中所画的20余幅画悉数毁弃，这使得本片更显珍贵。 描写画家的纪录片多如牛毛，但是，真正对创作过程描摹的并不多见，特别是这种零距离 的接触。这部电影在今天，恐怕是我们近距离接触这位大师最有效的途径了。1984年法国 政府将这部影片纳入国家宝藏之列。 亨利·乔治·克鲁佐，是新浪潮之前就已经成为法国电影中坚力量的老牌大师。他是 法国现实主义传统的继承者，但是他将现实主义引向了自然主义，追求最纯粹、最严谨的 戏剧性，以避免简单化和情绪化。克鲁佐影片中的人物通常是腐败的、懦弱的、悲惨的。 在他看来，每一个人的身上都寄生着善良与丑恶，真实和谎言。这种对生活的清醒认识， 无疑是解开克鲁佐的道德观的关键。但是，他在影片中总是回避对事件进行道德思考，拒 绝对人物进行心理分析。他不是人类心灵的分析者，而是人类行为的描绘者。 亨利·乔治·克鲁佐于1977年逝世。 亨利·乔治·克鲁佐作品年表： 1942：《杀人犯住在二十一号街》 1943：《乌鸦》Le Corbeau 1949：《巴黎警察局》Quai des Orfèvres 1949：《玛侬》Manon 获奖记录：1949年第12届意大利威尼斯电影节金狮奖 1950：《米盖特和她的母亲》 1952：《恐惧的代价》Wages of Fear 获奖记录：1953年第6届法国戛纳电影节大奖（金棕榈奖） 最佳男演员奖 1953年第3届德国柏林电影节金熊奖 1954：《恶魔》Diaboliques 1955：《毕加索的秘密》（纪录片）Le Mystère Picasso 获奖记录：1956年第9届法国戛纳电影节评委会特别奖 1957：《间谍》 1960：《真相》 1967：《女囚犯》 比利•奥古斯特（Bille August，1948－ ） 比利·奥古斯特1948年11月9日出生丹麦的哥本哈根，早年赴瑞典学习摄影专业，深受艺术 大师伯格曼的影响。回国后，进入丹麦电影学院深造，拍摄电视短片。1978年，他导演的 处女作《在我的生活中》以凝炼的电影语言、对现实的深刻解析，为伯格曼之后单调沉闷 的北欧电影吹来了一股清新之风，从而在北欧影坛崭露头角。 1983年，沉寂五年的奥古斯特陆续推出两部作品：《儿童之城》、《巴斯特的世界》。这 两部以儿童为描写对象的影片使他享誉欧洲。《巴斯特的世界》获1985年柏林电影节最佳 儿童片奖，《儿童城》则使奥古斯特第一次在戛纳电影节上引起人们的注意。这两部影片 与后来的《挣扎与呐喊》构成了奥古斯特电影创作的第一个阶段：通过表现残酷社会现实 中脆弱的生命的遭遇来揭示生活。 四年后，影片《征服者佩尔》使奥古斯特获得世界级荣誉。本片根据诺贝尔文学奖作 家马丁尼索的作品改编而成，描述的是十九世纪的北欧，由于时局不好，日子难过，大批 的瑞典农工离开家乡前往邻近的丹麦移民，企图寻找更好的生活，比利与他的父亲莱斯亦 是如此。他们虽然如愿來到了丹麦，也终于找到了落腳之处，不过生活依旧困苦，年迈的 父亲忍受压榨忙碌地工作，比利也努力学习着如何在夹缝中求得生存，他们碰到许多不公 平的事，卻依然不放弃理想，也似乎看到了希望……本片夺得第四十一届戛纳电影节金棕 榈奖，在第六十一届奥斯卡最佳外语片的角逐中，这部影片又击败了西班牙大师佩德罗· 阿莫多瓦的《精神濒临崩溃的女人》获最佳外语片奖。 1992年，由英格马·伯格曼担任编剧、奥古斯特执导的《最美好的愿望》在第四十五届 戛 纳电影节再度荣获金棕榈最佳影片奖。瑞典电影大师英格玛·柏格曼宣布不再拍片之后写 的剧本，剧情改编自柏格曼父母的婚姻故事。其母安娜原是富家千金，偶然认识了贫穷的 哲学系学生亨利·柏格曼，执意要嫁给他，不惜违背母亲的旨意。但她前往亨利的故乡结 婚之后，才发现地处穷乡僻壤的婚姻生活并不如想象中美好，此时她才回想起母亲对她有 美好的用意。全片艺术色彩浓厚，在优美的北国景色衬托之下更显得女主角内心的孤寂难 熬。该片女主角、后来成为奥古斯特妻子的佩尔尼拉·奥斯特伦击败英国女演员埃玛·汤 普森，获最佳女主角奖。这一系列史诗片构成了奥古斯特第二个创作阶段：史诗电影的创 作阶段。 1994年，奥古斯特执导根据伊莎贝尔·阿连德同名小说改编的《金色爵门》，该片汇集了 英、美、西班牙众多电影精英：杰里米·艾恩斯、梅莉尔·斯特里普、安东尼奥·班德拉 斯等 。这是一部以智利革命为背景，描写一位具有神奇预见力的非凡女子及其女儿的命运 沉浮与感情纠葛的影片。该片充满南美风情，并完美地体现了原著神秘、阴郁、扑朔迷离 的魔幻现实主义色彩。尽管影评界对片中加入的商业元素颇有微词，但整体上还是肯定了 奥古斯特对电影风格的把握、对细节的精雕细刻，以及唯美的画面追求。 1997年，奥古斯特又将目光投向冰天雪地、有童话世界意境的格陵兰岛，拍摄改编自畅销 小说的电影《影都雪恋 》，此片将洁白冰雪下一个危险、唯利是图、阴晦、充满暴力的现 实世界呈现在观众面前。国际影星朱丽娅·奥蒙德的精湛演技更令影片锦上添花。 1998年的《新悲惨世界》故事背景是上个世纪初的巴黎。冉阿让因为要养活姐姐的小孩而 偷面包被捕，20年后出狱。走投无路的他被主教收留，但他却偷了主教的银器。主教逮住 他后并没有再次把他送进监狱，反而送给他一座银制的烛台，冉阿让受到感化，从此洗心 革面奋发向上，十年后成为小镇镇长和成功的商人。这时，以前缉拿过他的警长沙威出现 ，一心要找他的麻烦。而他这时已爱上他工厂里的女工芳汀，并应承了照顾她的私生女的 重任。一方面是改恶向善的冉阿让，另一方面是相信人一旦失足便终生堕落的警长，两人 之间的纠葛与较量推动着全剧的发展。 比利•奥古斯特作品年表： 1978：《在我的生活中》In My Life 1983:《儿童之城》Zappa 1984：《巴斯特的世界》 Busters verden 获奖记录：1985年第35届德国柏林电影节最佳儿童片奖 1984：《挣扎与呐喊》Twist and Shout 1987：《征服者佩尔》Pelle erobreren 获奖记录：1988年第41届法国戛纳电影节金棕榈奖 1989年第61届美国奥斯卡最佳外语片奖 1991：《最美好的愿望》Goda viljan, Den 获奖记录：1992年45届法国戛纳电影节金棕榈奖 1993：《金色爵门》The House of the Spirits 1996：《耶路撒冷》Jerusalem 1997：《影都雪恋》Smilla\'s Sense of Snow 1998：《新悲惨世界》 2000：《马丁之歌》 拉斯·冯·提尔（Lars Von Trier，1956－ ） 拉斯·冯·提尔1956年出生于丹麦，毕业于丹麦电影学院。他曾以大学时代的作品《夜曲 》、《浮雕面面观》获得1981与1982年幕尼黑影展的最佳影片奖。 1995年，拉斯·冯·提尔与其他四个丹麦导演共同发表了“窦玛宣言”(Dogma＇95)，他在 这个宣言中指出，现今的电影太过讲求特效，却忽略了电影本身的精神，他们主张现场收 音、用手提摄影、不事后配音、不用滤镜、以及拒用一切会美化画面的手法。在他其后的 “良心三步曲”之二《白痴》 中，他充分实践了自己的“窦玛宣言”，全片讲求纯真不做 作，因此剧中所有的做爱场面全部都是玩真的。 《犯罪元素》是拉斯·冯·提尔拍摄的第一部完整的剧情长片。在埃及生活了十三年的警 察费舍尔收到了恩师奥斯本的来信，动身前往阔别已久的欧洲。但来到奥斯本家中，费舍 尔却发现老师已被警察局开除，他多年的研究书籍也销毁一空。不久，费舍尔接到警局通 知，当地发生了一起凶杀分尸案，从作案手法来看是一连环杀手所为。在翻阅以往卷宗时 ，费舍尔发现奥斯本离职前也接手过类似的案件，于是他决定以老师著作《犯罪元素》中 的方法分析调查此案……。影片以昏暗的影调、奇异的视像构筑一个光怪陆离的犯罪世界 ，年轻的冯提尔在片中展现出了过人的艺术野心和高超技巧，也因此在欧洲一举成名。此 后他又连续拍摄了《流行病》和《欧罗巴》两部长片，构成了他早期创作的“欧洲现实三 部曲”。这三部影片的共同特征就是影片相当注重视觉效果，不断出现重叠画面和各种眩 目的特效摄影，以至很多影评家都认为拉斯·冯·提尔过于迷恋技巧，而他当时对此问题 的态度是：“我对电影技术有一种近乎恋物癖的喜好，而电影学院提供的设备可以创造无 穷无尽的可能性，能够用它们来一展身手才是最让我兴奋的事情。” 《破浪》是拉斯·冯·提尔扬名国际影坛的代表作，曾获戛纳电影节评委会大奖及高等技 术委员会奖。导演拍出一种令人目眩神迷的魔幻写实色彩，镜头运用大胆，使观众仿佛进 入催眠状态之中，是一部个人艺术风格强烈之作。1994年他又推出了风格鬼谲的《医院风 云》，这部颇具实验性的影片，吓倒了当时的不少观众。 《白痴》一片是向既存的电检制度和观众的道德尺度挑战。观赏者能否接受甚至欣赏这部 影片，要看他对电影与人生的态度而定。剧情描述一名刚遭丧子之痛的中年妇女凯伦在餐 厅进餐时，出于同情心而跟随一名紧捉她的手不放的白痴离去，继而开始了一段意想不到 的离奇经历。原来以史托佛为首的一群年轻男女并非真的是智弱者，他们只是为了向中产 阶级的体制挑战而故意扮成白痴，在其他人面前装疯卖傻，一方面藉此获得玩弄别人的乐 趣，另一方面也用欺骗手段达到骗吃骗喝的功利目的。凯伦跟他们相处久了，竟然也认同 了这个小团体的“白痴哲学”，回家在亲人面前扮演白痴。提尔采用他一贯的手提摄影镜 头来拍摄全片，但这一次走得更远，完全不顾画面失焦成为灯光不连戏等技术失误，藉以 达成仿纪录片的叙事风格。为了表现假白痴们的荒唐行径，更让演员在银幕上真刀真枪地 杂交乃至大量暴露性器官，成为继日本片《感官世界》之后又一部以“假戏真做”性场面 引发艺术或色情争议的正统剧情片。 2003年的《狗镇》讲述大萧条时代的美国，在洛基山脉的深处有一个不为人知的小镇“狗 镇”，小镇里只有十几户人家和一条狗，他们过着差不多与世隔绝的生活。一天晚上，少 女格瑞斯在逃亡中来到了这个小镇，被青年作家汤姆发现，他说服小镇里的居民把格瑞斯 留在小镇上。格瑞斯要为小镇上的居民做一些杂务，以获得小镇居民的收容和理解，同时 赚一些生活费用。渐渐地，小镇上的人发现了这个女孩的秘密，她是警察重金悬赏的逃犯 ，于是，小镇的人逐渐转变了态度，他们开始向格瑞斯要求更多的代价以换得这里的平静 生活。一天，在警察搜捕中查特强暴了格瑞斯，从此，格瑞斯变成了小镇人发泄和欺辱的 对象。在绝望和疲惫中，格瑞斯向她所信任的汤姆借了些钱，窜通到城外买水果的戴维帮 助她逃出小镇。但是她被两个人出卖了，她被抓回小镇并被小镇人像狗一样虐待。汤姆最 终出卖了格瑞斯躲在小镇的消息，10几个黑帮分子闯进了小镇，原来，格瑞斯是黑帮头目 的独生女，因为不想继续父亲的生意而离家出逃。最后，格瑞斯同意与父亲一起回去，但 是她有一个要求，就是杀光小镇里的人，包括老人和孩子，而她则亲手杀死了汤姆，小镇 上只剩下一条狗。虽然故事发生在美国，但害怕乘坐飞机的提尔仍然没有亲自到大洋彼岸拍摄，而是在瑞典摄制。影片全部在摄影棚内拍，所有演员在一个几乎 馔和旱奈杼ㄉ贤瓿杀硌荩杼ㄉ厦挥胁季白笆巍⒅挥猩倭康谰吆偷孛娴姆郾视。涫狄丫 浅＝咏肪缌恕 提尔声称他的目标是力图开拓他所使用的媒介的表现力。“有很多不同的方式做到这一点 。你可以更多地突出电影制作的技术范畴，也可以像我们在Dogma运动中所做的那样，更少 些。”影片故事的灵感来源于布莱希特作品《三分钱歌剧》中的一首歌《海盗杰尼》。影 片也表达了提尔对美国社会的一些看法，尽管他从未踏上美利坚的土地。《狗镇》是他继 “良心三部曲”后推出的“美国三部曲”的第一部。“我这一生一直在对美国社会提出批 评，——按照在我的观点中它所呈现的状况。我没有到过那里，但我对美国的理解是基于 大量的信息和图像。和那些想拍丹麦，比如拍安徒生的美国人对丹麦的了解相比，要多得 多。美国在我的意识中占有的部分，比丹麦在他们头脑中所占有的大很多。” 拉斯·冯·提尔的最新作品《曼德勒》是“美国三部曲”的第二部，《曼德勒》是一部反 映美国历史上的黑奴制度的影片。 拉斯·冯·提尔是现今被认为最具原创力的导演之一。 拉斯·冯·提尔作品年表： 1981：《夜曲》Nocturne 1982：《浮雕面面观》Images of Relief 1984：《犯罪元素》Element of Crime 1987：《流行病》Epidemic 1988：《美狄亚》Medea 1991：《欧罗巴》Europa 获奖记录：1991年第44届法国戛纳电影节评委会奖 1995：《医院风云》the Kingdom 1996：《破浪》Breaking the Waves 获奖记录：1996年第49届法国戛纳电影节评委会奖 欧洲电影协会全欧最佳影片 1998：《白痴》the Idiots 2000：《黑暗中的舞者》Dancer in the Dark 获奖记录：2000年第53届法国戛纳电影节金棕榈奖、最佳女演员奖 2003：《狗镇》Dogville 获奖记录：2004年第16届欧洲电影奖最佳导演奖 2005：《曼德勒》Manderlay 艾米·库斯杜里卡（Emir Kusturica，1954－ ） 艾米•库斯杜里卡1954年11月24日出生于南斯拉夫。从高中时代起，这个年轻人的电 影就开始获奖了。在著名的布拉格表演艺术学院就读期间，他的影片《格丽妮卡》在卡罗 维发利学生电影节上获奖，此外还导演了两部短片《真相的一面》和《秋天》。毕业后， 踌躇满志的库斯杜里卡回到故乡，开始了他在萨拉热窝电视台工作的生涯。但是，他当时 没有想到，艺术并不能孤立地表现为艺术，它往往要身处各种浪潮、压力的漩涡之中。他 的《新娘来了》因为打破了传统的性爱禁忌而引起争议，最后被禁。幸而下一部电视电影 《拳打泰坦》令他的事业柳暗花明，该片根据诺贝尔文学奖得主安德里奇的小说改编，在 斯洛文尼亚的国家电视节上夺得最佳导演奖。 1981年，库斯杜里卡用胶片拍摄的第一部剧情长片、描写南斯拉夫青少年开始接触西方流 行文化经历的《你还记得多莉·贝尔吗》，赢得了他人生最重要的一个奖项：威尼斯电影 节最佳处女作金狮奖，以及一系列南斯拉夫地区的电影奖项。此后他一发不可收拾，每一 部新作均是国际电影节上的夺标热门。 1989年的《流浪者之歌》讲述的是吉普赛男孩贝汉，为了医治妹妹的跛脚到镇上看病时， 被诱拐加入族长的扒窃集团，前往意大利以偷窃、乞讨及贩卖婴儿维生，还天真的以为那 些骗子都是好人。很快就学会了敛财伎俩的贝汉，衣锦还乡后竟然想以卖掉女友腹中胎儿 作为娶她的条件……。带有神秘色彩的吉普赛文化，往往被渲染成浪漫不羁的风情，本片 则运用打破常规的魔幻、写实并用手法，与类似希腊诗剧的咏唱方式，将此民族至今流离 浪迹于欧陆，遭受歧视与不平等待遇的悲歌。全片结构精致，导演幽默的人文关怀，使本 片荣获1989戛纳电影节最佳导演奖。 成名后的库斯杜里卡任教于萨拉热窝表演艺术学校，并受聘在纽约的哥伦比亚大学教授导 演课程。纽约的教书生活为他开始新的创作拓展了空间，而他的一个美国学生大卫·阿特 金斯递交的电影剧本更成为他首部英语影片的基础。1993年，汇集了美国演员费伊·达纳 苇、杰里·刘易斯，以及新星约翰尼·德普的影片《亚历桑纳之梦》摄制完成。在某种诱 惑力的牵引之下，阿克赛尔回到了故乡亚利桑那，那里稀奇古怪的人和事困扰同时也吸引 着他。叔叔要他接管出售卡迪拉克汽车的门市部；同时，他还陷入了与一位富有的寡妇及 其继女的三角恋爱之中。影片讲述了年轻的漂泊者阿克赛尔在青春的梦想与成年人的责任 之间的摇摆。这是库斯图里卡在美国完成的第一部英文影片，他把敏锐的艺术洞察力直切 入美利坚本土文化，尝试讲起南斯拉夫以外的故事，没有改变的是那一贯的喜剧风格与花 哨外表下的民族思考。该片意料之中地获得了柏林电影节银熊奖。对于库斯杜里卡来说， 在国际电影节上捧走奖杯仿佛易如反掌，若是哪一部新作没有坠上丝绸缎带，那才会令人 称奇。之后，库斯杜里卡又拍摄了《亚历桑纳之梦》。 1995年的《地下》使库斯杜里卡的艺术事业攀上了顶峰。这部长达三个小时的宏片巨制兼 具《爸爸出差时》的政治讽喻和《流浪者之歌》的荡气回肠，以一种近乎不可思议的喜剧 方式描绘了南斯拉夫从1941年纳粹占领期间至1995年内战的曲折历史。凭借此片，三十九 岁的导演再次登上金棕榈的宝座。 然而，与成功休戚相伴的永远是各种各样的批评，有相当一部分评论界人士对戛纳的评选 结果表示强烈抗议，这很大程度上是敏感的政治原因在其中作祟。作为一位长期旅居西方 的东欧艺术家，库斯杜里卡的处境是颇为尴尬的，尤其是当他竟敢拍出《地下》这样公然 讽刺铁托政权下所谓革命者的影片，可想而知，最犀利的批判之声立即从他的故乡萨拉热 窝传来；同时，一些西方学者又把他列入米洛舍维奇的同党，谴责他“在博爱、民主和反 法西斯的名义下”骗取艺术界的嘉赏。重重压力之下，灰心已极的库斯图里卡对外宣称不 再拍片。不过三年之后，他还是忍不住重出江湖，推出了描写吉普赛人的最新作品《黑猫 白猫》。1998年的《黑猫白猫》是一部奇情狂想的电影。卑贱猥琐的吉普赛人马特高住在 多瑙河畔。某日，他得到一个发财良机：在伊斯坦布尔－巴格达的列车上走私汽油。由于 需要金钱上的支持，他和儿子扎拉前去拜会老友、吉普赛人的“教父”格加·皮泰。但事 实证明马特高根本无法胜任这项工作，被年轻的匪徒达丹抢走了生意，还欠了人家的钱。 马特高灵机一动，想出了一条妙计：替儿子扎拉向达丹的妹妹“鸟女士”求婚。可其实扎 拉正热恋着另一个吉普赛姑娘、金发碧眼的艾达。婚礼那天，除了扎拉和艾达，每个人都兴高采烈。正当大家享受着欢乐的滋味时，新娘却趁无人注意，从婚礼 咸优芰耍≡谔优艿穆飞希龅搅似ぬ┎⒂胫喟６獬嘶樵嫉脑虼判纳先税 镅囟噼Ш铀沉鞫隆 库斯杜里卡从80年代开始就是南斯拉夫摇滚乐队“无烟地带”的吉他手，这个乐团融合了 吉普赛、爵士乐、摇滚与庞克的音乐元素，在南斯拉夫掀起一阵热潮，彻底改变了东欧的 音乐语言，在无烟地带为库斯杜里卡的《黑猫白猫》担任配乐之后，他们的音乐受到世人 更广泛的注意，其独特的风格，被称为“巴尔干庞克”。《巴尔干庞克》是库斯杜里卡唯 一的一部记录片。叙述了这个乐团的心路历程、乐手的成长故事，巴尔干的狂野、疯癫、 悲苦与喜悦，都记录在他们的音乐当中。他们追寻著南斯拉夫的音乐根源，尝试建构属于 自己的音乐风格，他们曾经在小酒馆厮混，聆听吉普赛音乐，也曾经走乡过庄，为婚丧喜 庆的场合演奏。影片从无烟地带乐团2000年疯狂成功的欧洲巡回开始，穿插著演唱会、乐 手访谈和排练、后台闲谈的镜头。乐手们时而畅谈他们的音乐概念，时而彼此嬉笑打闹， 在非常轻松的状态下，揭示了这个乐团坚持理想风格的一面。 艾米•库斯杜里卡作品年表： 1976：《格丽妮卡》（短片）Guernica 1980：《你还记得多莉·贝尔吗》Do You Remember Dolly Bell? 获奖记录：第38届意大利威尼斯电影节最佳处女作金狮奖 1985：《爸爸出差时》When Father Was Away On Business 获奖记录：1985年第38届法国戛纳电影节金棕榈奖 1989：《流浪者之歌》Time Of The Gypsies 获奖记录：1989年第42届法国戛纳电影节最佳导演奖 1992：《亚历桑纳之梦》Arizona Dream 获奖记录：1993年第43届德国柏林电影节评委会特别奖 1995：《地下》Underground 获奖记录：1995年第48届法国戛纳电影节金棕榈奖 1998：《黑猫白猫》Black Cat，White Cat 获奖记录：1998年第55届意大利威尼斯电影节最佳导演奖 2001：《超8故事》（另译《巴尔干庞克》，音乐纪录片）Super 8 histries 2004：《生活是个奇迹》La Vie Est Un Miracle 阿托姆·伊戈扬（Atom Egoyan，1960－ ） 阿托姆•伊戈扬1960年7月19日出生于埃及开罗。 他的父母是亚美尼亚的难民，在年 轻的时候都曾有艺术方向的志向，他们原本要到埃及的开罗开家俱店，后来决定离开政治 不安的环境，于1963年移民到加拿大的维多利亚，并将姓改为伊戈扬。伊戈扬从少年时代 开始，便对写作和阅读剧本产生兴趣，在多伦多上大学时，并浸淫在各种艺术之中。虽然 那时的他为了要成为外交官而主修国际关系。但闲暇之余，他仍继续玩古典吉他、写影评 ，并构想很多的戏剧和电影剧本。 还在大学时，伊戈扬便在鹿屋影协的赞助下拍摄了他的第一部短片《Howard In Particul ar》，并以此片在加拿大国家博览电影节获得许多奖项。也因此让他能在鹿屋影协的支持 下，继续拍摄其它短片。之后他则在安大略艺术协会的赞助下，自编自导了30分的影片《 Open House》。不过毕业后他并没有从事外交的工作，而是到多伦多的一家剧院担任编剧 。后来，他发现自己的兴趣是成为一位电影导演，再加上加拿大电视台购买了《Open Hou se》的版权，在加拿大主题节目中播放。因此他在加拿大协会和安大略艺术协会的赞助下 ，开始拍摄他的第一部长片《近亲》。之后加拿大电视台雇用他为电视影集《In This Co rner》的导演，展开了他一连串在多伦多拍摄加拿大及美国电视连续剧的生活。在拍摄了 近三年的电视作品之后，伊戈扬才拍摄了他的第二部作品《阖家观赏》，这个作品的优异 表现，使得电影界开始重视他的才能。因此伊戈扬继续编导新的电影作品，并不断地参加 各国际影展。 《念白部分》讲述的是剧作家克莱拉一直忘不了死去的哥哥，并准备拍一部有关兄妹关系 的电影。在偶然的机会中，她遇见酷似哥哥的兰斯，并深深为之吸引。兰斯虽然在饭店当 服务员，但是一心想圆明星梦，为了一偿宿愿，他甚至丢下女友丽莎，投入克莱拉的怀抱 。导演藉录像带来审视复杂的人际关系，在疏离与亲近，影像与真实的对比中，娓娓道出 现代人无法沟通的难题，更突显出现代科技深入人类社会中所产生的巨大影响力，值得深 思。该片参加1989年戛纳电影节的导演双周单元，打开他的国际知名度。 《意外的春天》是首度改编自小说的作品，原作者罗素·班克斯创作这个故事的灵感是来 自真实事件。该片最值得一提的要算是其独特而复杂的时间结构了。一个平静小镇上发生 的一起汽车事故是全片的中心事件，但导演并没有直截了当地告诉你这一事故的前因、经 过、结果，而是通过不断的闪回让叙事在三个不同的时空间相互自由的结合与交叉。把事 故前后小镇中不同的人事交错呈现，并时不时地穿插进律师对自己与女儿关系的回忆。这 样的结构安排正暗合了回忆时那种无序的意识流动，观众在目睹不同人的叙述和回忆后渐 渐丰满了整个事件的来龙去脉，也同时了解了小镇中不同人物的情感、命运和他们之间的 相互关系。本片最触动人心的地方在于对伤痛的刻画，对人生中无法挽回的痛楚，导演在 此做了最动人的描写。 2002年的《阿拉诺山》探讨1915年土耳其对亚美尼亚种族大屠杀的悲惨历史。伊戈扬用两 个家庭的交会，从侧面阐述了那段令自己、令所有流落世界各地的亚美尼亚人无法释怀的 过去。多伦多历史教授安妮面临人生的瓶颈，第二任丈夫刚刚去世，继女茜莉亚对她怀恨 在心，而亲生儿子拉菲正与茜莉亚热恋。拉菲的父亲是亚美尼亚的“自由斗士”，在一次 刺杀土耳其外交官的行动中丧生。这次，安妮被聘为亚美尼亚纪实电影的顾问，儿子拉菲 也在剧组工作，前往土耳其拍摄当年大屠杀的遗迹。当拉菲携胶片返回加拿大时，被老检 察人员大卫扣留。大卫和这位少年由误会开始了一场深入内心的交谈———展现了对历史 与人生的集体记忆。 阿托姆•伊戈扬作品年表： 1984：《近亲》Next of Kin 1987：《阖家观赏》Family Viewing 1989：《念白部分》Speaking Parts 1991：《售后服务》The Adjuster 1991：《蒙特娄六重奏》Montré 1993：《保险公司代理人》The Adjuster 1994：《色情酒店》Exotica 获奖记录：1994年第47届法国戛纳电影节国际影评家奖 加拿大吉尼奖最佳影片、最佳导演、最佳原作剧本等七项奖 1997：《意外的春天》（另译《甜蜜的来世》）The Sweet Hereafter 获奖记录：1997年第50届法国戛纳电影节评委会大奖 1999：《意外的旅程》Felicia\'s Journey 2002：《阿拉诺山》Ararat 2005：《何处寻真相》Where the Truth Lies 佩德罗·阿莫多瓦（Peidro Almodovar，1949 — ） 佩德罗·阿莫多瓦1949年9月24日出生在西班牙南部拉曼彻地区的一个小镇上。由于父亲的 贩酒事业经营不善，阿莫多瓦的童年过得十分贫苦。八岁时，他随家人搬到艾克斯杜雷马 杜拉省，并在那里进入教会学校学习。糟糕且专制的教育制度和被神父性侵害的经历，使 得少年时代的阿莫多瓦就对宗教产生疑惑并最终丧失信仰。也正是在这个时候，他开始迷 恋电影，同时电影也给了他最大的安慰。 十六岁那年，阿莫多瓦放弃了进入修道院大学的机会，离开家乡，孤身一人前往马德里， 心中只有一个明确的目标：到马德里去学习并拍摄电影。但当时在佛朗哥的强权政策下， 国立电影艺术学院已经被迫关闭。因此阿莫多瓦也只能一边靠打工维持生计，一边自学电 影的基本理论。尽管1960年代仍然是佛朗哥独裁当道的时期，但来自外省的少年阿莫多瓦 还是深深地爱上马德里这座充满文化和自由气息的城市。不久后，阿莫多瓦在西班牙国家 电话公司得到了一份正式的工作。这份工作不但使阿莫多瓦积攒购买了一架超八摄影机， 开始拍摄一系列家庭手工式的地下电影作品，而且让他接触到西班牙众多的中产阶级家庭 ，正是他们的悲伤和快乐，为阿莫多瓦日后的创作提供了大量宝贵的素材和灵感。阿莫多 瓦在国家电话公司整整工作了12年，在这12年中，他形成了自己独特而固定的生活模式。 白天为众多客户工作服务，融入普通百姓的生活，而在晚上和休息日，他就开始了多彩的 创作生活。除了写作拍摄超八厘米短片外，阿莫多瓦还为地下刊物创作小说和漫画，参加 业余剧团的演出，甚至还组织了一支戏谑模仿他人作品的朋克乐队。 1975年，统治西班牙近半个世纪的独裁者佛朗哥去世，一个新的时代到来了。在这种大的 背景下，阿莫多瓦的创作在这个刚刚重享自由的国家里展现出人们已经少有的激情。在适 逢西班牙民主过程最高潮的1980年，他的第一部剧情长片《贝比、卢西、鲍姆及其他女孩 》一经公映，就引起了巨大的反响。影片大胆尖刻地以黑色幽默的形式讲述着西班牙社会 中的性、暴力和变态，同时也赞美着人与人之间的友谊、爱情以及由此所带来的欢娱和快 乐。阿莫多瓦在此后的《激情迷宫》、《黑暗的习惯》和《我造了什么孽》等80年代初期 作品中，以尖锐的目光、戏谑的手法、饱满的激情批判着专制封建的社会制度和没落腐朽 的道德体系，充分展现出西班牙人民被压抑了四十多年的地中海式的自由精神。在西班牙 ，这些影片受到了广大观众格外的青睐和钟爱，因此阿莫多瓦的作品不但在艺术上有其独 特的风格和深刻的内涵，而且商业上也有着强大的号召力。 1987年，阿莫多瓦推出了半自传式的电影《欲望法则》，这部大胆而刺激的作品除了受到 广泛注意外，还顺利地打开了他在美国的电影市场。随后，他创建了自己家族的电影企业 “欲望无限”公司。在80年代西班牙电影工业受到美国巨大冲击而严重衰退的时候，由该 公司出品的阿莫多瓦作品却都能屡创佳绩。1988年的《神经濒临崩溃的女人》、1989年的 《捆着我，绑着我》和1991年的《高跟鞋》都是西班牙电影有史以来最卖座的影片。这些 电影绝非阿莫多瓦向商业献媚的滥俗之作，都是在保持其独特个人风格的同时，深刻地把 握有关人性的主题，因此具有感染更多观众的普遍意义。80年代末期，阿莫多瓦在迎来自 己艺术创作高峰的同时，他也成为西班牙全国上下宠爱的“电影国宝”以及欧洲最具国际 意义和票房号召力的电影大师。 进入90年代，阿莫多瓦丝毫没有放慢创作的脚步，怪异讽刺的《姬卡》、朴实细腻的《我 的秘密之花》、激情澎湃的《活色生香》及那部深刻感人的《关于我母亲的一切》，这些 风格迥异的作品都验证出这位大师旺盛的创造力和处理不同题材影片的卓越才华。 阿莫多瓦的最新影片是《不良教育》。 25年电影生涯中，阿莫多瓦形成了自己独有的电影风格和电影美学。在其作品热闹而绚丽 的外表下，阿莫多瓦一直冷静地关注着这个世界，他把目光投向普通人的平凡生活和社会 的阴暗角落，从中感悟人性的力量与缺憾，一面以最直接的手段表白着人类的爱恨和情欲 ，另一面激进地鞭挞着种种传统而腐朽的“社会道德”。与其他男性导演不同，阿莫多瓦 始终关注着女性，他以一种理解和关怀的姿态，细腻温情地刻画着女性敏感的精神世界。 在阿莫多瓦的作品中，女性生活在枯燥无味的现实中，孤独而寂寞，丰富的感情和美好的 梦想无所寄托，只能坚强地在绝望和痛苦中挣扎和反抗。他在对女性的善良天性和她们之 间的无私友谊进行极力赞美的同时，毫无掩饰地批判了那些懦弱、虚伪并且对女人造成极 大伤害的男人们。除了特别热衷女性题材，阿莫多瓦还是一个敏锐的社会学家，宗教、凶 杀、毒品、偷窥、家庭暴力、婚外恋、同性恋、变性、媒体侵犯隐私等各种社会现象在他 的作品中都有所展示。由此可见，在阿莫多瓦那些看似荒诞的情节背后，隐藏着生活巨大 的真实。 佩德罗·阿莫多瓦作品年表： 1980：《贝比、卢西、鲍姆及其他女孩》 1982：《激情迷宫》 1983：《黑暗的习惯》 1984：《我造了什么孽》 1986：《斗牛士》 1987：《欲望法则》 1988：《神经濒临崩溃的女人》 获奖记录：1988年第1届欧洲电影节最佳青年导演奖、最佳女演员奖 1988年第45届意大利威尼斯电影节最佳剧本奖 1989：《捆着我，绑着我》 1991：《高跟鞋》 获奖记录：1993年法国恺撒奖最佳外语片奖 1993：《姬卡》 1995：《我的秘密之花》 1997：《活色生香》 1999：《关于我母亲的一切》 获奖记录：1999年第52届法国戛纳电影节最佳导演奖 2000年第72届美国奥斯卡最佳外语片 第12届欧洲电影奖最佳影片、最佳导演、最佳女演员奖 第53届英国电影学院奖最佳外语片、最佳导演奖 金球奖最佳外语片 圣塞巴斯蒂安电影节大奖 2002：《对她说》 获奖记录：2003年第75届美国奥斯卡金像奖最佳编剧奖 2003年英国电影学院奖最佳非英语片、最佳编剧奖 2002年欧洲电影奖最佳电影、最佳导演、最佳编剧 2004：《不良教育》 杨德昌（1947－ ） 杨德昌1947年出生于上海（祖籍广东梅县，与侯孝贤同籍）。1949年移居台北。小时常随 父亲看电影，迷恋过国语片。1969年毕业于台湾国立交通大学控制工程系。1970年赴美留 学，获佛罗里达大学电子工程学位。1974年又在美国南加州大学学习电影，毕业后在美国 西雅图华盛顿大学从事计算机软件设计长达7年。 1981年，杨德昌回到台北在余为彦执导的《1905年的冬天》一片中挡任编剧和制片助理， 后来又在张艾嘉策划的电视连续剧《11个女人·浮萍》中担任导演。1982年他与陶德辰、 柯一正、张毅联合执导了《光阴的故事》，掀起了台湾的新电影运动。 1983年，他独立执导了《海滩的一天》，他将西方电影理论与中国传统电影美学相结合， 创造有鲜明台湾乡土特色的民族电影。散点结构与开放式结尾，突破东方人大团圆结局的 传统审美心理，却又不追求新潮电影式的奇特技巧，展现纪实、隽永、朴素的艺术风格。 1985年的《青梅竹马》里，阿隆是一个1969年代表台湾地区参加国际棒球比赛的英雄，但 在事业和爱情上屡遭挫折。阿贞是一个事业心很重的女性，因公司改组而失业，于是跟青 梅竹马的阿隆同居。但他们在感情上一直无法沟通，时常冷面相对。阿贞妹妹的男同学， 偶然跟阿贞出游而爱上了她，甚至骑摩托车到阿贞家门口苦苦等候。其间阿隆要把迁居美 国的钱，资助经营不善、濒临破产的投机商阿贞的父亲，使期待到美国的阿贞感到失望。 原来单恋阿隆的阿娟也负气与日本人结婚了……。《青梅竹马》拍得一针见血，以一个字 点出台北这16年的活动，就是“钱”。人与人的关系分裂也好，建立也好，都是与钱分不 开的。这是部很悲观、苍凉的电影，它把台北这个城市的核心剖析出来，露出最冷酷的一 面景象。影片的男主角是惟一有人情味的人物，他乐于助人，但好心没好报，最后还遇到 一个荒谬的结局。 1994年杨德昌编导了《独立时代》，影片塑造的人物性格有敏锐的心理学和精确的社会学 的意义。偏重理性剖析，富有思辨与哲理的锋芒，能用现代变革的眼光来看待台湾的历史 与文化，在手法上采用非情节剧结构，开放式结尾，富有探索性与实验性。 在1996年的《麻将》里，他透过一群在都市的金钱游戏中逐渐丧失人性的年轻人，以他们 受伤的、迷失的、愤怒的声音，直接地表达他对于台北这个都市与这个时代的感受。他也 透过外国投机份子充满帝国主义意识的自白，间接地表达他对于台北在跨国资本主义与西 方文化帝国主义所结合的侵略势力的厌恶。财富累积的虚空、尔虞我诈的自食恶果，以及 人们的无知促使悲剧的一再重演，似乎都让杨德昌不忍再看见下一代在这个商品化的都市 中继续沉沦下去，于是毅然挺身直言，试图为台北指引一条明路。《麻将》成为他所执导 的影片中情感最直接，讯息最为明确的一部电影：金钱是致使台北堕落的诱惑，良心与爱 则是这个时代最后仅存的救赎。否则在一代一代的恶性循环里，人性的泯灭、台北（台湾 ）的沦亡将是无可避免的结果。 1990年代，杨德昌致力于执导自己编剧的舞台话剧《如果》、《成长季节》等。 2000年，他的近作《一一》获得2000年第53届法国戛纳电影节最佳导演奖。片名《一一》 意味从头开始，从简单开始，也表示单独的个人，故事包括一个婚礼和一个葬礼，其间夹 杂着一个婴儿的出生，一个人的死亡，一次初恋，一次最后的约会还有一次凶杀。片中很 多人的名字也都是重复的，这主要的是为了要让事情变得简单，本着同样的原则，这部片 子的名字也是这样就叫做《一一》。“把事情一一道来”的意思，正暗合这部影片的繁复 的结构、细致的叙事风格。英文片名叫A One and A Two，这是爵士乐手在开始演奏之前用 来定节奏时默念的话。用杨德昌自己的话来说就是紧随其后的故事并不是紧张、焦虑的， 生活就应该像爵士乐的曲调一样。这和影片以舒缓节奏和超长的时间来展现生活场景的风 格是一致的，也有从头开始之意。 杨德昌和侯孝贤可分别作为“台湾新电影”中都市题材和城乡题材的代表。侯孝贤的作品 感性色彩较浓，而杨德昌的影片则注重知性；两位导演都重视人性根源的剖析，但侯孝贤 的人生态度比较富于包容性，杨德昌则比较悲观无奈，更具现代主义色彩。现代都市人的 疏离、压抑、无助、异化、苦闷、反叛等生存境遇上，在进行现代艺术风格的锐意实验和 创新上，是中国电影导演中成就最为卓著的一位。长镜头加远景，加深焦，加固定机位， 加固定画框，加话外空间已经是杨德昌带有标志性的运镜方法。而将所有的这些元素一次 性集中运用再加上精心设计的场面调度，构成杨德昌独具魅力的电影语言。 杨德昌作品年表： 1982：《光阴的故事之指望篇》 1983：《海滩的一天》 1985：《青梅竹马》 获奖记录：第39届瑞士洛迦诺国际电影节国际影评家协会奖 1986：《恐怖分子》 获奖记录：第23届台湾金马奖最佳作品奖 第40届瑞士洛迦诺电影节银豹奖、国际影评人奖 英国电影协会最具创意和想象力奖 第32届亚太电影节最佳编剧奖 1991：《牯岭街少年杀人事件》 获奖记录：第28届台湾金马奖最佳作品奖、最佳编剧奖 第36届亚太电影节最佳作品奖 第13届南特三大洲最佳导演奖 第4届日本东京国际电影节评委会特别奖 1994：《独立时代》 1996：《麻将》 2000：《一一》 获奖记录：2000年第53届法国戛纳电影节最佳导演奖 贾尼·阿梅利奥（Gianni Amelio ，1945— ） 贾尼·阿梅利奥1945年出生于意大利,毕业于哲学专业，后来在罗马电影实验中心学习。1 970年代开始拍摄电视片。 1992年《盗窃童心》讲述的是年仅十一岁便被母亲卖入火坑的少女，她在一次拉客时被捕 ，母亲被控坐牢，少女和她的弟弟被送入孤儿院。年轻的宪兵安东尼奥奉命将两姐弟从米 兰送到西西里岛的孤儿院，在漫长的旅程之中他们产生了矛盾和友情。这部以意大利南部 贫困地区为背景、以小人物的命运为主题的影片、以主人公之间的友爱亲情打动人们的心 ，使人们得到了慰籍。面对肮脏、腐败的意大利政治，人们至少还可以看到一线希望。影 片继承了意大利新现实主义电影的优秀传统，对意大利腐败的社会现实进行了无情地揭露 。这种揭露引起了人们的共鸣。影片以简练的语言，通过日常生活细节，表达了人与人之 间的理解和人类最美好的真挚情谊。本片在戛纳电影节放映时，受到影评界的欢呼，将其 誉为“惟一一部使观众为之动情的影片”。本片获得了当年法国戛纳电影节评委会大奖 1994年的《亚美利加》讲述菲奥雷和季诺两个意大利人在阿尔巴尼亚开了一家鞋厂，找到 一个病怏怏的老头斯皮罗作为他们厂的主要负责人，不料这个老头竟是意大利西西里人， 曾是法西斯兵团的逃兵，自认为自己还生活在1948年的意大利。不久，鞋厂遇到问题，季 诺在逃跑的船上又遇到了老头，在他苍老的脸上，浮现着充满希望的笑容。该片显示了阿 梅利奥的才气，善于描绘人物内心和周围的环境。他以阿尔巴尼亚的巨大灾难为背景，以 现实主义表现方法所展现的贫困、失望和怪诞的冲突，片中简陋的住房，废墟以及在饥饿 线上挣扎的绝望生机，都令人震惊，难以忘怀。病老头颇富寓意的疯狂、荒唐的表现，象 征性地把意大利二战后的不幸与阿尔巴尼亚目前的不幸重叠在一处，从多角度表现出的对 未来的失望，冲击震撼着观众。 1998年的《他们这样笑》讲的是生活在意大利南部西西里岛上的吉凡尼来到富饶的北方想 要干一番事业，同时希望能找到在此求学的弟弟一起过日子。然而弟弟皮耶托在北方的生 活其实并不理想，无论学业还是人际关系都不如意，种种失落让他不敢面对自己的哥哥。 这对小兄弟承受着彼此心头的失落，最终在车站不期而遇，交织出一段感伤的兄弟情谊。 在本片中，阿梅利奥以表现人间亲情见长的把一对小兄弟之间微妙的情感变化表现得细腻 生动。全片并没有什么特别的高潮和造作的煽情，一切都是在平缓之中内敛的流露出来， 却能在结尾时轻轻掀起你内心善感的一角，在不知不觉中竟已泪流满面。 在以《他们这样笑》夺得了1998年的金狮奖的6年后，阿梅利奥带着《房间的钥匙》这个感 人的故事重返威尼斯电影节。故事讲述的是一位年轻的父亲与他15岁的智力和肢体都有残 疾的儿子第一次相遇。他们一起前往柏林一家特殊医院寻求治疗，但是最终却踏上了逃往 挪威的惊险之旅。 阿梅利奥曾经来过2次中国，2005年，他再次来到中国拍摄《不存在的星星》。由国外世界 级导演拍摄反映中国改革开放成就的影片是史无前例的。《不存在的星星》讲的是个真实 的故事。西方某国一钢铁厂的工程师自费到中国上海等地，寻找他曾经工作过的一家钢铁 厂的下落。在一个年轻女翻译的帮助下，他到中国数个城市奔波寻找。通过自己在中国的 所见所闻，他看到了一个崭新的中国，中国人的工作干劲是那样十足，从而让他改变了以 前对中国的印象，改变了对中国人的成见。围绕着钢铁，演绎了一场东西方人文交流的故 事，充满人间真情。 贾尼·阿梅利奥作品年表： 1982：《击中要害》 1991：《敞开的门》 1992：《盗窃童心》（另译《小小偷的春天》） 获奖记录：1992年第45届法国戛纳电影节评委会大奖 1994：《亚美利加》 获奖记录：1994年第51届意大利威尼斯电影节最佳导演银狮奖 1998：《他们这样笑》 获奖记录：1998年第55届意大利威尼斯电影节金狮奖 2004：《房间的钥匙》 2005：《不存在的星星》 罗伯特·奥特曼（Robert Altman，1925－ ） 罗伯特·奥特曼1925年5月20日出生于美国密苏里州堪萨斯城。曾在密苏里大学攻读数理。 第二次世界大战在空军任飞行员，其间多次将自己的电影剧本向好莱坞投稿，均未被采纳 。退役后在一家摄制纪录片和广告片的制片公司工作了6年，负责过制片、导演、摄影、剪 辑乃至推销等多种工作。他曾经两次去好莱坞自我推销都失败而归。 奥特曼早期拍过《詹姆斯·狄恩传》和《罪犯》，但是没有引起人们多大的注意。后来， 他受到希区柯克的赏识，表示愿意和奥特曼签定长期合同，但是他只为希区柯克导演了两 部“希氏剧场”的电视片。随后他通过拍摄电视片的学习，制作了《公共汽车站》和《战 斗》等收视率极高的电视系列片。1963年，他创立了自己的独立制片公司。1968年他才真 正导演成功了一部科幻片《太空登月记》。 1970年的《陆军野战医院》使奥特曼一跃成为世界一流导演。本片是一部黑色喜剧，一部 兼具政治和美学观念的佳作。影片以1950年代朝鲜战争为题材，全片没有出现一个战争场 面，向观众展现了一幅幅荒诞可爱却又不乏讽刺意味的画面，凭借隐喻手法及喜剧形式成 功的抨击了战争及支持战争的价值观。该片获得1970年第23届法国戛纳电影节的金棕榈大 奖。 1976年的《水牛比尔和印第安》是奥特曼的另一部重要影片。描写十九世纪未，比尔带领 他的剧团在美国西部巡回演出的情景。着重描写了比尔不顾布尔是个印第安人而把他当作 朋友一样对待。在布尔死后，比尔一方面怀念他，一方面寻找高人来替代布尔的角色使剧 团得以继续生存下去。影片以大量篇幅叙述了十九世纪未美国艺人的生涯以及他们的精彩 表演，同时也烘托了不同个性的人物以及相互关系。本片在1976年第26届柏林电影节上荣 获金熊奖。 进入90年代后，奥特曼凭借一部《大玩家》获得第45届戛纳电影节的最佳导演。格里芬· 米尔是好莱坞一家大制片公司的制片人。最近，新任监制就要上任，米尔感到自己受到威 胁。此时他又不断收到一些匿名恐吓信，他怀疑是被他退过稿的编剧干的。他找到其中的 一位戴维·卡亨，在激烈的争吵中，卡亨意外死亡。但当又一封匿名信寄来时，米尔明白 自己找错了人。面临身败名裂的米尔干脆将错就错，玩起了“高级的游戏”，不但使自己 化险为夷，最后还攀上公司总裁的高位，还把卡亨漂亮的女友搞到手，不愧为“大玩家” 的绰号。 奥特曼在《大玩家》东山再起之后，再次执导一部大块头的《银色、性、男女》，大胆地 完全放弃完整的故事线，而是采取生活化的散文手法，平等穿插七、八组彼此不相关的人 物的日常生活事件。就导演的个人风格表现而言，本片颇富特色，某些片段也能讽刺时弊 ，但整体而言不免显得松散而欠缺娱乐性。 罗伯特·奥特曼是美国为数不多的几个艺术电影的“作者”之一，他的影片永远是反常规 和令人惊奇的。 罗伯特·奥特曼作品年表： 1957：《詹姆斯·狄恩传》The James Dean Story 1957：《罪犯》The Delinquents 1967：《迈阿密传奇》The Happening 1968：《太空登月记》 Countdown 1969：《公园的零日》That Cold Day in the Park 1970：《布鲁斯特·麦克柯劳德》Brewster McCloud 1970：《陆军野战医院》MASH 获奖记录：1970年第23届法国戛纳电影节金棕榈奖 1970年金球奖最佳喜剧片奖 1971年第43届美国奥斯卡金像奖最佳改编剧本奖 1971：《麦克科伯和密勒太太》McCabe & Mrs. Miller 1972：《幻象》 Images 1973：《漫长的告别》The Long Goodbye 1974：《加利福尼亚裂缝》California Split 1974：《没有明天的人》 Thieves Like Us 1975：《纳什维尔》 Nashville 获奖记录：1975年美国电影评论协会最佳导演奖 1976：《水牛比尔和印第安》Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull\'s His tory Lesson 获奖记录：1976年第26届德国柏林电影节金熊奖 1977：《三女性》 3 Women 1978：《婚礼》A Wedding 1979：《五重奏》 Quintet 1979：《天生一对》A Perfect Couple 1980：《大力水手》 Popeye 1982：《詹姆斯·狄恩生活片段》Jimmy Dean Come Back to the Five and Dime 1982：《选举风云》 HealtH 1983：《北极光》 Streamers 1984：《秘密的荣誉》 Secret Honor 获奖记录：1985年第35届德国柏林电影节费比西奖 1985：《爱情傻子》 Fool for Love 1988：《肯恩航叛变》The Caine Mutiny Court-Martial 1990：《梵高与提奥》 Vincent & Theo 1992：《大玩家》The Player 获奖记录：1992年第45届法国戛纳电影节最佳导演奖、最佳男演员奖 1993年英国电影学院最佳导演奖、最佳编剧 1993：《银色、性、男女》（另译：《捷径》、《人生交叉点》）Short Cuts 获奖记录：1993年第50届意大利威尼斯电影节金狮奖 1994：《云裳风暴》Prêt-à-Porter 1996：《堪萨斯情仇》 Kansas City 1998：《迷色布局》The Gingerbread Man 1999：《财富》Cookie\'s Fortune 2000：《浪漫医生》Dr. T & the Women 2001：《高斯福公园》Gosford Park 获奖记录：2002年金球奖最佳导演 2003：《舞者》 尤里斯·伊文思 （Joris Ivens，1898—1989） 尤里斯·伊文思1898年11月18 日 出生于荷兰的尼梅格城。他的父亲在该城开了一家照相 器材商店，后扩大为专门出售制造照相器材的卡比公司。1911 年13岁的伊文思在家人的协 助下拍摄了一部长200米的影片《茅屋》，这是他的第一部电影习作。1917 年他中学毕业 ，进入鹿特丹高等经济学院就读，时值第一次世界大战期间，尽管荷兰当时是中立国，但 是伊文思仍然被应征入伍。 1920年复员后又回到高等经济学院，他一边上学一边经营着父 亲的照相器材商店阿姆斯特丹分店。其间，他还参加学生运动，担任过荷兰“学生联合会 ”主席。 1926年伊文思回到荷兰，担任卡比公司技术部主任。由于经常同荷兰知识界接触，他开始 对电影感兴趣，并看到了被荷兰当局禁映的苏联影片《母亲》，很受启发。不久，他在荷 兰创立第一家电影俱乐部“电影联盟俱乐部”，并从此广泛接触电影技术。 1927 年在荷 兰的一家小酒吧拍摄了纪录短片《齐迪奇纪事》，表现醉汉的神态。 1928 年伊文思第一次赴巴黎，试图探讨摄影机的表现可能性，并在那里拍摄了一部4分钟 的短片《对运动的研究》。不久，他又回到荷兰，在一位工程师的建议下，经过长期观察 与周密准备后，用3个月时间完成长10分钟的纪录片《桥》，获得普遍好评。 1930年 ，他用3个月的时间在阿姆斯特丹市完成了充满诗意的短纪录片《雨》，是“城市 电影”中最富诗意的一部作品。《桥》和《雨》以其深邃的诗意和清新的风格被公认为欧 洲先锋电影的代表作，是这个时期实验电影中最具持久生命力的纪录片。 1932 年伊文思应邀赴苏联，并应有关部门之请，在钢铁工业中心马格尼托哥尔斯克拍摄大 型纪录片《英雄之歌》（又名《共青团》、《青年人的话》），颂扬共青团在苏联社会主 义建设中发挥的重要作用。伊文思的几次苏联之行使他的创作兴趣发生了转变，拍出了堪 称那个时期最优秀的战斗电影的纪录片。 1933 年比利时西南部博里纳奇煤矿工人举行大罢工，伊文思应比利时进步纪录电影工作者 亨利·斯笃克之请，不顾当局迫害，利用布鲁塞尔的一个电影俱乐部——“银幕俱乐部” 提供的资金秘密的拍摄了纪录片《布利纳奇矿区》，表现了煤矿工人的悲惨境遇与互助团 结精神。影片完成后，有关当局禁止在比利时和荷兰上映，可是它以在许多电影俱乐部巡 回放映了。伊文思在1934年访问苏联时，曾经专门为苏联重新剪辑这部影片，加进了表现 乌克兰煤矿工人的生活和劳动以及莫斯科建造地下铁道等镜头，使这部有声的俄文版的《 布利纳奇矿区》有了新的内容。伊文思本人及评论界都认为《布利纳奇矿区》是伊文思创 作生涯的一个重要转折点。 1937 年西班牙内战爆发，伊文思明确表示支持共和派，并与海明威等一些美国知识界人士 创立“今日历史电影公司”（后改名为当代历史电影公司），奔赴西班牙拍摄《西班牙的 土地》，这是伊文思第一部表现人民反对法西斯主义的大型纪录片。伊文思当时使用了三 台摄影机拍摄，海明威为影片写作并朗读了解说词。《西班牙的土地》在当时对世界产生 了重要影响，是伊文思的重要作品之一。 1938 年日本帝国主义入侵中国，伊文思表示坚决支持中国人民的抗战，在“当代历史电影 公司”的赞助和华侨的资助下，经过周密准备，与《西班牙的土地》的摄影师费诺和卡巴 ，经香港到达汉口，拍摄记述中国人民抗日战争的纪录片《四万万人民》。在华期间，宋 庆龄女士向伊文思介绍了中国人民的生活和抗日意志。伊文思不顾蒋介石政府的百般刁难 ，亲赴前线，拍摄了收复台儿庄的镜头。在汉口，伊文思第一次与周恩来会见，并拍摄了 八路军召开重要军事会议的镜头。由于蒋介石的阻挠以及其他原因，他未能按原意赴延安 拍摄。在西安停留期间，他拍摄了西安人民抗日游行等镜头。为表示对中国人民的敬意， 伊文思通过周恩来、叶剑英等人的安排，将自用的那架“埃姆”摄影机及数千胶片赠交给 中国革命的电影工作者（该摄影机现存于中国历史博物馆）。伊文思在拍摄了广东人民的 抗战决心后，离开中国。 1954，伊文思回到法国巴黎，根据法国电影史学家乔治·萨杜尔提供的创意，拍摄纪录片 《塞纳河畔》。此片并不是关于塞纳河的风光片，也不是关于河流两岸的名胜古迹的纪录 片，而是“一首颂扬城市风光的造型诗”。他表现的是巴黎和塞纳河的相会，这里有着强 烈的对比：老年与爱情，豪富与赤贫，懒散与勤劳，幸福与绝望的孤独……影片“表现了 伊文思对社会主义人道主义的坚定信念，处处洋溢着巴黎温暖和煦的阳光”。《塞纳河畔 》荣获当年的法国戛纳国际电影节纪录片“金棕榈”奖。 1968 年，伊文思在当时的老挝解放区拍摄纪录片《人民和他们的枪》，影片由四个片段组 成：“人民军队武装人民”、“枪杆子里出政权”、“人民是万能的”、“没有武器，人 民就没有力量”。后来又在越南拍摄了《会见胡志明主席》。同年，伊文思的自传《摄影 机和我》出版。 1972至1975 年伊文思偕法国电影工作者罗丽丹在中国拍摄大型系列纪录片《愚公移山》。 摄制组的足迹遍及大庆、上海、南京、青岛、新疆等地，广泛接触了我国的工人、农民、 渔民、教授、学生、解放军战士、售货员、演员、手工艺艺人。《愚公移山》由12部各自 独立的影片组成：《大庆油田》、《上海第三医药商店》、《上海汽轮机厂》、《一个妇 女，一个家庭》、《渔村》、《一座军营》、《对一座城市的印象》、《球的故事》、《 秦教授》、《北京京剧团排练》、《北京杂技团的训练》、《手工艺艺人》。伊文思以直 接的形式表现了各阶层在那段历史时期的生活、劳动、学习、等情况。在拍摄过程中，伊 文思坚持深入现场，以熟悉生活和拍摄对象。整部影片共长12小时。 1984至1988 年伊文思多次来中国，拍摄他酝酿已久的纪录片《风的故事》。年近90岁的伊 文思继续进行艺术探索，影片拍摄的几乎是被认为无法拍摄的事物。这是伊文思对自己几 十年艺术生涯的总结，融合了他早期的抒情性的电影语言，“直接电影”的手法，以及超 现实主义的表达方法。影片的表现手法细腻，内容虽然抽象而又晦涩，但是富有想像力和 启发性，受到人们的热烈称赞。此片是他的最后一部作品。 1989年伊文思在巴黎去世。 享年91岁。 尤里斯·伊文思作品年表： 1928：《对运动的研究》 1928：《桥》 1929：《冲击礁岩的浪花》 1930：《雨》 1930：《我们在建设》（第一部描写须德海排水工程的纪录片） 1931：《工业交响乐》 1931：《木馏油》（与德尔维尔合作） 1932：《英雄之歌》 1933：《须德海》（《新地》） 1933：《布利纳奇矿区》（与斯托尔克合作） 1935：《战士季米特洛夫》 1937：《西班牙的土地》 1939：《四万万人民》 1940：《权力与土地》 1942：《警报》 1945：《印度尼西亚在呼唤》 1949：《开始的年头》 1950：《和平一定在全世界胜利》 1951：《友谊一定在全世界胜利》 1954：《激流之歌》 1956：《调皮鬼梯尔》 1958：《塞纳河畔》 1958：《雪》 1959：《意大利不是穷国》 1960：《明天在南圭拉》 1961：《古巴纪行》 1961：《武装的人民》 1963：《瓦尔帕莱索》 1965：《天空，大地》 1966：《西北风》 1966：《欧洲之港鹿特丹》 1967：《十七度线》 1968：《人民和他们的枪》 1969：《会见胡志明主席》 1976：《愚公移山》 1988：《风的故事》 村昌平（Shohei Imamura，1926－ ） 今村昌平1926年9月15日生于日本东京一个医生家庭。1951年毕业于早稻田大学文学部，同 年进入松竹电影公司大船制片厂任助理导演。不久即任导演小津安二郎执导的《早春》一 片的助导，并与小津合作了三部影片。他也与野村芳太郎及川岛雄三等导演合作过。1958 年今村昌平开始为川岛雄三写剧本《幕末太阳传》，该片成为川岛的代表作。同年，今村 被赏识，执导其首部电影《被偷盗的情欲》。 1961年的《猪和军舰》获当年电影旬报十佳影片之一。故事背景为曾被称作东洋第一的横 须军港，曾是朝鲜战争时期美国海军的中转基地。影片描写的不仅是一个军港，而是当时 被一种“只有依靠美国才能繁荣”的政治宣传统治下的日本现实。剧中从开妓院转向养猪 的黑社会策略改变，正是日本60年代经济起飞的一个缩影。猪在作品里已超越了它本身的 意义，编导批判了堕落的民主主义是比猪还要肮脏的东西。剧情大致为曾开妓院的日森与 人联合做起养猪的买卖，靠白拿军港基地的剩饭和泔水发了财。一些地痞无赖前来敲诈， 他们自己也因分财不均发生矛盾。猪吃了争斗被打死的春驹的尸体，而他们则吃了这个猪 的肉，同伙中有人想趁夜把猪偷运出去卖，军治的卡车在后边追来，于是受惊的猪狂奔起 来，一如激流淹没了所有的人…… 《日本昆虫记》描述战争前后的农家女松木苦难而悲惨的一生，影片开始写由于松木的婚 姻不幸，而沦为妓女的过程。最后描述她的后半身是为召集女孩卖春而过的，经过种种苦 难，她还是朝这个方向前进。当一只昆虫在心中立定了方向之后，就不改变地朝着目标前 进。在本片中有两个角色就像昆虫一样，一个是松木的父亲忠次，一个是左幸子饰演的松 木。 1964年的的《红色杀机》原作者是藤原审尔，原作故事背景是在东京的JR中央线沿线的小 市民住宅区中，但导演却将故事搬到东北的仙台市。故事就发生在仙台市一个传统保守的 家族——高桥。清三与妾的女儿卖春所生的女孩贞子，在二十一岁时被吏一强暴，虽然有 了孩子，但由于是近亲而无法与之结婚。后被强盗平冈抓走，被多次强暴，虽然后来平冈 真的爱上了贞子，但贞子已决心杀掉他。在温泉区，贞子给心脏病突发的平冈喝下掺了农 药的水，并残忍地留下他离去。从此之后贞子变成为了一个坚强的女子，为自已及儿子的 名份、地位而奋争。春川所饰演的贞子由于抵抗压力而改变，贞子所面对的压力不仅来自 外界，更大的压力来源是这个古老的信仰与家族制度。 《人间蒸发》是部极具争议性和个人主义强烈的杰出纪录片。本片拍摄的原始动机起自今 村昌平压低了酬金的交涉、以及雇用明星时烦琐的手续，于是决定改拍纪录片。正好在这 个时候有个离家出走的少年被发现陈尸于青梅山的事件，引发其拍摄失踪人口的强烈兴趣 。取材的物件是从众多的失踪者中筛选出一位住在东京都墨田区的失踪者大岛裁。他于一 九六五年出差后即杳无音讯，动机、原因不明。本片有企图构想，但没有剧本，剧情发展 是以追踪的方式进行。以失踪者大岛裁的未婚妻早川佳江主演，拍摄过程追踪了大岛的工 作地点及大岛的亲人。本片以充满喜、怒、泣、惊等赤裸裸的人性面貌加以结束。本片由 于引发的人权问题以及早川被欺骗的部分，亦即以道德的观点加以评论。即使如此，本片 的品质依然不容置疑。 1968年的《诸神的欲望》是今村昌平的大作之一，是一部融合社会学与民俗学的异色作品 。本片以神话般的故事，说出鲸岛岛民如何拒绝改变，而且对于想反抗禁忌的人亦残忍地 加以制裁，看来令人心惊、悲怆。特别是最后具有反派精神的根吉被活活打死过程。本片 推出时，正逢琉球回归日本本土、越战的基地问题、法国五月革命，以及日本东大及日本 学潮等风起云涌，世界局势动荡最激烈的时代，对于身处变革中的人，看到本片对变革的 探讨的确是感触良多。今村昌平的电影手法，在当时的日本，甚至全世界都是极为罕见的 。 今村昌平在六十年代末期日本电影开始衰落时，拍摄了一系列的纪录片。《我要复仇》是 他蛰伏六年后的作品，也是他最富争议性的电影。影片改编自一件真人真事的连环凶杀案 。案件中的罪犯榎津岩自青少年时期已经常入狱，长大后更多次用假冒的身份行骗及劫杀 。今村昌平用了钜细无遗及极其冷静的手法，记录着榎津岩的犯罪过程，但却完全拒绝解 释他的犯罪来心理。影片虽然交代了榎津岩小时候目睹父亲被军队毒打的情形，又细致描 写了他在服刑期时其父发生的一段不伦之恋，但却没有进一步暗示这两件事与榎津岩的行 凶动机有任何关系，回避了简化的心理分析。 《楢山节考》改编自深泽七郎的同名小说《楢山节考》。1958年木下惠介曾把相同的故事 拍摄成电影，轰动一时。本片虽是旧片新拍，但由于表现手法不同，对人与动物之自然本 性、生与死等有了更入的探讨。影片以日本古信州之某原始山村为背景，讲述由于食物匮 乏，老人一到七十岁就要依传统习惯被儿子背至楢山待死的悲剧故事。对于闭塞地区民间 弃老习俗以及人之原始野性，描写得极为透彻和深入。 《鳗鱼》是今村昌平继十四年前的《楢山节考》之后再获戛纳电影节金棕榈奖的制片。影 片描述中年男子山下在愤怒中刺死通奸的妻子，八年后假释出狱，在小镇开理发店维生。 一天偶然发现自杀女子将她救回，并让她留在店里帮忙。桂子从山下身上感受到前所未有 的关怀和照顾，逐渐产生爱意，但山下鉴于自己的杀人犯背景和仍有杀妻阴影而狠心拒绝 。直至桂子发现怀孕，昔日男友又找上门来对她不利，山下才突破心理防线接受桂子。役 所广司与清水美砂的表演甚佳。今村采用稳重的电影形式对杀人犯的心理状态作细腻刻划 ，中间穿插以象征性的幻想手法呈现男主角山下的心理障碍，既跳脱了故事的平铺直说， 也增添了内涵。 今村昌平拜读己故作家坂口安吾的小说《肝病医生》后深受感动，决定把他拍成电影献给 当医生的已故父亲。故事发生在原子弹空投广岛前夕，离广岛不远处的一个小岛上，肝病 肆虐，赤木大夫纠集一众活在战争边缘的人，包括年轻妓女、自我放逐的僧人、染上吗啡 瘾的医生和受伤的德国逃兵，协力拯救染病的岛民。当广岛上空升起巨大的蘑菇云时，赤 木隔岸遥观，觉得它像肿大了的肝脏。 今村昌平作品年表： 1958：《被偷盗的情欲》 1958：《无尽的欲望》 1959：《西银座驿前》 1960：《二兄》 1961：《猪和军舰》 1963：《日本昆虫记》 1964：《红色杀机》 1966：《人类学入门》 1967：《人间蒸发》（纪录片） 1968：《诸神的欲望》 1970：《日本战后史》（纪录片） 1973：《娼妇之诞生》 1979：《我要复仇》 1981：《为什么不行》 1983：《柚山节考》 获奖记录：1983年第36届法国戛纳电影节金棕榈奖 第7届日本电影金像奖最佳影片、最佳男主角 1987：《淫媒》 1989：《黑雨》 获奖记录：1989年第42届法国戛纳电影节最高技术委员会大奖 1997：《鳗鱼》 获奖记录：1997年第50届法国戛纳电影节金棕榈奖 日本《电影旬报》最佳日本影片，最佳男主角，最佳女配角 1998：《肝病医生》 2002：《红桥下的温泉》 让-吕克·戈达尔（Jean-Luc Godard,1930－ ） 让—吕克•戈达尔1930年12月3日生于法国巴黎。他在法国和瑞士边界的雷曼湖畔度 过了少年时期，进入青年时期后迅速陶醉于电影世界，与特吕弗和罗梅尔等人终日在巴黎 的“亨利·朗格洛瓦——法国国家电影资料馆”里接受各种电影的洗礼。随后不久便在《 电影手册》等杂志上发表电影评论文章。1954年到1958年，他尝试导演了《混凝土的作用 》等五部短片，为拍摄正式的长篇作品积累经验。 1959年，在特吕弗的帮助下，戈达尔完成了第一部长篇处女作《精疲力尽》。无所事事的 青年米歇尔经常以盗窃汽车为生，一次逃跑时，他开枪打死了警察。逃亡到巴黎后，米歇 尔不可救药地爱上了街边偶遇的美国姑娘帕特莉夏，并且打算带她一起远走高飞。结果就 当他们万事俱备的时候，却发生了令人意想不到的事情。《筋疲力尽》是戈达尔的成名作 ，也是新浪潮运动的标志性作品之一。《筋疲力尽》是最具代表性的早期新浪潮影片：故 事略显无序，采用真实场景，拍摄手法随心所欲，剪辑自由，语言文学味道浓重。而影片 中的男女主人公也是标准的“新浪潮角色”：没有经济基础的米歇尔性格颓废却珍重感情 ，帕特莉夏水性扬花并且最终以背叛解决了与米歇尔的关系问题。作为戈达尔的第一部长 片，《筋疲力尽》也可以看作是新浪潮导演们（特别是《电影手册》派）的一次集体行动 ，当时已经成名的特吕弗为影片编写脚本并拉来拍摄资金，克洛德·夏布洛尔担任了执行 制片，黑色电影大师让-皮埃尔·梅尔维尔在片中出演了作家一角。尽管《筋疲力尽》一致 被认为是戈达尔最著名的作品之一，但他本人却多次声明自己并不喜欢这部影片，因为那 是“为别人而拍的”。 1963年的《轻蔑》讲述的是编剧家波尔与米尤本是一对幸福美满的夫妻。波尔应邀去见电 影制片家布罗可修，其妻也同去。在布罗可修招待他们夫妻二人时，波尔说的话让米尤对 他产生轻蔑感。回到公寓后，对拍片的事波尔的表现让米尤再一次产生轻蔑感，在拍片的 过程中米尤仍没有改变这种心情。当波尔看到米尤与布罗可修接吻时怒气冲冲宣布不拍了 ，可这已无法挽回她的心了。最后米尤坐布罗可修的车子前往罗马时发生车祸，二人双双 丧命，两具尸体就像无机物样躺在那儿。本片是以电影界为题材，描写现代人的心理冲突 。 《软奶酪》是戈达尔同罗西里尼、帕索里尼合拍的集锦片《罗可巴克》中的一集。影片叙 述了在描写基督的影片中的一个可怜的配角，他扮演同基督一起被钉在十字架上的强盗。 在现实生活中他受同事们的欺凌，就象他扮演的角色一样。最后他因吃了过多的软奶酪(由 于长期没有吃东西)在被钉上十字架时死去。罗马的检察官没收了这部影片，并因“亵渎罪 ”判处帕索里尼四个月监禁。 1964年的《另外一帮》亚瑟和法兹是两个对美式文化与美国电影着迷的年轻人，他们学习 英文，对于比利小子等传奇人物非常感兴趣，并喜欢跳舞。女孩奥戴丽为了让他们俩接受 她，于是告诉他们如何赚钱——他们决定一起去洗劫奥戴丽有钱的姑妈。不过后果却是一 场大灾难。戈达尔编导的这部作品是对美式流行文化以及好莱圬警匪通俗剧的讽刺与批评 ，片中虽然有帮派电影中的忠诚等主题，但有一种世故与纯真结合的幽默。女主角安娜· 卡利娜在片中一派清纯模样，令人印象深刻，她后来成为戈达尔的妻子。本片是戈达尔最 有趣的作品之一。 自1967年拍摄《中国姑娘》以来，特别是1968年法国“五月风暴”之后，戈达尔与当时法 国学生运动领导人让—比埃·高兰组织了“维尔托夫小组”，声称他信奉苏联早期“电影 眼睛派”创始人吉加·维尔托夫的理论，要用影片作为无产阶级革命的武器，同时，“为 了摄制革命电影，首先应该对电影进行革命”。戈达尔和它的小组拍了一系列的“政治影 片”。其中包括《真理》、《东风》、《意大利的斗争》、《直至胜利》、以及《一切顺 利》。 1970年代，戈达尔曾遭遇车祸，一度中断拍片，移居瑞士。直到1980年才重又回法国拍摄 故事片。1979年戈达尔的《人人为己》公映之后，曾引发了“戈达尔电影已走向商业化” 的争议，而他却对这一切置之不理，独自来到瑞士，再次开始了新的冒险。他运用手提摄 像机和电影摄影机交替或同时拍摄，力图展现全新的视听世界。 1982年的《芳名卡门》主要线索依据梅里美的文学名著《卡门》：一个抢劫团伙中的女青 年卡门，与警察约瑟夫由搏斗发展到相恋。约瑟夫甚至不惜从此追随卡门及其团伙。卡门 对约瑟夫慢慢冷淡。不堪忍受的约瑟夫在该团伙的一次行动中杀死了卡门…… 戈达尔借用 卡门来吸引观众关注他所窥视的世界，思考他所关心的问题。本片与他以往的影片相比， 故事情节较简单，可视性有所增加。但是由于两条故事线索穿插发展，在叙事上有时是顺 叙的，有时则跳来跳去，加上不断插入的大海波涛汹涌的空镜头，乐队排练贝多芬四重奏 的场面及与情节无关的社会评论。话外音等复杂的叙事段落，故事情节被搞得支离破碎。 但由于它将音响世界与影像世界融于一体，仍然获得了很高的评价。早在“新浪潮”时期 ，戈达尔就提出：“世界发出了噪音，我们怎能不表现它呢？”戈达尔在本片中大量运用 尘世间发出的各种噪音语言来渲染环境，表现人物心理，被评论家誉为“音响革命富有诗 意的宣言”。 1997年戈达尔拍摄了一部向世人展现了他长达十余年的编排过程和电影这一特殊艺术形式 的百年历程的作品，这就是《电影史》。 戈达尔的影片一般都带有夸张、狂热的特质，在电影语言方面的探索几乎毫无顾忌，如现 场即兴拍摄、“电影化论文”样式、镜头的随意“跳接”和摄影机的无休止移动等等，对 于现代带有表现技巧的突破是电影史上少有的。因此，戈达尔被称为“现代电影怪杰”， “一个当代最难分析和评价的导演之一”。 让—吕克•戈达尔作品年表： 1954：《混凝土的作用》（短片） 1959：《筋疲力尽》À bout de souffle 获奖记录：1960年第10届德国柏林电影节最佳导演奖 1960：《小士兵》 1961：《女人就是女人》Une femme est une femme 获奖记录：1961年第11届德国柏林电影节特别奖、最佳女演员奖 1962：《放纵》（另译：《随心所欲》）Vivre sa vie: Film en douze tableaux 1963：《轻蔑》 1963：《卡宾枪手》Carabiniers, Les 1963：《软奶酪》（三段式影片，分别由帕索里尼、罗西里尼执导）Laviamoci il cerve llo 1964：《另外一帮》（另译《不法之徒》）Bande à part 1964：《一个已婚的女人》 1964：《局外人》 1965：《狂人比埃罗》Pierrot le fou 1965：《阿尔法城》Alphaville 1966：《美国制造》Made in U.S.A. 1966：《男人和女人》Masculin, fé;minin 1966：《我略知她一二》2 ou 3 choses que je sais d\'elle 1967：《中国姑娘》Chinoise, La 获奖记录：1967年第32届意大利威尼斯电影节评委会特别奖 1967：《周末》Week End 1967：《远离越南》（纪录片）Loin du Vietnam 1969：《美国之声》（电视纪录片） 1970：《真理》 1972：《一切顺利》 1972：《写给珍妮的信》 1972：《2号》 1976：《此处和彼处》 1976：《你好吗？》 1976：《6×2》 1976：《小戈达尔》 1979：《人人为己》 1981：《情欲》 1982：《芳名卡门》Pré;nom Carmen 获奖记录：1983年第40届意大利威尼斯电影节金狮奖 1984：《侦探》Dé;tective 1987：《神游天地》Soigne ta droite 1990：《新浪潮》Nouvelle vague 1991：《德国90》 1994：《十二月里的自画像》 1995：《法国电影2×50年》（纪录片） 1996：《永远的莫扎特》For Ever Mozart 1997：《电影史》（电视片） 2001：《爱的哀歌》Éloge de l\'amour 2004：《我们的音乐》 彼得·威尔（Peter Weir ，1944— ） 彼得·威尔1944年8月21日出生于澳大利亚悉尼。父亲是一位房地产经纪人。他也曾尝试过 他父亲的行当，不久便踏上了欧洲之旅。回到澳洲以后，他在联邦电影组找到了一份工作 ，正是在这里他学会了拍摄纪录片和教育片。 1971年，威尔执导了他的处女作《三人行》，但是影片并没有受到观众和影评家的关注。 1975年，他拍摄了他的第二部影片《吃掉巴黎的车》，这部灰色调的喜剧、惊悚片引起了 人们普遍的关注。随后一年他又推出了他的第三部影片，根据同名小说改编的《悬崖下的 午餐》，这部影片为他带来了更大的成功。影片讲述了几个女中学生在澳大利亚内陆深处 失踪的故事，这部超现实主义的影片赢得了一致的好评，并成为风靡一时的经典之作。 1981年的《加里波里》使威尔首次斐声国际影坛，也为他赢得了澳大利亚电影协会最佳导 演奖。当时尚名不见经传的梅尔·吉布森在片中饰演两个开赴第一次世界大战前线作战的 朋友之一，该片受到了国际影评家们的一致赞誉，也确立了威尔在国际影坛的地位。1983 年，他推出了影片《危险的年代》，并再次请吉布森担纲主演。《危险的年代》描写了19 65年印尼苏加诺统治集团被推翻时期发生的一段浪漫恋情。对威尔来说，该片也为他带来 了商业上的巨大成功。 1985年威尔携《目击者》登陆美国。《目击者》讲述了一名受伤的费城警察在一个阿们宗 派家庭里疗伤期间，亲眼目睹的文化冲突的故事。影片向人们证明了哈里森除了能在那些 高成本制作的动作片中一展风采，也有能力演好其它角色。随后威尔再次与哈里森合作， 1986年推出了《蚊子海岸》，该片系根据保罗·索鲁的小说改编而成，但没有前一部影片 叫座。 1989年，威尔以《死亡诗社》再次重拳出击。正如《目击者》让哈里森·福特再展雄风一 样，《死亡诗社》也让该片的主演罗宾·威廉斯迅速窜红，并让威尔再次获得奥斯卡提名 ，以及法国恺撒奖最佳外语片的奖项，该片也是反映青少年心理问题影片的代表作。随后 ，威尔又执导了另一部影片《绿卡》，进行了另一种风格的探索。但是人们普遍认为该片 情节稍嫌繁琐且内容偏题，最多只能算是一部闹剧。 1993年威尔推出的《无畏》被证明是一部失败之作。 1998年，威尔执导了《楚门的世界》 ，在这部影片中金·凯瑞首次担纲主演，浑然不觉中他成了一部肥皂剧的主角，他的生活 被电视台转播，而这一切实际上都是人为安排的。这部黑色幽默的超现实主义影片向人们 展示了我们周围的这个世界正被媒体侵蚀着。影片受到了影评界和观众的一致好评，威尔 也因此片而第三次获得奥斯卡最佳导演的提名，并获得许多其它荣誉。 彼得·威尔崛起于1970年澳大利亚电影再度兴起之时，是当时澳大利亚青年导演的先锋和 旗手。在30多年的电影生涯中他不断寻找拍片的新素材，不断探索在主流电影影片中如何 运用轻松的格调表现人生哲理的艺术手法。他的影片经常反映人们因无法主宰自己的命运 而走向绝境的种种经历。他的作品一贯具有某种神秘的色彩，既充满智慧又富有诗意。他 不仅使得哈里森·福特、梅尔·吉布森、罗宾·威廉斯、吉姆·凯瑞在众星云集的演艺圈 中脱颖而出，更为自己赢得了“深层刻画人类内心活动”的美赞。 彼得·威尔作品年表： 1971：《三人行》Three to Go 获奖记录：澳大利亚电影协会大奖 1974：《吃掉巴黎的车》The Cars That Ate Paris 1975：《悬崖下的午餐》Picnic at Hanging Rock 1977：《最后的浪潮》 1980：《管子工》 1981：《加里波里》Gallipoli 获奖记录：澳大利亚电影协会最佳导演奖 1983：《危险的年代》The Year of Living Dangerously 1985：《目击者》Witness 1986：《蚊子海岸》The Mosquito Coast 1989：《死亡诗社》Dead Poets Society 获奖记录：1990年第62届美国奥斯卡金像奖最佳原著剧本奖 1990：《绿卡》Green Card 获奖记录：美国金球奖最佳喜剧片奖 1993：《无畏》Fearless 1998：《楚门的世界》The Truman Show 2003：《怒海争锋》Master and Commander 尼尔·乔丹（Neil Jordan，1950— ） 尼尔·乔丹1950年2月25日出生于爱尔兰。少时受从事绘画的母亲影响，也对美术产生浓厚 的兴趣。17岁时开始进行文学和戏剧创作，都柏林大学毕业后，当过教师、演员等。他在 执导电影之前就已经是一位颇富名望的小说家，第一部故事集《突尼斯之夜》在1979年获 得加丁小说奖。 他的电影作品大都由自己编剧而成，1982年编剧并导演了第一部电影《天使街杀人事件》 ，1986年编导的《蒙娜丽莎》使他声名大振，获当年的戛纳电影节、西班牙来多利电影节 、洛城影评人协会的最佳男主角奖。《蒙娜丽莎》描述一个现实社会的失败者乔治，他代 人受罪，入狱七年。出狱后，妻子不要他，甚至不让他接近女儿。他在走投无路之下，接 受了一份工作——担任高级黑人妓女西蒙的司机兼保镖，他们从互相敌视到相互倾心，最 后乔治把她当作圣女一般爱上了她。此片男主角鲍勃·霍斯金斯，由于生动而细腻地演出 ，获得多项荣誉。尼尔·乔丹在镜头处理上，充分反映出他的艺术诚意，此外，本片对摄 影、灯光、剪辑、配乐的处理，都具有相当高的专业水准，使观众欣赏到新一代英国电影 不同于美国好莱坞制作的特殊韵味。 1992年的《哭泣的游戏》是一部反映爱尔兰共和军故事的影片。影片描述了一个厌倦暴力 与暗杀的恐怖分子弗格斯的遭遇， 并以此对现代社会中的人性作了阐发和探讨。 弗格斯 因不愿再进行恐怖活动而逃离了组织，然而却受到共和军和警察双方面的追捕，而只能无 奈地任由命运摆布。因恐怖活动而失去了一位好友的戴尔，在新朋友又将遭到不幸时虽努 力相助却仍然无能为力。影片通过几位主人公的不幸遭遇对恐怖活动进行了谴责，展开了 对人性的探讨。影片展现了在迷乱的现代社会中人们的无奈和无助。然而却也通过几位主 人公的行为表达出一种对人性和自我的追求，表达出对和平的渴望。同时影片也对北爱尔 兰问题作出了真实而深刻的表现，表达出对和平的企盼。《哭泣游戏》一片受到了电影界 和观众们的广泛瞩目，获得了一致肯定。在片中，几位主要演员均有着出色的表演。他们 的出色演技深刻地揭示了人物的内心世界，使影片的人性主题得到了更好的表现。 1975年，小说《夜访吸血鬼》刚刚出版，其影片拍摄权就立即被人买走。然而直到1994 年 ，小说才终于被尼尔·乔丹搬上了银幕。这期间，足足经过了20年的时光和无数次的修改 与完善。令制作者们欣慰的是，影片一经推出，就引起了巨大的反响，可谓好评如潮，而 尼尔·乔丹的才华和实力也得以再次充分展现，并从此广为人知。《夜访吸血鬼》是一部 跨越时空，纵横想象的宏篇巨作。在影片中，导演以吸血鬼的世界这一独特的层面为出发 点，将真、善、美与假、丑、恶进行了比较，并以此来影射当代社会中的许多潜在的危机 和罪恶。导演在影片中牢牢地把握住了人性这一命题并加以阐发。因此，虽然近年来吸血 鬼题材的影片屡见不鲜，这一部却显得分外与众不同，富有张力和动人的情感力量。演员 阵容的强大也是这部影片的一大特色：布拉德·彼特、汤姆·克鲁斯、安东尼奥·班德拉 斯，都是极富票房号召力的实力派巨星。其演技自然也在影片中发挥得淋漓尽致，彼此之 间毫不相让，一时间星光闪烁，几乎令人眼花缭乱。就连客串配角马洛伊的，也是颇有名 气的实力派青年演员克里斯汀·史莱特。 1996年的《迈克尔·柯林斯》获得第5３届意大利威尼斯电影节金狮奖及最佳男演员奖。1 916年爱尔兰革命者发动了复活节叛乱。在经历的6天的武装抵抗后，终因寡不敌众，在都 柏林邮局向英军投降。反叛者均被押入狱，其中包括柯林斯和他的亲密战友勃兰德。获释 后，他们又重整旗鼓。柯林斯全身心投入到反英运动之中，足迹遍及全岛。作为“爱尔兰 自由国”的领袖，柯林斯极力避免冲突的发生。在勃兰德被枪杀后，他不顾劝阻，前往反 “爱尔兰自由国”的阵地库克镇谈判，却惨遭枪杀……本片以爱尔兰共和国领袖迈克尔· 柯林斯的真实经历为主干，叙述了这位只活了32岁的风云人物如何崛起并并采用激烈手段 与英国政府对抗，争取爱尔兰的独立和主权的故事。本片也进一步体现了尼尔·乔丹对社 会问题的关注。他在影片中所透露出的对家乡事务的关切，使他的影片具有深刻的内涵和 现实意义；而对人性的探讨也使他的影片具有感人的人文性。 1999年的《事物的终结》讲述的是小说家莫里斯·宾德里克斯偶遇了从前的情人莎拉的丈 夫亨利·麦尔斯，两年前他曾经粗暴地终止了他们的情事。莫里斯对莎拉的迷恋重新燃起 ，他屈从于自己的妒忌心，并设法让莎拉也跟随他。当年在一次伦敦的闪电战中莫里斯负 伤后，莎拉与上帝达成了交易：如果她的情人生还，她就将离开他。但当莫里斯再次出现 在她的生活中时，她发现实现诺言比她预想的要困难得多。她在对旧情人的爱恋中挣扎， 精神陷入了进退两难的境地。 尼尔·乔丹作品年表： 1982：《天使街杀人事件》Angel 1984：《狼之一族》The Company of Wolves 1986：《蒙娜丽莎》Mona Lisa 获奖记录：1986年第39届法国戛纳电影节最佳男主角奖 1988：《兴高采烈》High Spirits 1989：《我们不是天使》We\'re No Angels 1991：《奇迹》The Miracle 1992：《哭泣游戏》The Crying Game 获奖记录：1993年第6届欧洲电影奖最杰出成就奖 1993年第65届美国奥斯卡金像奖最佳原著剧本奖 1994：《夜访吸血鬼》Interview with the Vampire 1996：《迈克尔·柯林斯》Michael Collins 获奖记录：1996年第5３届意大利威尼斯电影节金狮奖、最佳男演员奖 1997：《屠夫男孩》The Butcher Boy 获奖记录：1998年第48届德国柏林电影节最佳导演 1999：《事物的终结》（另译：《爱到尽头》）The End of the Affair 获奖记录：2000年英国影视学院最佳改编剧本奖 1999：《在梦中》In Dreams 2002：《宝刀未老》The Good Thief 2005：《Breakfast on Pluto》 米洛斯·福尔曼（Milos Forman，1932－ ） 米洛斯·福尔曼1932年2月18日生于捷克的卡斯拉夫，1951年进入布拉格影艺学院，攻读电 视电影。 1963年执导他首部电影《黑彼得》，以自传方式描述一位捷克青年的一生。彼得在超级市 场工作，他必须监视所有的顾客，看他们是否偷窃，他十分不快乐，除了工作上的不顺心 外，彼得也常和父亲发生争执。生活中唯一能令他兴奋的事便是他爱上了一名女子，彼得 企图对她展开行动。福尔曼精确地从对话和场景中呈现出生活的呆板、无奈和世俗化，影 片的结尾强而有力，令人不得不对导演的社会讽刺功力臣服。此片在戛纳、纽约及瑞士等 影展上大放异彩，也促成福尔曼进军美国。接下来的两部作品《金发女郎之恋》及《消防 队员的舞会》皆获得奥斯卡最佳外语片提名，使福尔曼更加受到国际影坛的重视。 《消防队员的舞会》讲述的是为了庆祝小镇前消防局长86岁大寿，消防员们合力举行了一 个盛大的庆祝会，热热闹闹地邀请全镇的居民来参加。然而原本该是喜气洋洋的庆祝会， 却发生了一些不可思议的事，例如准备好要颁的奖品莫名消失、选美比赛招来奇丑无比的 参赛者、甚至连当作纪念品的斧头都被偷走了……。导演以一向擅长的讽喻手法将人性的 自私卑鄙呈现得淋漓尽致，是出上乘的社会荒谬喜剧，但背后隐藏的却是福尔曼对当时共 产主义政权日渐腐化的深层批判。 1968年苏俄占领捷克，他离开祖国赴美发展，在好莱坞继续电影工作。他在美国的首部电 影是《逃家》（1971），泰恩一家住在纽约郊外，女儿詹妮因不忍家庭暴力而离家出走， 在找女儿的过程中，泰恩和丈夫拉里参入了“寻儿协会”举行的宴会，让到会者吸食大麻 ，从中领略孩子们吸食毒品后的痛苦。当拉里因醉丑态百出时，女儿出现了，原来她一直 和男友在一起。拉里得知女儿男友在音乐上有一定的造诣，就决定成全女儿的好事。影片 向人们提出一个严肃的社会问题，即青少年吸毒。 在拍摄影片时，穿插进许多插浑打科的 场面，将原本严肃的题材变成带有喜剧色彩的影片，使观众易于接受，在笑后得以深思。 1973年的《慕尼黑运动会》并非是完整的慕尼黑世运会纪录片，而是八个导演（阿瑟·佩 恩、约翰·施莱辛格等）对此世运会观象的综合。八大导演从世运会的众多项目中挑选一 项自己最感兴趣的的项目，以表达他们自己的想法。在精心挑选和剪辑之下，每一个镜头 下的每一个运动员的动作几乎成了导演有意安排下的演出。 1975年福尔曼拍摄了名片《飞越疯人院》。一个名叫麦克默菲的青年男子由于厌恶监狱里 的强制劳动，装作精神异常而被送进了精神病院。但是精神病院远非是麦克默菲想像中的 自由的避难所。护士长拉契特制定了一整套秩序，一切都要以此为准则。病人们受到了严 格的管制，还不时的受到她的侮辱和折磨。在精神病院里，病人们被剥夺了自由地追求自 己生存欲望的力量。病人的要求无法得到满足，而且拉契特还用大音量的刺耳音乐折磨病 人们，病院和地狱无二般。麦克默菲想让病人们打起精神，快乐的生活一天。他把病人们 带上了汽车，来到了一个小港口。他们偷了一条船，到远海钓鱼作乐。病人们欣喜若狂， 过了十分快乐的一天。回来后，麦克默菲受到了惩罚。但不久，他就又把自己的女友和另 一个女人弄到了医院，闹得天翻地覆。闻迅赶来的拉契特侮辱了病人比利，使他割脉自杀 ，而冷酷的拉契特却无动于衷。这使原想要逃离病院的麦克默菲再也抑制不住怒火，他扑 上去掐住了拉契特的脖子。拉契特没有死，可麦克默菲却受到了最惨无人道的待遇。病院 切除了他的脑白质，使他成了一个完完全全的白痴。“酋长”悲痛地将他搂在怀里，用枕 头闷死了这个实际上已经死亡的生命。之后，“酋长”砸开了铁窗，逃出了这个令人窒息的地方。《飞越疯人院》是美国七十年代社会政治电影的代表作。影片 歉菘稀た耐∷蹈谋啵捌兴杌娴哪撬癫≡菏敲拦√⒀挂值纳缁崴 跤啊Ｕ缬械钠缆壑赋觯骸案闷源ツ烤牡幕娼衣读俗时局饕逦拿魃缁岬谋撞々ぉぱ 怪迫诵院褪孔杂伞Ｏ执墓芾砩缁峋谷绱丝植溃访拦壑谝约蟮某寤鳌！ 1981年《爵士年代》是福尔曼较受人忽略的佳作，以纽约市的四个中产白人家庭在本世纪 之初的大时代转变中发生的故事，反映美国历史上那个多采多姿的爵士年代。剧情主线改 编自新闻事件，描述疯狂的百万富翁哈瑞索在他那风尘女郎出身的妻子伊芙琳的怂恿下杀 死著名建筑师史丹福韦特的丑闻案。 1984年的《莫扎特》讲述了伟大的音乐天才沃尔夫岗·阿巴迪斯·莫扎特的一生。影片采 用倒叙手法，由安东尼奥·萨利埃雷讲述。他是一位宫廷乐师,莫扎特的天才使他既羡慕又 震惊，心理上发生了变态，决定除掉莫扎特。音乐在全片中具有叙述和点出主题的作用， 将莫扎特的音乐和他的生平事件串连在一起，刻画了莫扎特与萨利埃雷在音乐上的冲突。 本片获得1985年第57届美国奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳男主角、最佳改编剧本等八 项奖项。 米洛斯•福尔曼作品年表： 1963：《黑彼特》Cerný Petr 1966：《金发女郎之恋》Lásky jedné; plavovlásky 1968：《消防队员的舞会》Horí, má panenko 1971：《逃家》Taking Off 获奖记录：1971年第24届法国戛纳电影节评委会大奖 1973：《慕尼黑运动会》（纪录片，八导演合拍）Visions of Eight 1975：《飞越疯人院》One Flew Over the Cuckoo\'s Nest 获奖记录：1976年第48届美国奥斯卡最佳影片、最佳导演奖、最佳男主角、最佳女主角、 最佳改编剧本 1978：《毛发》Hair 1981：《爵士年代》Ragtime 1984：《莫扎特》Amadeus 获奖记录：1985年第57届美国奥斯卡最佳影片、最佳导演奖、最佳男主角、最佳改编剧本 、最佳艺术指导、最佳服装设计、最佳化妆、最佳音响奖 1989：《瓦尔蒙》Valmont 1996：《性书大亨》（另译《公诉拉里•弗林特》）The People vs Larry Flynt 获奖记录：1997年第47届德国柏林电影节金熊奖 第54届金球奖最佳导演、最佳编剧奖 1999：《月亮上的男人》Man on the Moon 获奖记录：2000年第50届德国柏林电影节最佳导演 罗伯特·布莱松（Robert Bresson，1901－1999） 罗伯特·布莱松1901年9月25日出生于法国奥弗涅。1933年，原本是画家的布莱松迷恋上了 电影，经法国导演雷内·克莱尔的推荐转入电影界。1940年6月至1941年4月，布莱松曾有 过短暂的军旅生活，但不久就被德军俘虏，作为战俘在监狱里呆了一年多。残酷冷漠的监 禁岁月成为布莱松以后艺术创作的宝贵源泉。他在狱中结识了布吕克·贝尔谢神甫，从而 唤起潜藏在布莱松内心深处的宗教情结。1943年，出狱后的布莱松受布吕克·贝尔谢神甫 委托，拍摄出他的长片处女作《罪恶天使》。从此确立他以哲学性、天主教思想为主题的 电影风格。在这部作品中，强烈地凸现出了布莱松的造型意识——未有任何修饰、色调单 一的修女道袍，在布莱松的魔术般的镜头下形成了有棱有角的几何图形，并且似乎带有异 常丰富的光泽。 两年之后，布莱松根据狄德罗的《宿命论者雅克》中的一个插曲改编并导演了影片《布劳 涅森林的妇人》。布莱松的第二部长片，虽然还未形成自己的影像风格，但无论在画面和 场面调度上都沿袭了他第一部作品的细腻感觉。只不过画面造型更为考究，场面调度更为 流畅。片中妇女们的每一个眼神，每一个动作，每一丝痛苦，每一分快乐都在布莱松指挥 自如的场面调度中尽显无疑。 1951年，《乡村牧师日记》的问世标志着布莱松开始了一种全新的探索（布莱松开始尝试 使用非专业演员）。这部改编自贝尔纳诺斯同名小说的影片，是使布莱松名声威震的成功 之作。影片极具风格化，正如安德列·巴赞在评述这部影片时所指出的那样，与原小说相 比，影片反而“更具‘文学味’”。也许从《乡村牧师日记》起，布莱松意识到“采用取 自生活的模特儿”所带来的无穷力量。 1956年，在拍摄《一个死刑犯的越狱》时，布莱松与“演员”彻底道别，开始自觉地使用 他所称谓“模特儿”的非职业演员。影片的故事十分简单，就是描述男主角Francis如何（ 策划）逃狱。导演把全片的叙事焦点集中在囚犯的角色身上，令他们的心路历程相当清晰 。为了逃狱大计万无一失，Francis多次跟多位囚犯作讨论，每一次讨论都有新的进展、新 的戏剧张力，当中尤以他跟隔邻囚室的囚犯和比自己年轻得多的少年囚犯的交谈，最能牵 动观众把戏追看下去。相反，导演是不把狱警、惩教官员的主观视点放在眼内，观众或会 奇怪囚犯的逃狱大计始终没有被揭发。此外，戏的结构是同时将男主角追求自由的生命力 和不安感，逐段戏逐段戏加强和加深，直到结尾他跟少年囚犯攀墙逃狱的一场高潮戏，便 以最精炼的影象，将矛盾的身心挣扎，强烈地爆发出来。 1959年，布莱松拍摄了他认为一生中最值得回味和自豪的影片《扒手》。这部改编自陀斯 妥耶夫斯基小说《罪与罚》的作品成为展现布莱松真正艺术风格的符码。而《巴尔塔扎尔 的奇遇》是电影史上极其异类的电影。全片的主角竟是一头驴。透过驴的眼睛，冷冷地注 视着这个世界。驴辗转在不同人的手中，被虐待，被贩卖，最终被杀，成了这个残酷世界 的牺牲品。布莱松在本片透过动物展示人性，用最朴实的方式抒发关怀自醒。 1967年的影片《穆谢特》再次从天主教作家贝尔纳诺斯的文学作品中获取灵感，《温柔女 子》和《梦想家的四个夜晚》又一次光临陀斯妥耶夫斯基的两部富于宗教意味的小说《温 柔》和《白夜》。美丽与罪恶，快乐与痛苦，奖赏与惩罚，宽容与嫉妒，这些圣经故事中 屡见不鲜的道德叙述成为布莱松以上影片中始终坚持的主题。 1983年的《金钱》成为布莱松的最后绝笔，是根据托尔斯泰中篇小说《伪息券》改编而成 。故事说的是年轻的伊凡被指控贩卖伪钞并因此丢掉了饭碗。他成了一起抢劫案中的司机 ，于是锒铛入狱。被释放后，他杀死了自己下榻的旅馆的老板，后来还杀死了收留他的那 户人家的全家。就是这么一个在现在看来还是比较酷的故事，在布莱松的冷漠摄影机下， 将缺乏仁爱的社会景象展露在观众眼前。人们将布莱松称为“电影书写者”，或“秩序的 安排者”。他把胶片比做纸，摄像机当作笔，进行另一种意义上的书写。在《金钱》这部 电影中很少有长镜头和全景镜头，每一个镜头就像一个文字符号或音符，割裂来看都是意 义不大的。剪辑就像一个“秩序的安排者”，将这些没有意义的符号进行重组。最精彩的 是伊凡杀人的那一段：1、伊凡走进旅店，看见店主夫妇。2、旅店灯箱，外景。3、伊凡下 楼,走进洗手间。4、伊凡打开水龙头洗手，血水流入面盆。就这样，一场谋杀就无声无息 的结束了。 布莱松的作品虽然不多，但每部都是佳作。“布莱松之于法国电影犹如莫扎特之于奥地利 音乐，陀思妥耶夫斯基之于俄国文学。”法国导演戈达尔这样说过。他曾根据自己数十年 的拍片笔记整理出版过一本《电影书写札记》。布莱松于1999年12月18日在巴黎去世，享 年98岁。 罗伯特•布莱松作品年表： 1934：《公事》 1943：《罪恶天使》 1945：《布劳涅森林的妇女》Les Dames du Bois de Boulogne 1951：《乡村牧师的日记》Journal d\'un curé 获奖记录：1951年第16届意大利威尼斯电影节国际影评奖 1956：《一个死刑犯的越狱》 获奖记录：1957年第10届法国戛纳电影节最佳导演奖 1959：《扒手》Pickpocket 1962：《圣女贞德》TrailofJoaAnofArc 获奖记录：1962年第15届法国戛纳电影节评委会特别奖 1966：《巴尔塔扎尔的奇遇》Au hasard Balthazar 1967：《穆谢特》Mouchette 1969：《温柔女子》Une femme douce 1972：《梦想家的四个夜晚》 1974：《湖上的朗斯洛》Lancelot du Lac 1977：《也许是魔鬼》Le Diable probablement 获奖记录：1977年第27届德国柏林电影节评委会特别奖 1983：《金钱》L\'Argent 获奖记录：1983年第36届法国戛纳电影节最佳导演奖 让·雷诺阿（Jean Renoir，1894－1979） 让•雷诺阿1894年9月15日出生在法国巴黎。他的父亲是法国著名印象派绘画大师奥 古斯特·雷诺阿。对幼年雷诺阿产生重要影响的人物，除了父母之外还有表姨妈嘉布里艾 尔·雷纳尔，她也是雷诺阿的保姆，雷诺阿童年时代的大部分时光都是在她身边度过的。 自雷诺阿两岁多的时候起，她就经常带着他去看电影、木偶戏和戏剧演出。1912年，雷诺 阿进入普罗旺斯的艾克斯大学攻读哲学和数学，然而他的志向却是去当兵。1913年，他在 没有完成学业的情况下就到军队服役去了。 第一次世界大战爆发时，雷诺阿以准尉的军衔奔赴前线作战，数月后因右腿负伤回到巴黎 养伤，开始迷上卓别林的电影。雷诺阿的伤虽然养好了，却落得终生残疾，好在腿瘸并不 影响开飞机，雷诺阿便回到军队学习飞机驾驶技术，学成之后来被派到一个侦察机中队当 侦察员，直到在一次飞机降落出了事故之后才中断飞行生涯。 1919年，雷诺阿的父亲去世。翌年，雷诺阿与父亲的模特卡特琳·海斯琳结婚，并遵从父 亲的遗愿从事陶艺制作。卡特琳与雷诺阿一样喜欢电影，甚至比雷诺阿更进一步，不仅喜 欢看电影，而且希望演电影。雷诺阿说自己当初涉足影坛的目的只是想使妻子成为电影明 星。1924年，他为妻子主演的《卡特琳》担任制片人。同年，他还执导了妻子主演的《水 姑娘》，这部带有梦幻色彩的影片起初并未得到观众认可，以至于雷诺阿夫妇打算放弃继 续拍电影。后来，此片的部分场景被他们的一个朋友编入一个精彩电影片断集锦加以放映 ，观众在看到《水姑娘》中的梦景时爆发了长时间的热烈掌声，此情此景深深地感动了他 们，使他们第一次尝到了成功的滋味，他们决定继续拍电影。 1926年，雷诺阿拍摄了根据左拉小说改编的《娜娜》，由法国与德国共同投资，仅法方的 投资就超过100万法郎。这部耗资巨大、长达120分钟的影片成为当年的巨片，公映后也引 起了巨大反响，只是没有取得巨大的经济效益。由于发行惨败，雷诺阿只好买掉父亲的大 量绘画作品以偿还债务。 尽管如此，雷诺阿对电影的挚爱使他已经无法放弃拍电影的念头，无论结果是成功还是失 败。他在默片时期还拍摄了如下影片：《查尔斯顿》（1926）、《玛尔基塔》（1927）、 《卖火柴的小女孩》（1928）、《懒兵》（1928）、《城中比武》（1929）、《穷乡僻壤 》（1929）。这些影片已经显示出雷诺阿在题材和风格方面的某些特点，如探讨物质生活 的意义、将现实主义与梦幻般的想象相结合。雷诺阿的默片大多是由妻子主演的，他也跟 妻子一起出演过别人导演影片，如阿贝尔托·卡瓦尔康蒂导演的《小莉莉》（1927）和《 小红帽》（1929）。 《幻灭》的法文原名是La Grande Illusion，汉语可以直译为“伟大的幻想”。第一次世 界大战期间，一架法国侦察机被德国空军歼击机击落，侯爵出身的参谋博瓦尔迪和工匠出 身的驾驶员马雷夏尔都成了俘虏。他们被关押在集中营里，越狱失败后被押解到由德国贵 族出身的劳芬斯坦管辖的监狱，遇到了被俘的犹太人资本家出身的军官罗森塔尔上尉。当 他们再次越狱时，监狱长劳芬斯坦不顾自己与博瓦尔迪之间昔日的交情，在博瓦尔迪掩护 难友时将他击毙。在德国农妇埃尔莎的帮助下，马雷夏尔和罗森塔尔历经种种磨难逃到了 瑞士。这是根据雷诺阿自己和战友班萨尔在第一次世界大战期间的亲身经历拍摄的。雷诺 阿在回忆这部影片的诞生经过时曾说：“促使我把这个故事拍成电影的原因之一是由于我 对大多数战争题材影片的处理方式感到气愤。请各位想一想。战争、英雄主义、军人的姿 态、法国大兵、德国鬼子、战壕，可怜的俗套何其多！”虽然雷诺阿曾经作为空军侦察员 参加过这场战争，战友班萨尔的战机七次被击落、他本人七次被俘虏、七次死里逃生的经 历颇具传奇色彩，但雷诺阿在《幻灭》中仅表现了战争中极为平常的越狱事件，因为他确 信：“题材越平常，影片作者的创作余地越大。” 《游戏规则》的故事即使简单地叙述起来也很复杂。雍容华贵的克里斯蒂娜是贵族罗伯尔 的夫人，流浪诗人奥克达尔、飞行家于利奥是罗伯尔的朋友，两人都对克里斯蒂娜一往情 深。罗伯尔在自己庄园的牧场大厅举行晚宴时，奥克达夫和于利奥频频向克里斯蒂娜以及 宴会上的其他贵夫人调情。罗贝尔的女仆莉塞特也加入了绅士淑女们相互调戏追逐的行列 ，男仆马尔索趁机向莉塞持动手动脚，莉塞特的丈夫许舒舍歇见状大怒，持枪追赶马尔索 。他在花园里看见一对男女正在朦胧的夜色中相互拥抱，以为是马尔索与自己的妻子调情 ，便举枪击毙了男子。实际上，死者却是正与克里斯蒂娜幽会的飞行员于利奥。枪声惊动 了主人和宾客，奥克达夫和马尔索颓然离去，侯爵声称忠于职守的舒马歇是以为有人偷猎 而误杀了于利奥。其实，在场的每一个人都知道这中间的复杂感情纠葛，可是大家接受了 侯爵的说法。于是，一切又恢复了平静。雷诺阿通过复杂的人物关系、追逐片式的喜剧情 节和看似荒诞的艺术手法，富有嘲讽意味地揭示了战前法国资产阶级乃至整个社会的生活 态度：生活如同“游戏”，说谎和尔虞我诈是这种游戏的不可违拗的“规则”；同时，来 自不同社会阶层的争风吃醋的男男女女的群象表明，情欲是人类的共性，而在风流场上的追逐和搏斗中不同社会阶层的人是不得相互混同的，此外影片还运用隐 魇址ǎㄈ缜股械镊槛梦韬涂芟罚┰な玖恕捌婀终秸钡谋医峋郑詈笤虬颜馊喊傥 蘖睦档哪信亩游鞔茏魑指凑５纳缁嶂刃虻氖侄巍 纳粹占领法国时期，雷诺阿侨居美国，为好莱坞拍片，从1940年到1950年，雷诺阿在好莱 坞期间共拍摄了6部影片：《大泽之水》（1941）、《吾土吾民》（1943）、《向法国致敬 》（1944）、《南方人》（1945）、《女仆日记》（1946）和《海滨浴场的女人》（1946 ）。1950年，雷诺阿取道印度和意大利回国，并在这两个国家分别拍摄了《大河》（1950 ）和《金马车》（1952）。前者表现了他对一个古老的国家的观察与思考，这部影片也是 雷诺阿的第一部彩色片，后者是根据法国作家梅里美的戏剧作品改编的，体现了雷诺阿对 壮观场面的热衷与追求。 1952年，雷诺阿回到法国，虽然受到后来成为“新浪潮”中坚人物的年轻影评家的推崇， 但此时他在法国的拍片条件已无法与1930年代相比。他回国后的18年间仅拍过5部影片：《 法兰西康康舞》（1954）、《埃琳娜和男人们》（1956）、《科尔德利的遗嘱》（1959） 、《草地上的午餐》（1959）和《被俘的下士》（1962）。这些影片虽然在色彩运用上非 常成功，也不乏完美的镜头，但都没能超越他在1930年代的法国拍摄的优秀作品。于是， 雷诺阿的艺术活动便部分地转向舞台剧和电视，同时撰写有关电影的论著，导演舞台剧， 创作小说和电影剧本，写作有关自己和父亲的回忆录。 让•雷诺阿是上世纪30年代法国诗意现实主义大师。于1970年获法国荣誉军团四级勋 章，1976年获法国艺术与文学三级勋章，1979年2月12日在美国逝世。 让•雷诺阿作品年表： 1924：《水上姑娘》 1926：《娜娜》 1927：《查尔斯顿舞》 1927：《玛尔基塔》 1928：《卖火柴的小女孩》 1929：《懒兵》 1929：《古城比武记》 1929：《穷乡僻壤》 1931：《堕胎》 1931：《母犬》La Chienne 1932：《十字街头之夜》 1932：《布杜落水遇救记》Boudu sauvé 1933：《肖塔尔公司》 1933：《包法利夫人》 1934：《托尼》 1935：《朗基先生的罪行》 1936：《生活属于我们》 1936：《在底层》 1936：《乡村郊游》 1937：《大幻灭》La Grande illusion 获奖记录：1937年第5届意大利威尼斯电影节最佳艺术集体奖 1938年纽约影评协会最佳外语片奖 1958年比利时布鲁塞尔被26个国家117位电影史学家评选为“世界电影１２佳片”第五名 1979年法国电影艺术与技术科学院评之为“法国十大佳片”的第二名 1937：《马赛曲》 1937：《衣冠禽兽》 1939：《游戏规则》 获奖情况：1962年被英国《画面与音响》评为电影诞生以来十部“最佳影片”第三名；19 72年被评为第二名；1982年被评为第二名 1979年被法国电影艺术与技术科学院评为法国五十年有声片史上“十大佳片”第四名 1941：《沼泽地》 1943：《吾士吾民》 1944：《向法国致敬》 1945：《南方人》The Southerner 1946：《女仆日记》 1947：《海滨浴场上的女人》 1951：《大河》The River 1952：《金马车》Le Carrosse d\'or 1955：《法兰西康康舞》French Cancan 1956：《艾伦娜和众男人》Elena et les hommes 1959：《草地上的午餐》 1959：《高德里埃博士的遗嘱》 1962：《被捉住的下士》 1969：《让·雷诺阿的小戏剧》（电视片） 埃里克·侯麦（Eric Rohmer，1920－ ） 埃里克·侯麦1920年4月4日出 生于法国南锡。侯麦的第一个职业是教师，但不久就转向电 影评论，1950年他成为著名的《电影手册》的创始编辑之一，与让-吕克·戈达尔、弗朗索 瓦·特吕弗、雅克·里维埃等后来著名的“新浪潮”导演一起工作，并做了7年的主编。他 大力推崇当时被认为不入流的希区柯克、罗西里尼、茂瑙等人。整个50年代，他与戈达尔 、特吕弗等人合作拍摄了一些插曲式的短片。但逐渐地，他离开了这些“新浪潮”导演乃 至整个现代电影的方向，朝着自己个人的目标暗暗接近。1959年，他导演了自己的第一部 黑白故事短片《狮子星座》，反响不大。 1964年参加影片《六位导演眼中的巴黎》的拍摄，导演了该片的第4个插曲《星形广场》。 1964年，正是法国电影新浪潮风起云涌的年代。六位电影大师有了个念头--要拍一拍发生 在身边巴黎的故事。在很多电影找不到赞助商的时候，他们想出了个便宜的办法：先用16 毫米的胶片拍，再放大到35毫米以作商业发行。这部电影就是《六位导演眼中的巴黎》电 影由六个小故事组成，充分反映了六位导演的技巧，但毕竟是短片，所以并未引起广大的 关注。1968年起，他开始出事大学的电影教育，长期担任法国第三大学教授。 1969年的《在莫德家的一夜》改编自侯麦的小说集《道德故事》。34岁的天主教徒让路易 被同学维塔尔邀请到离异美妇莫德家作客，三个都着不同有着道德思想的人整晚都在讨论 帕斯卡尔，最后维塔尔离去，而让路易被莫德以大雪之夜道路难行为由而挽留--这个著名 的莫德之夜，如今已经成为电影史上的经典段落。尚路易在莫德的坦诚的引诱面前既不屈 服又不拒绝，他所谓的道德、信仰、贞洁，突然显得虚伪、无力、可笑。这部一半时间都 在谈论宗教与感情的电影，将看起来不适合转化为影像的文学故事成功得搬上了银幕。 对于“道德故事”的概念，侯麦解释道：“这不是探讨人们做什么，而是探讨他们做事情 时脑子里想什么。与其说是行动的电影，毋宁说是思想的电影。”侯麦10年中全部道德故 事都有一个共同点：那就是两种标准的对抗——“一边是自然，另一边是人性；一边是情 欲，另一边是英雄主义的优雅。”（侯麦语） 《海滩上的宝琳》是“喜剧与谚语集”系列的第三部。这一系列的主人公大都是年青女性 ，从侯麦的创作思路上来看，似乎也可以这么说，他在一系列试图通过捕捉女性的情感来 透视人与人之间的、巨大而复杂的情感场。这正好呼应了“六个道德故事”中从男性出发 的视角。《海滩上的宝琳》中仍然充足了猜疑、犹豫、选择、放弃等诸多要素。侯麦依然 捕捉到了男人与女人、女人与女人、男人与男人之间游移不定的目光。侯麦把情窦初开的 宝琳放进他的成人世界，放进这游移不定的、相互交错纠缠着的欲望之中，多少有一点残 酷，但从另一方面来说，他也是在揭示他电影中所有那些人物成长的环境，有着更多发生 学的意味。侯麦的作品很注意形式上的均衡与对称，但绝少僵化，常有仿佛来自天外的神 来之笔（《女收藏家》、《夏天的故事》的结尾）。《海滩上的宝琳》似乎没有满足我们 这样的期待。开始是宝琳和表姐来到度假的海滨，结尾是关上门离去，甚至连衣服都没有 任何改变，但是宝琳的内心却改变了，她对人（在侯麦那里很少有大写的人）的看法、尤 其是她对男人的看法，她对爱情（不如说是感情）的看法，彻底地改变了。 侯麦通过《绿光》向世人展示了一个寻找幸福的过程，一个迷惘却坚定的过程，正如影片 引用的法国谚语里说，“时机到来，即是钟情之时”。这个夏天即将来到的时候，德芬却 刚和一个男子终结了关系，而本来愿意与她一同度假的女友也改了主意。尽管仍有许多好 心的亲友在邀请德芬，但她却始终闷闷不乐。于是，整个假期，德芬都游弋在都市、田园 、海滨、山地之间，她始终在寻找一种无法用言语形容的感情，或者说，她只是在逃避孤 独。尽管德芬遭遇了一次失败的恋爱与承诺，但她的信念没有被任何人情事物改变过。直 到影片即将结束，一群老人对绿光的讨论，更坚定了德芬的信心。那群老人回忆着凡尔纳 的作品说：“谁能看到绿光，谁就能得到幸福”。《绿光》是描写期待的最伟大的影片（ 这也侯麦最伟大的影片）。当德芬独自迎着乡间吹过的风，悲从中来、泣不成声的时候， 我们明白那种期待已经是她生命中最深的印痕，我们也不能自已得期望她获得自己想要的 幸福。1954年罗西里尼曾对于“影评人侯麦”说：“我知道要想达到目的的期待是多么重 要，于是我不描写目的地，却描写期待，然后我骤然收尾。”而在这部影片里，“导演侯 麦”真切的作到了这一点。《绿光》中的幸福完全被浓缩在影片最后的2分钟内，被释放于最后德芬那一声欢呼里。 在70岁高龄的时候，侯麦开始了他的第三序列：“四季故事”，这一序列以1990年的《春 天的故事》开始，然后是《冬天的故事》（1992）、《夏天的故事》（1996）、最后结束 在《秋天的故事》（1998）并达到了侯麦电影形式的顶峰，该片在美国被多家报刊评为当 年十大最佳影片之一。 “四季故事”继续了侯麦对人类内心地图的测绘，继续了对人与人 之间恼人游戏的多样性探索。四季的轮回构成了一个圆圈，同时也是一个更新。这一序列 中充满了具有“季节性个性”的人物，导演籍此探讨人类内心真实的情欲：“当幻想转向 爱的时候，直觉却并不总是跟随。”（侯麦语） 侯麦属于电影史上少数几位不为潮流所动、矢志不渝地坚持自己风格的大师之一。。他的 创作可以分成两大部分：“道德故事集”（1962-1972）、“喜剧和谚语集”（1980-1988 ）和“四季故事集”（1990年代）。他的影片讲究哲理，带有浓厚的知识分之色彩。2001 年侯麦被第58届意大利威尼斯电影节授予终生成就奖。 埃里克·侯麦作品年表： 1959：《狮子星座》The Sign of Leo 1962：《蒙索的女面包师》Boulangè;re de Monceau, La 1963：《苏珊的生涯》Carriè;re de Suzanne, La 1964：《六位导演眼中的巴黎——星形广场》Paris Vu Par…… 1967：《女收藏家》The Collector 1969：《在莫德家的一夜》My Night with Maud 1970：《克莱尔的膝盖》Genou de Claire, Le 1972：《午后之爱》Chloe in the Afternoon 1976：《Ｏ侯爵夫人》The Marquise of O 获奖记录：1976年第29届法国戛纳电影节评委会特别大奖 1978：《柏士浮》Perceval 1981：《飞行员的妻子》The Aviator\'s Wife 1982：《好姻缘》A Good Marriage 1983：《海滩上的宝琳》Pauline at the Beach 获奖记录：1983年第33届德国柏林电影节最佳导演奖 1984：《圆月映花都》Full Moon in Paris 1986：《绿光》The Green Ray 获奖记录：1986年第43届意大利威尼斯电影节金狮奖 1987：《双妹奇遇》For Adventures of Reinette and Mirabelle 1987：《男友女友》Boyfriends and Girlfriends 1990：《春天的故事》Conte de printemps 1992：《冬天的故事》Conte d\'hiver 1993：《大树、市长和文化馆》The Tree,The Mayor and the Mediatheque 1995：《巴黎的约会》Rendezvous in paris 1996：《夏天的故事》A Summer\'s Tale 1998：《秋天的故事》 Conte d\'automne 2001：《贵妇与公爵》 L\' Anglaise et le duc 2004：《三重间谍》Triple Agent 黑泽明（Akira Kurosawa，1910－1998） 黑泽明1910年3月23日出生于东京品川区大井町，是8个兄弟中最小的一个。初中毕业后， 黑泽明热衷于绘画，并立志当一名画家。由于受到哥哥影响，黑泽明在1934年考取助理导 演，进入东宝电影的前身“PCL电影公司”拜名导演山本嘉次郎为师，学习导演和编剧。 1943年黑泽明独立执导了处女作《姿三四郎》，一举成名，与《海港花盛开》的导演木下 惠介同被视为日本电影的新希望。1951年的《罗生门》获威尼斯电影节金狮奖，黑泽明一 跃成为“世界级导演”，享誉全球。本片故事发生在战乱、天灾、疾病连绵不断的平安朝 代。某日，在都城附近大泽中发现武士金泽武弘被杀，被控杀害的盗贼多襄丸，武弘之妻 真砂，召唤武弘灵魂的灵媒及目击证人行脚僧及发现金泽尸体的樵夫壳等人以四个不同的 时间，不同的方式各自说出供词，片中几位主要角色表现十分到位，对白精湛，耐人寻味 。影片剧情独特，处理手法创新，透过关系者不同的解释，阐述人类自私的本性，直到影 片结束，仍不知事实真相为何。这种人性真实的表现，超越风俗、习惯，成为世界上人类 共通的真理。此外，本片之摄影技巧绝妙，也在国际间得到极高的评价。 1963年的《天堂与地狱》是黑泽明的人道主义电影代表作之一。这部电影主要描述憎恨有 钱人的年轻绑匪、提供赎金的正直商人以及投注全力追捕犯人的刑警，剧中充满推理情趣 ，由最后一个场景，可以看出本部电影的重心在于权藤与竹内之间的抗衡。靠自己努力而 飞黄腾达的权藤，以及对现实极度不满的竹内，两者之间的对立，可说是现代社会中共通 的一大课题。在这部片子中没有加入任何说教的意味，反而透过高度的影像技巧，将电影 的娱乐性与社会性巧妙地结合。将富有正义感的人道行为以男性的感觉透过影像完美地表 达出来。这部片子可说成功地将这种魅力发挥到极致。 《电车狂》是黑泽明第一部彩色片，也是最灰色的一部作品，虽然黑泽明利用超现实主义 的布景和颜色去尽量制造出一种乐天安命的气氛，但一股沉重的悲剧感仍直透观者心扉。 小六是个低能儿，他每天都模仿电车司机，叮叮地响着号角驾电车环绕小墟一周，在这个 仿如垃圾堆的小墟中，居住着一群小人物，就像小六一样，每天都重复过着同样的生活… … 《乱》是黑泽明的巨作之一。它对莎士比亚的《李尔王》进行了一次日本化的诠释和包装 ，既保留了莎翁原作宏伟，苍凉的悲剧风貌，又揉合进日本特有的自然风光和文化背景， 创造了一种独特的艺术风格。黑泽明曾说：“我要从上天俯瞰苍生的角度来拍这部影片。 ”为了体现他的这种艺术理念，影片中未用一个特写镜头。黑泽明严谨大气的创作风格也 在片中得到充分体现。本片战争场面气势磅礴，非常具有震撼力。而片中人物衣饰也极为 精致考究，相当值得仔细观赏。黑泽明在本片中将其炉火纯青的编导技巧，发挥到最高境 界，不仅实现了黑泽明对电影的执着理想，也获得国际的肯定。黑泽明电影壮烈的魅力， 在本片中再度得到印证。《乱》的制作经费达26亿日元，创日本电影史上最高纪录。全片 共动用演职员3万人，战马15000匹。为了真实表现城堡被焚的场面，剧组从外国进口大量 高级木料，搭成三座城堡实景，并在拍摄中全部付之一炬，仅此一项的花费就达数亿日元 。 《梦》这部电影是黑泽明对梦的勾画，全片共有八个梦境，分别是：太阳雨、桃园、风雪 、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。这八个梦几乎贯穿了人类生活的所 有主题，战争与和平、社会与人生。在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩， 把人类所面对的所有主题一一呈现。本片在故事的整体构架上已经完全脱离了情节性因素 而转入对生命的深层思考之中，使用了大量的长镜头配合卓越的视觉特效表现了梦境中的 不同世界。所有的梦似乎都表现出人类迷失和不确定的主题，但本身又充满了一种绝望的 缅怀。 《德尔苏·乌扎拉》故事情节是从亚森尼耶夫率领测量队到大兴安岭，巧遇一位蒙古猎人 德尔苏·乌扎拉，他对自然相当了解与尊重，藉由他的示范与见解，让人们了解大自然的 伟大与残酷，人是可以与大自然和平相处，但当大自然被破坏时，人们将是第一个遭殃。 1970年，他根据山本周五郎的小说《没有季节的城市》改编的电影在票房上失利，黑泽明 甚至因而企图自杀，却奇迹地活了下来。本片是他漫长休养后复出的首部作品，由苏联资 助，以史诗的恢弘去描写荒郊老猎人与探险军人九年来至死不渝的交情，尤其猎人被文明 进步所吞噬的束手无策。猎人年老体衰，教人感慨生命循环的瞬息流逝，可谓黑泽明人文 精神的另一高峰。 黑泽明从1948年的《泥醉天使》开始启用三船敏郎担任男主角，从此，黑泽明和三船敏郎 开启了“黑泽明黄金时代”，成为日本最强的电影拍档。至《红胡子》为止的17年间，由 黑泽明导演、三船敏郎担纲的作品包括《罗生门》、《白痴》、《七武士》、《生之欲》 、《蜘蛛巢城》、《用心棒》和《天堂与地狱》等片。三船敏郎也先后以《用心棒》、《 红胡子》获得威尼斯电影节最佳男主角奖，两人也因而在日本影坛建立了“国际的黑泽， 世界的三船”的称号。1960年后半年到1970年初期，是黑泽明创作的低潮期，他和三船敏 郎的关系突然决裂，从此，两人不再跟对方说话，也没有再合作，对于其中原因两人都是 三缄其口。 黑泽明的影片具有十分强烈的影像感和深刻的道德观念与哲理。他有着其它日本人少有的 天资，即严密的逻辑思维和深邃的思想，使他成为日本最理念化的导演。他的创作方法十 分特别，他喜欢由某一哲理观念出发进行构思创作。他拍的许多影片都是自成一体的，甚 至有时以一个字作为主题。他首先对生活、社会、人生有某一特定的观念，然后去收集素 材，构想人物和情节。这些情节和人物未必是真实的，相反是为了论证作者的哲理而被加 工、夸张、强化的形象。 黑泽明于1998年9月6日逝世。 黑泽明作品年表： 1943：《姿三四郎》 1944：《最美好的》 1945：《姿三四郎续集》 1946：《敢于冒险的人们》 1946：《无愧于我们的青春》 1946：《美好的星期天》 1948：《泥醉天使》 1949：《平静的决斗》 1949：《流浪狗》 1950：《丑闻》 1951：《罗生门》 获奖记录：1951年第16届意大利威尼斯电影节金狮奖 1951：《白痴》 1952：《生之欲》（另译《活下去》） 获奖记录：1954年第4届德国柏林电影节会议特别奖 1952：《踩虎尾的人》 1954：《七武士》 获奖记录：1954年第19届意大利威尼斯电影节银狮奖 1956：《活人的记录》 1957：《蜘蛛巢城》 1957：《在低层》 1959：《战国英豪》 获奖记录：1959年第9届德国柏林电影节最佳导演奖 1960：《懒汉睡夫》 1961：《用心棒》 1962：《穿心剑》 1963：《天堂与地狱》 1965：《红胡子》 1969：《没有季节的城市》 1976：《德尔苏•乌扎拉》 获奖记录：1976年第48届美国奥斯卡最佳外语片奖 1980：《影武者》（另译《影子武士》） 获奖记录：1980年第33届法国戛纳电影节金棕榈奖 第34届英国电影学院奖最佳导演奖、最佳服装设计奖 1985：《乱》 1990：《梦》 1991：《八月狂想曲》 1993：《一代鲜师》（和本多渚四郎合导） 小津安二郎（Yasujiro Ozu ,1903－1963） 小津安二郎1903年12月12日出生于日本东京深川区龟住町七番地，父亲经营海产批发，他 还有四位兄弟姐妹。1913年，小津跟随母亲搬到名古屋附近的伊势松坂屋居住，父亲则在 外经商。从十岁直到二十岁，小津都很少与父亲见面。在母亲的宠爱下，他成了一个任性 调皮的孩子。小津从小不喜制度化生活，对学校教育尤其反叛。他不守纪律，还染上了饮 酒的癖好。因为迷恋美国电影，他常常欺骗母亲，借口与朋友登山，实际上跑到附近的城 镇去看电影。十七岁时，小津写了一封“轻佻”的信给低年级同学，被校方逐出宿舍。中 学毕业后，他谋得一个偏远山村的教师职位，在那里呆了整整一年，也喝了整整一年的酒 。据说朋友来看他，小津总是拉着他们痛饮。当他最后离开山村时，小津父亲不得不寄钱 让他还酒债，那时他才二十岁。后来又肄业于早稻田大学。 过了不久，经过亲友引荐，小津进入松竹电影公司担任摄影助理，成天扛着摄影机东奔西 走。他似乎也乐在其中，并未想到立刻成就一番事业。小津成为导演的过程也很有趣。一 天中午，他在电影厂餐厅点了一份咖哩炒饭，但久等不至。这时一位导演走进餐厅，也点 了同样一道炒饭，而侍者很快就送了过去。小津向侍者投诉，侍者的答复很直接，因为那 人是导演，当然要快过你。很少动怒的小津咽不下这口气，给了侍者一记耳光。事情闹到 电影公司老板松户四郎那里。听过小津的陈述，松户竟要求他写一个剧本，言外之意是准 备培养他成为电影导演。就这样，小津因祸得福，拍出了处女作《忏悔之刀》，这也是他 唯一的古装片。他很快便爱上了“现代剧”的题材。1929年开始在“庶民剧”方面显露了 他的才华，专门拍摄以日本中下阶层的日常生活为主题的影片。早期作品颇受外国电影的 影响，尤其是一连串的学生喜剧，以及好几部警匪电影和通俗剧。1936年开始大量拍摄有 声片，至中日战争爆发为止。他的影片在商业上并不算成功，但影评家对他却颇为赞赏。 1937年被征入伍，派往中国战场任步兵伍长。两年后，重返松竹公司，其后被调往新加坡 拍摄宣传大和魂的纪录片，但他却乘机尽情观赏了许多没收回来的美国影片。日本战败投降，小津沦为战俘，六个月后被遣回国。 《茶泡饭之味》是小津从中国战场回来后写成的剧本，开始没有被审查部门通过，小津耿 耿于怀十三年后仍坚持拍成的作品。妙子渐觉婚姻乏味，丈夫茂吉在她眼里是个大闷蛋。 她喜欢生活享受，他却偏爱粗茶淡饭。夫妻终于在侄女相亲的问题上决裂，茂吉突然远赴 乌拉圭公干，行前妙子不知所踪，飞机延误折返家中，夫妻相见恍若隔世，再度离别前两 人共享了一顿茶泡饭。影片以两种视角静观夫妻感情转淡，妙子独个儿无言的几个简单镜 头尤其出色，微妙道出她内心的变化。 《东京物语》背景为日本战后的混乱时期，当时人民正拚命努力摆脱贫穷，整个社会都面 临转换。小津欲借一家族来反映日本传统亲子关系，家庭制度在这股时代潮流中逐渐崩溃 的情状。电影由平山周吉老夫妇站在月台对话拉开序幕，这对老夫妇欲前往东京与其它子 女相聚。途中经大阪时，与在国铁服务的三男敬三相见后，直达东京长男幸一家中，两三 天后，老夫妻因无聊而移往经营美容院的长女志子家中，但志子十分吝啬，只有已故二儿 子的媳妇纪子给予了二老热情的接待。由于与老友喝酒受到女儿责难，周吉一气之下回乡 。周吉老太太不多久即因脑溢血病逝。最后与纪子语重心长的话别，使整部电影即在这满 盈感动与温馨的画面中结束。本片淡淡地联结一个家族的日常生活，巧妙地描绘出日本人 的生活姿态，其手法之优雅流畅，可说是部真正具日本风味的电影。 1934年小津拍摄《浮草物语》这部黑白片，但是他太喜欢这部电影，舍不得不多拍一个彩 色版。班主如今的名字叫驹十郎，较喜八少一点憨气，却多一份内敛。驹十郎带着一团歌 舞伎来到遗世的村子，欢天喜地去会阔别十数载的私生儿，末了却惹来一身寒苍，唯有孤 独再上路。 《秋日和》小津两年前的作品《彼岸花》是同一类型的影片。故事基本发生在室内，几乎 没有什幺外景拍摄，但对话场面的处理和精确的连接均表现出小津的出手不凡，风格清新 雅淡，平淡无华中给人以安静的人生体验。剧情主要为秋子的丈夫去世多年，女儿文子考 虑到母亲的处境，虽然和青年后藤相爱，却一直为结婚犹豫。秋子丈夫生前的好友间宫、 田口和平山三人意欲成全秋子的再婚及文子的婚姻问题，失去妻子的平山亦有意追求秋子 。秋子最终决定自己永远和亡夫在一起，而文子和后藤在经过种种阴差阳错的误会后，终 于走上红地毯。 《小早川家之秋》和《秋刀鱼之味》这最后两部作品都是以老人为题材拍摄的。中村鴈治 郎饰演的老酿酒商，放任率性和小津早年作品的小孩并无二致。他会理直气壮，又会向儿 女撒娇，即使偷偷往小老婆家里钻，仍在大发雷霆的女儿跟前坚持己见。老头骗说和孙儿 捉迷藏，其实要溜到外面会小老婆一幕，小津甚至一改拍摄人物如静物的风格，让中村在 场景内来回走动，重现默片年代的幽默感。在盛夏换了一个天空的老人，结果没到秋天便 心脏病发辞世了。丧礼上，乌鸦、焚化炉、农村夫妇河边关于轮回的对话，象征意味浓烈 1962年的《秋刀鱼之味》是小津的遗作。平山有个待嫁的女儿，但他没放心上，直到遇上 中学老师。老师晚年和女儿一起生活，彼此都不快乐。平山看在眼里，才开始害怕误了女 儿婚期。良缘终于找到了，但女儿嫁的，却不是原来的意中人。婚宴后，平山到了酒馆， 这一回，孤独的父亲醉倒了。女儿在《麦秋》的幸福在这里竟成了遗憾─人生本就如此。 画面静物的颜色如常缤纷，但这一部更显明亮，和晚年荒凉心境相比，反讽尤其强烈。小 津炉火青纯的压卷作。 小津喜欢细碎地描绘同一类生活。相同的题材，在小津看来却像是取之不竭。他喜欢把父 亲的形象叫做“周吉”，大儿子的形象叫做“幸一”，女儿则总叫“纪子”。就连事件发 生地点的地名都是重复的，如料理店均叫“若松”，小酒馆则名叫“露娜”。这样放之四 海而皆准的模式，使小津与其它导演渐行渐远。很显然，他并不回避这样的重复，甚至愿 意让大家把他们看成是同一个人，而每一部影片只是生活状态的一种呈现，和生活的一个 侧面而已。这样的形式，更显示了小津传统的东方观点——家庭就应该是稳固不变的。 小津于1963年12月12日因病去世，那天他正好六十岁生日。他的墓碑上，只有一个字—— “无”。从1927年的处女作《忏悔之刀》到1962年的绝笔之作《秋刀鱼之味》，小津共拍 摄了54部作品，其中无声片31部，有声片22部，纪录片1部。 小津安二郎作品年表： 1927：《忏悔之刀》 1928：《年轻人的梦》 1928：《太太不见了》 1928：《番瓜》 1928：《搬家的夫妇》 1928：《肉体美》 1929：《宝山》 1929：《年轻的日子》 1929：《日式欢喜冤家》 1929：《我毕业了，但……》 1929：《会社员生活》 1929：《突贯小僧》 1930：《结婚学入门》 1930：《开心地走吧》 1930：《我落第了，但……》 1930：《那夜的妻子》 1930：《爱神的怨灵》 1930：《瞬间的幸运》 1930：《大小姐》 1930：《那夜的妻子》 1931：《淑女与髯》 1931：《美人哀愁》 1931：《东京合唱》 1932：《春随妇人来》 1932：《我出生了,但……》 1932：《青春之梦今何在》 1932：《何日再逢君》 1933：《非常线之女》 1933：《心血来潮》 1933：《东京之女》 1934：《浮草物语》 1934：《我们要爱母亲》 1935：《东京之宿》 1935：《温室姑娘》 1935：《镜狮子》 1936：《大学是个好地方》 1936：《独生子》 1937：《淑女忘记了什幺》 1941：《户田家兄妹》 1942：《父亲在世时》 1947：《长屋绅士录》 1948：《风中的母鸡》 1949：《晚春》 1950：《宗方姐妹》 1951：《麦秋》 1952：《茶泡饭之味》 1953：《东京物语》 获奖记录：“日本电影百年优秀作品”第一名 1956：《早春》 1957：《东京暮色》 1958：《彼岸花》 1959：《早安》 1959：《浮草》 1960：《秋日和》 1961：《小早川家之秋》 1962：《秋刀鱼之味》 维多里奥•德·西卡（Vittorio De Sica,1902－1974） 维多里奥•德•西卡1902年7月7日生于意大利。他早年致力于演戏，1923年首 次在舞台上作职业性演出，二十年代时是一位相当受欢迎的舞台偶像与歌星。三十年代后 ，他又兼做导演。1942年导演的《孩子看着我们》一片在他的导演生涯中有着重大的意义 ，被称为意大利新写实电影的先驱作品。 1948年的《偷自行车的人》意大利新写实主义电影的经典代表作，也是维多里奥享誉最隆 的一部电影。故事背景是二次世界大战后的罗马，在百废待兴之际，男主角好不容易才找 到一份张贴海报的工作，不料第一天上班便被人偷了他工作上必须的自行车，于是跟他的 小孩子到处找车，最后无可奈何地下手偷了别人的自行车，却被逮个正着。本片是对战后 意大利劳工阶级生活的深入研究，体现出一种自然风格。他在当时所具有的意义，从历史 的观点来说是相当重要的。非职业演员的两父子演得十分生活化，好些场面令人感动得无 话可说。除了节奏稍慢之外，本片在半个世纪之后欣赏仍然受得住考验。 《米兰的奇迹》获第四届戛纳国际电影节金棕榈大奖。弃儿豆豆多亏老婆婆罗洛塔收留 了他。罗洛塔死后，豆豆只得到米兰城外贫民窟住。不料当地发现了油矿，富人打算收回 土地开采石油，而将所有穷人赶走。穷人合力抵抗无效，已经仙逝的罗洛塔赶紧派了一只 “魔鸽”前来搭救。“魔鸽”可以听任差遣，帮助穷人如愿以偿，不幸的是“捕猎天使” 却抓走了“魔鸽”，于是穷人又陷入了困境。好在最后罗洛塔寻回“魔鸽”，让它载负所 有穷人一同飞往幸福的乐土……。本片在新写实意义以外还加进了幻想、遐思和寓言。 《温培尔托•德》是意大利影史具有代表性的影片，也是意大利新现实主义代表作之 一。故事发生在50年代初，当时的意大利尚未从战后的贫困中复苏。没有子女的温培尔托 ·德从他当了几十年公务员的市政当局退休了。微薄的养老金使他的生活非常艰辛，他参 加了领养老金的老人们举行的示威游行，被军警驱散。他付不起房租，几乎被女房东赶出 大门，但女房东的小女佣对他的同情使他感到人间尚有温暖存在。然而生活是无情的，在 金钱统治的社会里，要有钱才能生活，身无分文的他最终沦落到上街乞讨的地步。对生活 绝望的他想甩掉他心爱的小狗，然后结束自己的生命。但小狗却又找到了他，像平时一样 依偎在他身上，这又使他看到了生命中仍存的一丝光亮。 《终站》讲述的是，来到罗马车站的美国妇人玛丽·霍布斯，坐上前往巴黎的火车，但她 一直坐立不安，此时乔班尼走了过来，劝她不要走，她有所心动，决定乘下一班车走。他 们二人是在意大利的一个偶然机会认识的，二人过了几天相爱的日子，但玛丽执意要走， 使乔班尼非常生气，打了她一个耳光后快速地溜走了。再度在月台上看见玛丽的乔班尼， 跨过正有火车开过来的轨道来到她的身旁，于是二人相拥走到了阴暗角落亲热，被警察抓 到。而很有人情味的警察放了他们，第二班前往巴黎的火车进入月台，玛丽上了车，乔班 尼跳上车相送。在下来时，失足跌倒，而玛莉睁大眼睛显得担心不已。列车开走了，乔班 尼失落地在月台上走着。本片的故事情节、背景完全是真实的，是纯粹写实性的电影。 《昨天，今天，明天》是一部群星喜剧戏，它可以分为三部。第一部讲述的是，一个在黑 市里专门卖外国香烟的女人从未尝过铁窗的滋味，因为当时法律规定不逮捕怀孕的妇女和 产后六个月的妇女。所以在产后，就催丈夫做爱，因此逃过了入狱的命运，不过最后因怀 孕失败还是走进了监狱。第二部讲述一位富婆迷恋比她年轻的作家，二人一次开着高级轿 车兜风，因二人亲热而导致撞车，富婆顿觉索然无味，遂拦车扬长而去。第三部讲述一位 高级妓女与一位神学院的学生相恋，妓女摆脱了恩客的纠缠，但经不住神学院学生的老父 母恳求而不得不与学生分手。学生走后，其恩客仍被打入冷宫。本片分别以三个都市的风 格为代表，充分地刻画出意大利人的气质，男女主角都有精湛的演出。 《意大利式的结婚》由意大利头号女影星索菲亚·罗兰主演。费鲁米娜在一次空袭时认识 了救她的有妇之夫多米尼科，但费鲁米娜为了爱情而与他同居，并希望有朝一日能和多米 尼科结婚。为了他，她拒绝了很多人的求婚，还为他生了一个小孩。谁知二十五年过后， 多米尼科的老婆死去，他却不愿和费鲁米娜结婚。直到知道真相后，多米尼科才感觉到费 鲁米娜对他是多么重要。最后，他们在三个孩子的簇拥下高高兴兴地举行了婚礼。本片是 一部寓意深刻的喜剧片，波澜起伏的喜剧冲突、幽默的对话和演员的精彩表演也为本片增 添了异彩。 1970年的《向日葵》是导演的从俗之作。在二次世界大战期间，一名意大利男子应征入伍 ，从此音讯全无，他的爱人一直等待着他的归来。战争结束后，他的爱人不远千里到苏联 去找他，当她经过千辛万苦终于找到他的时候，发现他已经和一名苏联女子同居了。本片 在内容上流于一般言情片的老套，不过在叙事手法上仍维持相当高雅的格调。此片部分外 景在莫斯科实地拍摄。 《芬奇•康蒂尼斯的花园》特意选择从社会开始反对犹太人到犹太人即将走进集体毁 灭的集中营之间的一段生活，而选择的对象也是犹太富有人家的青年，虽然没有直接描述 他们的结局，但给人的印象却是阳光灿烂与阴云密布并存，青春活力与死亡阴影同行，给 观众带来的震撼却比大部分哭哭啼啼的战争电影和集中营电影来得更强烈。 维多里奥•德•西卡是意大利新现实主义电影的主要代表人物，而且是一位极 具才干与魅力的演员。他的影片朴实、自然、注重细节，富于生活气息，充满对普通人的 同情和关怀。于1974年11月13日在巴黎逝世。 维多里奥•德•西卡作品年表： 1942：《孩子看着我们》Bambini ci guardano, I 1945：《天国之门》 1946：《檫鞋童》Sciuscià 1948：《偷自行车的人》Ladri di biciclette 1949：《艰辛的米》 1951：《米兰的奇迹》Miracolo a Milano 获奖记录：1951年第4届法国戛纳电影节金棕榈奖 1952：《温培尔托•德》Umberto D 获奖记录：1955年美国纽约影评人协会最佳外语片奖 1953：《终站》Stazione Termini 1954：《拿坡里的黄金》Oro di Napoli, L\' 1956：《屋顶》Tetto, Il 1960：《乔恰拉女人》Ciociara, La 1962：《万劫余生情海恨》Sequestrati di Altona, I 1962：《三艳嬉春》Boccaccio \'70（与费里尼、维斯康蒂各执导一段） 1964：《昨天，今天，明天》Yesterday Today And Tomorrow 获奖记录：1965年第37届美国奥斯卡金像奖最佳外语片奖 1965：《意大利式的结婚》Matrimonio all\'italiana 1966：《怪贼飞天狐》Caccia alla volpe 1967：《七段情》Woman Times Seven 1968：《趁当年》Amanti 1970：《向日葵》Girasoli 1971：《芬奇•康蒂尼斯的花园》Giardino dei Finzi-Contini, Il 获奖记录：1971年第21届德国柏林电影节金熊奖 萨蒂亚吉特·雷伊（Satyajit Ray，1921－1992） 萨蒂亚吉特•雷伊1921年5月2日 出生于印度的加尔各达，其父为孟加拉文学史上著 名的诗人作家。他曾经在一家广告公司任过画师，1947年组织了孟加拉邦电影爱好者协会 。在他看见让·雷诺阿和他的侄子摄影师克劳德·雷诺阿在加尔各达郊外拍摄《河》以后 ，便决心献身于电影事业。 1952年他当上了编剧与导演，1954年摄制《道路之歌》，取材于浦山·班纳吉的自传体长 篇小说，这部小说被孟加拉人视为与罗曼·罗兰的《约翰·克利斯朵夫》相同的作品。在 20世纪初印度孟加拉的一个小村庄里。生活的艰辛使得村里穷苦人家充满了苦闷、忧虑与 不和。哈里哈尔写了一首首诗，一个个剧本，但到处碰壁，无法出版。六年过去了，哈里 哈尔家的房子更加破败不堪，贫穷一步不舍地伴随着他们。无穷无尽的烦恼，纠缠着他们 。富人丢了东西，就赖杜尔加偷走了，尽管妻子萨尔博加娅不愿忍受这种侮辱，却也只能 拿孩子撒气。哈里哈尔希望通过一举成名来重振早已破落的“门第”，可是，他每月八个 卢比的微薄收入，以及沉重的家庭负担，致使他始终无法实现其各种美好的计划，就连维 持家里人填饱肚子也做不到。他只好去异地他乡寻找一条出路，进城去赚了一笔血汗钱， 谁料回到家时，等待他的却是巨大的灾难：暴风雨把房子冲塌了，十二岁的女儿杜尔加也 病死了，萨尔博加娅痛哭起来。见此凄惨情景，哈里哈尔只好带领着妻儿离开故乡，去另 谋生路，只有杜尔加长眠在这里。本片以一位不满十岁的少年的视线界来观赏人类与大自 然生活的共通性，是本片最突出的地方。 《音乐室》拍摄于1958年，是雷伊的第四部电影，虽然在他的作品中并不具有突出的代表 性，但是我们一样可以感受到一种朴实的力度与震撼。影片中人物一举手一投足一个眼神 ，都极具吸引力，在和缓之中透出一种几于凝滞的钝态美感和厚重气息。镜头的推拉摇移 彰显出一种井然有序的调度，运用顺畅且不事张扬，大巧若拙。这种返璞归真的纯净与特 质，将使观者忘掉情节的推动，把分散的心力收束起来和影片同步的前进，因为这时没有 心理预期的静态欣赏本身，已经成为一种享受。 在《不可征服的人》中，那个男孩子已经长大成人，同他全家来到圣城贝拿勒斯，以后又 迁居加尔各答，进了大学求学。对影片的导演来说，再现1930年前后殖民时代的印度城市 似乎还需要更多的物质手段。这部影片在威尼斯获得大奖，这一点证实一个极伟大的电影 艺术家已经诞生，他使印度电影名列前茅，但这部影片又被这个三部曲的最后一部《阿普 的世界》所超过，后一影片是当代电影的杰出作品之一。 1963年的《大都会》是一部说教味浓烈的科幻寓言，但是拍摄得细腻精彩，一气呵成。在 这个“大都会”中，阶级严明，领导者 Johhan Fredersen 住在“新巴别塔”，他的子嗣 Freder Fredersen 则跟其它领导阶级的子嗣一起在“人子之塔”；真正维持城市运作的 劳工则居住在地底深处的“工人都市”，过着苦无天日的生活。这部片子的视觉风格相当 强烈，你可以看到各种惊人壮丽的都市景观，甚至连字幕都格外用心：诉说阶级对立的文 字被排列成金字塔状，呼应着这样的阶级象征。 M 机器的工人们，彷佛也是机器一般，做 着全然机械化的劳力工作；爆炸后的 M 机器幻化成炼狱，无止尽地把人拉扯进去，这一景 可以说是预先埋下了伏笔，跟之后的场景呼应。同样在序章里，你还可以见到机器人 Fut ura 的位置上方，正是象征恶魔的倒五角星，这跟中场在修道院的七宗罪雕像、后段手持 金杯骑乘七头十角兽的舞女互相呼应，象征着这机器人的邪恶命运。事实上你可以注意到 ，在 Rotwang 屋内的每一扇房门、以及新巴别塔的顶部，也都有着这样的倒五角星，揭示 着这些机器、创作、发明、成就的邪恶本质。 1971年的《不负责任的伴侣》是雷伊的“中产阶级三部曲”之一（前两部为《森林中的日 日夜夜》、《仇敌》）。影片剧情并不曲折，却拍得精致而有味道。故事大要为任英资电 扇公司出口部主任的男主人公年轻英俊，并有良好的交际手腕。原本幸福的他却因太太的 小妹前来暂住而产生了强烈的人生悸动，他的感情竟然深深地凝聚在这个美丽的小姨子身 上，二人产生了无可名状的恋情。而此时，他的公司也发生了前所未有的危机，为了公司 和个人的前途，他不惜损害工人的利益，和人事部主任串通制造了工人罢工事件。虽然解 救了出口电器退货危机，但小姨子却从中看穿了他的为人，含怨离去。虽然因制作费用和 环境所限，部分场面处理得有点避重就轻，然而导演的叙事和写情手法均为一流，为本片 增添了不少色彩。 萨蒂亚吉特•雷伊是与黑泽明齐名的亚洲电影大师，是印度新电影运动的创始人。他 的影片多反映印度的社会问题和政治问题，寓意深刻、见解独到、手法细腻、抒情优美， 具有强烈的民族风格，深受国内外观众好评，在国内国际多次获奖。1989年雷伊获法国最 高荣誉奖励——荣誉勋章；1992年获奥斯卡终身成就奖。雷伊于1992年4月23日逝世。 萨蒂亚吉特•雷伊作品年表： 1955：《道路之歌》Pather Panchali 获奖记录：1956年第9届法国戛纳电影节人权证书奖 1957：《不可征服的人》Aparajito 获奖记录：1957年第22届意大利威尼斯电影节金狮奖 1958：《点金石》 1958：《音乐室》Jalsaghar 1959：《阿普的世界》Apur Sansar 1960：《女神》Devi 1961：《泰戈尔》（纪录片） 1962：《干城章嘉峰》 1963：《大都会》Mahanagar 获奖记录：1964年第14届德国柏林电影节最佳导演奖 1965：《孤独的妻子》Charulata 获奖记录：1965年第15届德国柏林电影节最佳导演奖 1966：《主角》 1968：《歌手古比和鼓手巴卡》 1970：《森林中的日日夜夜》Aranyer Din Ratri 1970：《仇敌》 1971：《不负责任的伴侣》Seemabaddha 1972：《远方的雷声》Ashani Sanket 获奖记录：1973年第23届德国柏林电影节金熊奖 1990：《不速之客》Agantuk 罗曼·波兰斯基（Roman Polanski，1933－ ） 罗曼·波兰斯基1933年８月18日出生在侨居巴黎的一个波兰籍犹太人家庭里。童年时代， 他就遇到先在德国紧接在法国兴起的反犹排犹浪潮迫害。他的父亲原来是一个有志于艺术 的画家，反犹浪潮使父亲彻底失去在法国生活下去的希望，迫不得已带全家人迁回波兰克 拉科夫的老家。第二次世界大战爆发后，克拉科夫被德军占领，波兰斯基的母亲、父亲和 叔叔先后被德国人抓进集中营，父亲和叔叔虽然幸免于难，母亲却惨死在纳粹建造的毒气 室里。这段惨痛的经历，对他的人生观产生了巨大影响。 1945年，波兰斯基回到了父亲身边，并进入一所技工学校学习，但是年轻的他似乎早有了 从影的主意。50年代开始，他自编自导自演了一些电影短片，其中有《自行车》(1955)、 《凶手》(1957)等。随后他进入了波兰洛兹电影学校，开始了为期五年的学习，并逐渐崭 露头角。他在学生期间自编、自导、自演的荒诞短片《两个男人与更衣室》(1958)获得了 5项国际大奖。他早期拍摄的短片《胖子和瘦子》(1961)和喜剧短片《哺乳动物》(1962)等 ，就已经显示出他黑色幽默的风格和对怪异人际关系的兴趣。 1962年的《水中刀》是波兰斯基的第一部长片，但是已经具备了他的风格特征的雏形：角 色数量极尽化简，悬疑氛围弥漫不已，幽闭的活动场景，讲述阴暗面心理的兴趣、有闲阶 层的文学感、以及高超的叙事技巧。片中绝大部分篇幅流转着漫不经心、懒散、闲适的味 道，观众随着主人公张帆、拉纤、日晒雨淋、风大风静、野餐、游戏……。这部影片有点 像他在他的祖国波兰碰到的婚姻悲喜剧：两个男人为了一个女人大动干戈，尔后，作为丈 夫，波兰斯基这个男人不得不善罢甘休，撒手而去。 波兰斯基1963年移居国外，先后在英国、美国、法国和意大利拍摄了七八部影片。《冷面 惊魂》是1964年波兰斯基执导的首部英语电影，他在影片中运用影像与光影来表达女主角 的精神纷乱状态，技惊四座，赢得1965年柏林电影节银熊奖。这是一部充满恍惚，神经质 ，苍白无助以及自我封闭的影像的电影，出人意外的会带给你类似味觉或者嗅觉上恶心犯 呕的感觉。 1968年，波兰斯基为美国好莱坞的派拉蒙电影公司拍摄的《罗丝玛丽的婴儿》是一部接近 鬼怪片样式的恐怖电影。就在这部影片开拍之前，波兰斯基与好莱坞女影星莎伦·塔特在 英国伦敦举行了婚礼。不久，他怀有8个月身孕的妻子不幸于1969年被臭名昭著的杀手查里 斯·曼森残忍杀害，波兰斯基悲痛之下又回到欧洲。1974年，波兰斯基经不起好莱坞的诱 惑重回故地，推出了一部犯罪动作片《唐人街》。波兰斯基黑暗阴冷的恐怖风格贯彻全片 ，影片成为70年代美国黑色电影的代表作品之一，也使他的事业达到了顶峰，确立了他在 好莱坞的地位。可在1978年，波兰斯基被指控强暴了一位13岁的少女，在加州被起诉。他 花了42天的时间进行辩解，法官最后犹豫了。在进一步的法律程序开始前，他逃离了美国 ，定居法国巴黎。 1980年，波兰斯基在法国编导了《苔丝》，这部影片改编自托马斯·哈代著名小说《德伯 家的苔丝》，他以一种写实手法将哈代的小说浪漫地形象化，影片弥漫着导演对宿命的无 奈之情。他后来的作品开始走下坡路，很少能达到鼎盛时期的水准。他开始出现在一些舞 台剧中，1981年，他回到了波兰，执导并主演了舞台剧《莫扎特》。 1988年，波兰斯基编导了悬念惊悚片《惊狂记》。这部由哈里森·福特和贝蒂·巴克利主 演的影片, 讲述了一位美国人在法国巴黎寻找失踪妻子的故事，此片在一定程度上得到了 评论界的认可和商业上的成功。1994年，他在法国编导了《苦月亮》，影片由他的法国妻 子伊曼纽尔·塞根纳主演，这是一部反映情感和性堕落的影片，告诫人们把握自我、不必 过分沉溺于肉欲。1995年执导的惊悚片《死亡处女》，改编自智利剧作家的政治题材故事 ，成为他最为黑暗压仰的一部电影。 沉寂4年后，1999年波兰斯基带着自己编导的惊悚片《第九道门》重返影坛。影片改编自西 班牙作家的恐怖小说，深刻揭示了人类内心深处的善恶、美丑，但影片上映后反响一般。 2002年，波兰斯基推出了力作《钢琴家》。该片根据波兰犹太钢琴家瓦拉迪斯劳·斯皮尔 曼的自传体小说《一个城市的毁灭》改编。描写二战期间，一位天才的波兰犹太钢琴家， 整日处在死亡的威胁下。但他的琴声打动了一位德国军官，在这位军官的冒死保护下，终 于迎来了自由。曾有过纳粹集中营经历的波兰斯基，在此片中融入了自己的亲身体验，将 影片拍得沉重而又细腻感人，重塑了他一流导演的地位。影片赢得了好莱坞及全球评论界 、观众的认可，先后获得了第55届戛纳电影节金棕榈大奖，法国恺撒奖、波士顿影评人协 会、美国影评人协会的最佳导演。 波兰斯基属于编、导、演的全才，自从孩提时代起，就主演过多部影片。1954年，21岁的 他就在波兰电影大师安杰伊·瓦依达的第一部影片《一代人》中担任主角。后来，他又在 《洛托纳》和《无罪的巫师》中亮过相。除了在他自己创作的一些短片和影片中出演角色 以外，他还在许多欧洲的电影中出演相当戏份的大小角色，如1974年安东尼奥·马格里提 执导的恐怖片《魔鬼之血》、1992年德兰·萨拉菲安执导的《飞越北极星》和1994年托尔 纳托雷执导的《幽国车站》等。 罗曼·波兰斯基是一个具有高超驾驭影片能力的艺术家，他的作品中大多体现了他独特的 世界观、人生观，他对黑暗人性的深刻洞察，使他的影片大多涉及暴力、死亡和孤独、恐 怖。波兰斯基1992年获第49届威尼斯电影节终生成就奖。出版过一本《波兰斯基回忆录》 。 罗曼·波兰斯基年表作品： 1962：《水中刀》Knife in the Water 获奖记录：1962年第25届意大利威尼斯电影节费比西奖 1964：《冷面惊魂》Repulsion 获奖记录：1965年第15届德国柏林电影节银熊奖 1966：《死胡同》Cul-de-sac 获奖记录：1966年第16届德国柏林电影节银熊奖 1967：《吸血鬼》The Fearless Vampire Killers 1968：《罗丝玛丽的婴儿》Rosemary\'s Baby 1971：《麦克白》Macbeth 1973：《森林复活记》Diary of Forbidden Dreams 1974：《唐人街》Chinatown 获奖记录：1975年第28届英国学院奖最佳导演 1975年第32届金球奖最佳导演 1976：《怪房客》The Tenant 1980：《苔丝》Tess 1986：《海盗夺金冠》Pirates 1988：《惊狂记》Frantic 1994：《苦月亮》Bitter Moon 1995：《死亡处女》（另译：《不道德的审判》）Death and the Maiden 1999：《第九道门》The Ninth Gate 获奖记录：第12届欧洲电影奖世界电影杰出欧洲成就奖最佳导演 2002：《钢琴师》The Pianist 获奖记录：2002年第55届法国戛纳电影节金棕榈奖 第56届英国学院奖最佳影片 法国恺撒奖最佳导演 安杰伊·瓦依达（Andrzej Wajda，1926－ ） 安杰伊•瓦依达1926年3月6日出生于波兰史瓦基。其父曾任波兰骑兵团军官，早年死 在二战的疆场上。饱受战争洗礼的青年瓦依达在十几岁的时候便同不屈的波兰人民一起加 入了抵抗纳粹份子的地下解放斗争中。曾就读于古拉克夫形型艺术学院学习绘画。1954年 毕业于乌西国立电影大学导演科。曾任助理导演。 1955年，瓦依达的处女作《一代人》诞生了。《一代人》是在斯大林逝世以后拍摄的。他 的作品打破了电影创作上的禁忌。影片描写了共产主义抵抗战士的形象，但他们不是那种 贴标语喊口号式的英雄，而是有着冒险冲动、个人理想和恐惧感的青年人。这部影片明显 地受到新现实主义的影响，为此，瓦伊达当时还受文艺理论家们的指责，他们认为新现实 主义是反社会主义的，是被中产阶级的虚无主义所玷污的。也有批评家认为《一代人》并 没有在打破斯大林主义模式的过程中走得太远，因为影片拒绝挑战正统政治观念。作为共 产主义者的主人公不仅与德国鬼子战斗，也与波兰国内右派军队斗争。 《下水道》讲述1944年华沙起义的最后时刻一部分抵抗者的悲剧故事。这些抵抗者发现他 们被德军包围了，而他们惟一的逃生之路就是下水道。影片表现了下水道的阴暗、污秽和 恐怖。这些抵抗者很快就发现他们的境况是令人绝望的。影片中每个人物都具有鲜明的个 性而且真实可信。1957年的波兰观众从这部影片中了解到历史的真相：苏联军队已经包围 了战场，德军陷入困境，可不知何故苏军突然停止进攻，导致德军反扑，使波兰军队溃败 。 《灰烬与钻石》描写一位年轻的右翼抵抗组织战士在第二次世界大战即将结束时在省城里 经历的故事。片名是一种隐喻，来自19世纪的一首诗，作者是齐普利安·诺尔维特。诗句 在影片中被反复吟诵。男主角马采克发现在他那像死灰般的生活中，女主角克里斯蒂娜是 一枚钻石，他要以她为中心才值得一活。《一代人》、《下水道》和《灰烬与钻石》构成 了他导演艺术生涯的早期“战争三部曲”。瓦依达影片中的现实主义技法以及深刻的主题 内涵为当时广大波兰电影观众所注目，并引起了西方电影界的极大关注。 1976年的《大理石人》是一部富有思想性的电影，尤为难得的是这部凝结政治思考的电影 居然诞生于波兰社会主义解体之前的1976年。影片以电视台女记者寻访一个社会主义革命 和建设时期的“英雄楷模”为主线，揭示了极权统治下人性被扼杀的历史真相，片中大合 唱、领袖画像、群众游行、代表大会、大型团体操等社会主义国家的特色标志在中国新老 观众看来都无比熟悉！女记者作为后辈人和新女性，以与社会主义哲学观点相对立的“美 国式思考”为基准，从拍摄方法到导演思路都颠覆传统务求“像美国人那样”，这样做的 结果是，挑战了历史文献的真实性，并探寻到被神话对象身上的人性！被宣传夸大的劳动 模范成为一个“大理石人”，在他身上只应有“英雄”的光环而不应有“人”的情感，因 为专制权力压制人民的基本方法就是反对人性与摧毁人性！所以“大理石人”不愿意成为 被当权者树立的道德楷模，他身上作为人的一面日渐复苏，人生遭遇凄风苦雨，仍然坚持 抗争、甘愿“沦落”…… 《铁人》是一部拍摄给人民的电影，因而其中感情深厚。作者致力于歌颂反抗者，因为脚 踏现实，对英雄的赞美便不象某些社会主义国家主旋律电影那样盲目空洞，影片声明“剧 中人物纯属虚构，但事情真实存在”就是在表达一种作者的自信。高层安排一位记者深入 现场采访一起罢工事件，交给他的主要任务是搜集整理罢工运动领导者的“反革命黑材料 ”，以便为日后政府实施打击镇压提供“有力依据”，组织之所以选中这个人也许是因为 他似无主见，但就是这么个家伙在最后关头决定提出辞职，那么，他在这场运动中发现了 什么呢？电影纪录片再次出现，和《大理石人》的犹若华丽谎言般登场不同，《铁人》中 的电影纪录片是国家强奸民意施暴于人的犯罪记录，无声的胶片在控诉，那场发生在1970 年的镇压和屠杀因为载入胶片而被历史铭记。警察凶狠打击无力反抗者头部的画面如此令 人愤慨，难怪记者在挂满人形沙袋的警察训练场里要歇斯底里：他不想看到1970年的历史 在今天重演。 波兰电影大师安杰伊•瓦依达是波兰电影学派中最早也是最重要的代表人物，他善于 创新、敢于提出尖锐的社会问题，一些作品被认为是反社会主义的反斯大林的而褒贬不一 。瓦伊达被认为是“波兰电影的骑士”和“波兰电影之王”。其作品被公认为是“浪漫主 义和自然主义的混合结晶，但又带有超现实主义和唯美主义的色彩”，西方评论界把他的 作品归入“新浪潮”的范畴，认为它们是“波兰学派”创作路线的发展。2000年，安杰伊 •瓦依达获得第72届奥斯卡终身成就奖。 安杰伊•瓦依达作品年表： 1955：《一代人》Ageneration 1955：《朝向太阳》 Ide do slonca 1957：《下水道》Kanal 获奖记录：1957年第10届法国戛纳电影节评委会特别奖 1957年莫斯科国际青年和学生电影节金奖 1958：《灰烬和钻石》Ashes and diamonds 获奖记录：1958年第24届意大利威尼斯电影节报刊联合会特别奖 1959：《洛特娜》Lotna 1960：《无辜的巫师》Niewinni czarodzieje 1961：《女人之怒》Sibirska Ledi Magbet 1962：《二十岁时的爱情》Amour à vingt ans, L\' 1968：《通往天国之门》Gates to Paradise 1969：《一切可供出售》Everything for sale 1969：《驱逐苍蝇》Polowanie na muchy 1970：《战后的大地》Landscape after battle 1971：《白桦树》（另译《战斗的年轻一代》）Brzezina 1973：《婚礼》Wesele 1974：《福地》Promised land 1976：《大理石人》Man of narble 获奖记录：1976年第29届法国戛纳电影节国际影评奖 1979：《未麻醉状态》Pogoda domu niechaj bedzie z Toba... 1979：《威克的女孩》Young girsof wilko 1980：《向导》Dyrygent 1981：《铁人》Czlowiek z zelaza 获奖情况：1981年第34届法国戛纳电影节金棕榈奖 1983：《德意志之恋》Liebe in Deutschland, Eine 1983：《丹顿》Danton 1986：《爱情记事》Kronika wypadków milosnych 1988：《附魔者》Possédés, Les 1990：《科尔扎克》Korczak 1993：《鹰冠上的戒指》Pierscionek z orlem w koronie 1994：《纳斯塔兹雅》Nastasja 1995：《神圣的七日》Wielki tydzien 1996：《没人小姐》Miss Nobody 1999：《立陶宛最后的袭击》Pan Tadeusz 2002：《复仇》Revenge 谢尔盖·米哈依洛维奇·爱森斯坦 （Sergei Mikhailovich Eisenstein,1898－1948） 谢尔盖•米哈依洛维奇·爱森斯坦1898年1月23日出生于拉脱维亚的首都里加。他的 父亲米开欧席波维克艾森斯坦，是个已同化的德裔犹太人，也是一位知名的建筑师和土木 工程师。他的母亲尤里雅伊凡诺芙娜柯尼茨卡雅，来自一个富裕的商贾家庭。 爱森斯坦的童年在都市里度过，他曾到巴黎旅行（在那里看了生平第一部电影），并学法 文、德文和英文。他从小便热爱阅读，喜画漫画，并且对剧场有极深切的兴趣。 起先爱森斯坦打算克绍箕裘，1915年，他自中学毕业后，即进入圣彼得堡的土木工程学院 就读，接下来两年，他在该校就读时，便与母亲同住。 1917年的革命打断了他的学业。二月时，爱森斯坦被征召到前线服役，等到布尔什维克在 十月停火，爱森斯坦才回到工程学院。1918年，内战已炽，爱森斯坦加入红军，在工程部 队担任技师。他的父亲则加入白军。 在军队里，爱森斯坦仍继续绘图、画漫画，并为跑遍全国的宣传火车装饰车身，还在各停 驻城市参与当地的舞台剧制作，自然而然地，他便奉命在前线组织并制作舞台剧。 1920年秋天，爱森斯坦被遣散，回到莫斯科。他开始在大众学院研习日文，进入普罗特克 特中央工人剧场工作后，他便离开大众学院。在普罗特克特剧场，他指导布景设计，并在 导演研习班授课。 1924年的《罢工》是他的第一部故事片，片中避免了说教和个人性格的塑造，并在片中运 用了“杂耍蒙太奇”的手法，引导观众跟着影片的思路。一些本无关联的场景被出其不意 地连接在一起，且彼此增色。在影片结尾部分，爱森斯坦把对工厂血腥屠杀的行为和一系 列屠宰牲畜的镜头剪辑在了一起。再现了沙皇的血腥政治！ 第二年《战舰波将金号》诞生了。这部默片经典作品是电影史上划时代的巨献，最能表现 爱森斯坦的蒙太奇艺术精义。内容描述在1905年发生于波将金号战舰上的一次哗变，该舰 原是帝俄海军的骄傲，但一连数月伙食太差，肉都长满了蛆，水兵因抱怨伙食而遭军官击 毙，由此引发叛变。军舰开到奥德萨石阶接受人民的食物补给，但步兵赶到镇压，发生了 阶梯上的大屠杀。这段高潮是影史上最著名的场面之一，镜头剪接精准，母亲眼看婴儿车 滚下石阶的一段尤为代表作。后来的《铁面无私》的火车站枪战场面就是模仿本段而来。 1925年完成的《战舰波将金号》是爱森斯坦的第二部作品，拍摄之初，原本是为了再现并 宣扬1905年苏维埃工人革命的始末及理念，但爱森斯坦却将影片浓缩为波将金战舰的反叛 及与沙皇军队的对抗上，奠基于五幕剧的古典戏剧结构之上，成就了这部蒙太奇美学的经 典之作。 影片共分五段：第一段“人与蛆”以战舰上水手工人被迫食用腐肉的不公平待遇埋下反动 的伏笔；第二段“但泽港的戏剧”船长处决反对者，引发船员的叛乱，占领船舰；第三段 “死者的控诉”趋向暂时的沉静，在哀悼战斗伤亡者的挽歌中，迎向下一段的激烈对抗； 第四段“奥德萨阶梯”是影史最经典的片段，波将金战舰上的水手和奥德萨港的百姓结合 为庶民的力量，却在阶梯上遭沙皇军队突然的镇压，四处逃窜的民众死伤遍野，其中，婴 儿车滑落阶梯的危险画面也成为后人仿效致敬的经典镜头；第五段“与舰队相会”历经暴 力和混乱之后，影片在压抑和紧张的气氛中迈向最后的决战与胜利。 《战舰波将金号》的成功不仅在于爱森斯坦蒙太奇理念的完整呈现，片中丰富的影像元素 、隐喻、母题串联、纯粹音乐性的形式建构、以及形式概念的辩证思考，即使百年后的今 天，本片仍具有无法超越的艺术价值，或许就像片中那只运用蒙太奇手法而站起的石狮， 影史地位永远屹立不摇。 这部《十月》是向十月革命十周年的献礼之作，从一开始就是一个政治任务。此片主要讲 述1917年俄国十月革命的故事,本身政治味道颇浓，但是在爱森斯坦的拍摄下，却成为一部 趣味怏然的刺激电影。片中却有很多优美的镜头，如冬宫的占领、沙皇酒窖的破坏、吊桥 的插曲、克伦斯基的逃走等等。此片是爱森斯坦继《战舰波将金号》后的另一代表作。由 于政治原因，此片在当年受重视程度不及前者，但是其实在拍摄及表达手法上，此片的表 现比前者更胜一筹，意念亦比前者前卫和激进，对后世的电影影响深远（例如奥利佛·斯 通的《天生杀人狂》便大受此片影响）。此片是爱森斯坦的癫峰之作，完完全全把他提倡 的蒙太奇慨念发挥得水银泻地。 爱森斯坦企图通过《新与旧》来歌颂当时尚未大规模实现的农业集体化。预测农村生活对 于生活在城市里的爱森斯坦说来，原是一件困难的事。在美学上，他所表现的“和谐的蒙 太奇”变成了一种纯粹的隐喻，这种隐喻如果不是令人难以理解（例如在乳脂分离器的段 落里插进喷泉的镜头），就是显得很幼稚可笑（例如用信管的爆炸来象征公牛的跳跃）。 但这些欠缺并没有妨碍影片《新与旧》成为无声电影艺术末期的伟大成功作品之一（因为 《战舰波将金号》所具有的那种完美性，在一般杰出的作品中是极少见的）。片中为了分 房而被隔成两间的木屋、农民徒劳无益的求雨行列、拖拉机打破了个人的地界、农民看到 乳脂分离器而感到惊奇的段落，以及讽刺富农生活的画面，所有这些都是伟大的电影片断 。 二十年代末爱森斯坦离开苏联，到法国、美国好莱坞，都无法施展才能。曾到墨西哥拍摄 纪录片《墨西哥万岁》。1930年回国后，到莫斯科大学当教授。后来拍摄了《亚历山大&# 8226;涅夫斯基》和《伊凡雷帝》 爱森斯坦是早期世界默片时代电影的四巨头之一，俄国电影之父,也是世界电影的先躯。爱 森斯坦以自己气势雄浑的作品在世界史上写下了瑰丽的篇章，而对后世影响更深远的是， 他把格里菲斯首先提出的蒙太奇手法发展并形成了理论，格里菲斯只是把蒙太奇当作叙事 手段，而爱森斯坦则通过蒙太奇创造出一种意境、传达出一种感情，注意揭示画面的内在 含义，把蒙太奇当成了电影艺术特有的美学原则。他的蒙太奇理论至今仍指导着各国电影 艺术家的创作实践，被公认为世界上第一位电影理论家。 谢尔盖•米哈依洛维奇·爱森斯坦作品年表： 1924：《罢工》Stachka 1925：《战舰波将金号》Bronenosets Potyomkin 获奖记录：1929年被美国全国电影评议会评选为“世界四大电影佳作”第三名 1952年在比利时被63位世界著名导演评选为“世界电影12佳作”中获第一名 1958年在比利时布鲁塞尔被26个国家117位电影史学家评选为“世界电影12佳作”中获第一 名 1928：《十月》October 1929：《新与旧》（原名《总路线》） 1932：《墨西哥万岁》（纪录片）¡Que viva Mexico! 1938：《亚历山大•涅夫斯基》Aleksandr Nevsky 1943：《伊凡雷帝》（第一集）Ivan Groznyj I 1945：《伊凡雷帝》（第二集） Ivan Groznyj II 戴维•沃克•格里菲斯（D.W.Griffith，1875－1948） 戴维•沃克•格里菲斯1875年1月22日出生于美国肯塔基州拉格兰格一个南北战 争中破产的南方家庭。他在1907年到爱迪生摄影场谋职时，是一位默默无闻的演员与并不 成功的作家。 当进入传记公司担任电影剧本作家后，在1908年执导第一部电影《桃丽历险记》。在后来 五年中，他为传记公司拍了五百部左右短片，建立起美国一流导演的名声，换救了传记公 司的失败命运，并探讨和拓展了电影的领域。 1915年的《一个国家的诞生》是一部默片时代的经典。描写了美国南北战争时期两个家庭 的命运，南方庄园主卡梅伦一家原本过着安逸的生活，南北开战后，卡梅伦的儿子走上前 线，与北方的昔日好友斯通曼兄弟成了敌手。战后，黑人烧杀抢掠，卡梅伦的长子组织三 Ｋ党，对黑人报复。影片充满了强烈的种族主义色彩。1915年2月8日首映后，美国许多州 禁止上映。但在电影艺术史上，是一部划时代的杰作。影片叙事条理分明，节奏张驰有致 ，人物形象生动，并创造性地运用了一系列蒙太奇，场面壮观，表演细腻。不仅为蒙太奇 学派初步奠定了基础，而且标志着电影从肤浅的娱乐成为真正的艺术。 之后的《党同伐异》是格里菲思最具创作野心的作品。由于受到《一个国家的诞生》惊人 卖座的影响，格里菲思遂再接再励拍摄一部场面更大，内容更有深度的影片。他花了一年 半的时间，动用了二百万美元的制作费，拍摄成片长220分的巨片（原版长480分）。可惜 本片在1916年9月于纽约公映时，并没有受到预期的欢迎。本片所以卖座失败，原因很多， 最主要是格里菲思在本片所采用的故事结构太复杂，导演手法已超越当时观众的接受能力 。加上主题过于严肃，其中提倡的宽容和反对暴力的论调跟当时美国的高昂参战情绪引起 冲突，因此未能受到普遍欢迎。不过，人们却不能否认这是一部电影艺术上的不朽杰作。 《党同伐异》由四段不同时代发生的故事组成：巴比伦的没落、耶稣基督的受难、法国的 圣巴托罗米宗教大屠杀，以及二十世纪初美国的劳资冲突。格里菲思描述他自己的构想： “四个大循环故事好像四条河流，最初是分散而平静地流动着，最后却汇合成一条强大汹 涌的急流”。本片一开始，是一个母亲推摇篮的镜头，插入惠特曼的诗句：“如今如同昨 日，世间的人情变化循环无穷。摇篮摇动着，为人类带来同样的激情，同样的忧乐悲欢。 ”这字幕之后，展开第一个作为全片基调的现代篇故事。随着剧情的进展，导演经常切入另外三段故事，成为四段平行发展。最后，画面仍回到母亲和摇篮，呈 现出“人类从不容异已到宽容的进化”的主题。作为故事核心的现代篇“母与法”，内容 描述四个失业的男女工人从小镇来到都市中找工作，有人误入歧途，有人渴望过正常的家 庭生活。正派的男主角被诬陷为杀人凶手，被捕后判处死刑。行刑之日，真凶良心发现， 在最危险的一刻将男主角救了出来。从这个故事中，可以看出二十世纪初期美国的一般社 会状况：农村不安定，都市阴暗而复杂、劳工生活困苦、法律问题重重等。格里菲思在本 片中进一步表演他在“平行剪接”方面的杰出才能。他利用四段故事中的类似情景作比较 剪接，使分散的情节显得统一有力，并因类似镜头的多次重复而使剧情产生出热情奔放的 情绪高潮。令人惊异的是，这样一部内容复杂的大制作竟然由始至终没有一个完整的剧本 ，而只是靠格里菲斯的临场即兴创作而成。此外，本片也没有任何布景的设计图，但他却 能够命人搭盖出宏伟得吓人的巴比伦布景。在拍摄巴比伦攻耶路撒冷的场面时，更在一天 之内同时动用一万五千名临时演员和二百五十辆战车。 1919年的《凋谢的花朵》是格里菲思导演的最后一部重要作品，在欧洲尤其受推崇。改编 自汤马斯·伯克的小说《中国人与孩子》，故事背景是伦敦近郊的雷姆豪斯码头。默片时 代著名女星露西，时常被酗酒的父亲巴罗兹拳打脚踢。她每天到码头上捡拾行人扔掉的锡 纸勉强维生。在同一条街上有一个中国青年陈汉，因为被露西可怜的神情打动，情不自禁 尾随她身后，结果两人相识成了朋友。后来，露西实在受不了父亲的虐待，从家里逃了出 来，饿倒在街上。陈汉路过，把露西背回家中，从来不知道幸福是什么的露西被陈汉的热 情感动，两人产生爱情。但巴罗兹得知女儿离家出走的消息后，暴跳如雷，到处打听露西 下落，终于把她从陈汉家里强行拖回。当陈汉从外面回来得知此事，立刻不顾一切去寻找 露西。此时，露西已被凶残的父亲用皮鞭打得断气身亡。陈汉怒不可遏，一枪击毙巴罗兹 ，然后将露西的尸体抱回家安葬。最后，他也结束了自己年轻的生命。本片就像狄更斯笔 下小说的生动呈现，很多暴行的场面用自然主义的写实风格表现，令人看得不寒而栗。格 里菲思处理全片的气氛沉郁而痛切，对剧中人投注了深刻的感情。在技巧上，本片开场不 久出现直接的倒叙镜头交待往事，在当年是相当大胆的创举。同时，在影片放映时，又在某些特别片段投射一些彩色的光线用以增强情绪效果，亦令人感到十分 缕妗 《林肯传》是格里菲思晚期拍摄的传统电影，手法平铺直叙，但相当忠于史实。本片描述 美国总统林肯踏入政坛以至当上总统以后的过程。 格里菲斯被公认为电影艺术的奠基人。他的开拓性贡献主要体现在《党同伐异》和《一个 国家的诞生》这两部代表片中。这两部影片对电影艺术的主要贡献在于从场景中再细分出 不同景别的镜头，缩小了影片的基本构成单位。以镜头为基本单位进行组合，才能产生蒙 太奇，生成新的含义。从这层意义来说，格里菲斯创造了电影艺术，使电影摆脱了戏剧的 附庸的地位，从此成为一门独立的艺术。 1907年，格里菲斯进入爱迪生公司，到1913年为止，他共拍摄了457部10分钟的短片。戴维 •沃克•格里菲斯于1948年7月23日在好莱坞逝世。 戴维•沃克•格里菲斯作品年表： 1908:《桃丽历险记》The Adventures Dollie 1911:《隆台尔的话务员》 1912:《猪巷火枪手》 1914:《落花，甜蜜的家》Home, Sweet Home 1915:《一个国家的诞生》The Birth of a Nation 1916:《党同伐异》Intolerance 1918:《世界的核心》Hearts of the World 1918：《人生最大的一件事》 1919:《凋谢的花朵》Broken Blossoms 1919：《幸福谷的故事》 1919：《痴情的苏茜》True Heart Susie 1920:《走向东方》(另译：《赖婚》、《往事如烟》)Way Down East 1920:《被崇拜的舞女》 1920：《爱情之花》 1921:《梦幻街》Dream Street 1921:《奥凡斯风暴》Orphans of the Storm 1923：《恐怖之夜》 1923：《白玫瑰》 1924：《美国》America 1925：《美妙的生活》 1925：《马戏团女郎》Sally of the Sawdust 1926：《撒旦的悲哀》 1928：《爱情的胜利》 1929:《两性的斗争》街头女郎 1929:《街头女郎》 1930:《林肯传》Abraham Lincoln 1930:《斗争》 陈凯歌（1952－ ） 陈凯歌（原名陈皑鸽）1952年8月12日出生于中国北京（原籍福建长乐）。他的父亲陈怀皑 是一位著名电影导演，母亲是一名演员。1969年他被下放到云南农村，于1978年考入北京 电影学院，毕业后担任北京电影制片厂导演。 1984年，陈凯歌的处女作《黄土地》成为第五代导演探索影片的典范。本片电影语言的运 用跟大陆电影的传统正面决裂而又能自成风格，张艺谋的摄影令人耳目一新，拍出了黄土 高原的天高地厚感觉。 他的第二部影片《大阅兵》，又一次引起了国内外影坛的关注，但被禁映了一年，陈凯歌 对这部影片重新剪辑之后才得以公映。影片描述一群出身和个性不同的士兵和指挥官，为 了天安门阅兵而在郊外接受严格的操练，过程中各人有不同的反应和省悟。本片在映射处 理上维持了《黄土地》的鲜明风格，但对主题的探讨则有点流于概念化。 1988年他根据著名作家阿城的小说《孩子王》改编成同名电影，这是一部最具陈凯歌个人 色彩的电影，也是参加戛纳电影节的第一部中国大陆电影。影片描述在文化大革命期间， 插队七年的知青老杆被抽到云贵山区的简陋小学担任语文老师。这所草棚学校的设备很缺 乏，没有教材，老杆的字典成了学生眼中的怪物。学生们几乎不识字，于是老杆从头教起 。但当地人家并不重视文化，也不重视自然，一把大火把森林烧成焦土，老杆面对这种环 境感到惶惑，最后因自作主张建立教学内容而被辞退。陈凯歌对中国文化和教育问题的深 沉批判，视野宏大、境界幽远。 1989年，他应邀在美国纽约大学电影系做访问学者。1990年回国后拍摄了作家史铁生的小 说改编的《边走边唱》，该片至今未获准公映。 《霸王别姬》是中国电影之中雅俗共赏的典范作品，也是两岸三地电影人合作拍片最成功 的代表作，曾获第46届戛纳电影节金棕榈大奖。1924年冬天，9岁的小豆子，被做妓女的母 亲生生切掉右手上那根畸形的指头后，进入关家戏班学戏。戏班里只有师兄小石头同情关 照小豆子。十年过去了，在关师傅严厉和残酷的训导下，师兄二人演技很快提高，小石头 取艺名段小楼，演生角。小豆子取艺名程蝶衣，演旦角。俩人合演的《霸王别姬》誉满京 城，师兄二人也红极一时。二人约定合演一辈子《霸王别姬》。段小楼娶妓女菊仙为妻， 依恋着师兄的蝶衣，心情沉重地来到师兄住处，把他用屈辱换来的、师兄向往已久的名贵 宝剑赠给小楼，并决定不再与小楼合演《霸王别姬》。在关师傅的召唤下，师兄二人再次 合作。抗战胜利，国民党伤兵大闹戏院，抓走蝶衣。为救蝶衣，小楼和菊仙四处奔走。但 由于误解，师兄二人再度分手。文化大革命中，段小楼成了牛鬼蛇神。在造反派的威逼下 ，师兄二人相互揭发“罪行”。菊仙承受不了打击，上吊自尽。打倒“四人帮”后，师兄 二人在分离了22年的舞台上最后一次合演《霸王别姬》，虞姬唱罢最后一句，用他送给霸 王的那把注满他感情和幻想的宝剑自刎了，蝶衣在师兄小楼的怀中结束了自己的演艺生涯，也结束了这出灿烂的悲剧。全片气势恢宏，制作精致，将两个伶人的 悲欢故事掺合了半世纪以来的中国历史发展，兼具史诗格局与细腻的男性情谊，陈凯歌固 然表现出色，张国荣、张丰毅、巩俐、葛优等亦演得精彩。 《风月》故事以江南庞府传统世家为背景，少爷因吸毒过量，改由小姐如意做一家之主。 昔日曾在庞府伺侯少爷烧烟的忠良，如今已成为上海滩上的白相人，专门以男色骗取贵妇 财物维生。忠良奉大大之命回庞府骗取如意的家业，不料对她产生了真感情而无法下手。 而如意在了解忠良的真正身份后黯然回乡另交男友，却被醋意强烈的忠良回来把她毒成瘫 痪。陈凯歌的争议性作品，整体成绩远不如前作《霸王别姬》，但制作上的精雕细琢仍有 可观之处。张国荣和巩利的演出颇具明星魅力，但就角色而言则显得过份刻意，他们之间 的感情关系也相当暧昧。全片的美术和音乐表现甚佳，杜可风的手提摄影则有一部份令人 看得头晕。 1998年陈凯歌巨资完成古装片《荆轲刺秦王》，这是一部颇具野心的作品，但是票房惨败 。2001年赴美国好莱坞拍摄《温柔地杀死你》，影响力不大。2002年又完成他最具商业价 值的《和你在一起》。 陈凯歌的魔幻史诗巨作《无极》投资高达三点四亿元人民币，是中国电影历史上最大的投 资。该剧主创个个是电影界顶尖高手，摄影是凭借《卧虎藏龙》获得奥斯卡最佳摄影奖的 鲍德熹，动作设计是曾为《黑客帝国》、《蜘蛛侠》等好莱坞大片担任动作设计的香港著 名武术指导林迪安。而剧中除了韩国张东健扮演昆仑奴、日本真田广之扮演大将军光明外 ，还有中国的刘烨扮演鬼郎、张柏芝扮演王妃、谢霆锋扮演北宫爵吴欢 、陈红演女巫。《 无极》讲述东方无极世界中的爱恨情仇。影片模糊了时代背景，只剩下历史中的人物上演 一出关于承诺和背叛、家国与爱情的史诗…… 陈凯歌是中国第五代导演的重要代表人物之一，和张艺谋是中国最具有国际知名度的电影 导演。他的影片受到影评界好评的同时，刻意追求主观性、象征性、寓意性，脱离了中国 观众的传统文化心理和长期以来的欣赏习惯，而与观众拉开了距离。 陈凯歌作品年表： 1984：《黄土地》 获奖记录：1985年第5届中国电影金鸡奖最佳摄影奖 1985年第38届瑞士洛迦诺电影节银豹奖 1985年美国夏威夷电影节东西方中心奖、摄影奖 第29届英国伦敦及爱丁堡国际电影节萨特兰杯导演奖 1986：《大阅兵》 获奖记录：蒙特利尔电影节评委会特别奖 意大利都灵青年国际电影节大奖 1988：《孩子王》 1988年获第八届中国电影金鸡奖导演特别奖、联合国教科文组织国际影视委员会特别奖、 比利时1988年电影探索评奖活动的探索影片奖、第四十一届戛纳国际电影节教育贡献奖 1991：《边走边唱》 1993：《霸王别姬》 获奖记录：1993年第46届法国戛纳电影节金棕榈奖及国际影评奖 1996：《风月》 1998：《荆轲刺秦王》 2001：《温柔地杀死你》 2002：《和你在一起》 2005：《无极》 张艺谋（1950－ ） 张艺谋（原名张诒谋）1950年11月14日出生于中国陕西西安市。张艺谋中学毕业后“文革 ”爆发，他作为知识青年岛咸阳地区干县一个贫穷的村庄插队，1971年时，他在咸阳国棉 八厂当一名工人。1978年他28岁的时候，全国开始恢复高校招生，他以超过北京电影学院 考生年龄规定的6岁，被摄影系破格录取，1982年以优异的成绩毕业，后分配至广西电影制 片厂。 在成为一名导演之前，他先后担任了张军钊《一个和八个》（1984）、陈凯歌《黄土地》 （1984）、《大阅兵》（1986）、吴天明《老井》（1986）的摄影，但他并不满足于摄影 ，他有更多的思想需要表达。于是他在1987年导演了处女作《红高粱》，是根据莫言的小 说《红高粱家族》改编，姜文、巩俐主演。以童稚观点回忆“我爷爷”和“我奶奶”的故 事。本片最大特色是拍出中国人豪迈爽快的一面，跟大陆电影一贯的哀伤沉重传统大异其 趣。该片极具色彩感和鲜明的中国特色，1988年参加第38届德国柏林电影节，并一举夺得 金熊大奖，从此张艺谋在国际影坛声名鹊起，同时也通过这部影片造就了国际级影星巩俐 。 《红高粱》之后，他受香港朋友之邀和杨凤良合导了一部平庸的商业作品《代号美洲豹》 。这也许是一部他并不想拍的电影。 《秋菊打官司》描述在中国西北的小山村，农民庆来与村长发生冲突，被村长踢伤下体 。庆来的妻子秋菊忍不下这口气，为了要个说法，带着六个月的身孕，踏上漫长的路去告 状。她从乡里告到县里，又从县里告到市里，各级裁决都判定村长赔钱，可是村长一直不 肯正式认错道歉。秋菊不服，再向市中级法院上诉。在除夕夜，秋菊难产，村长不计前嫌 ，组织村民连夜把秋菊送到医院，使秋菊顺利生产。秋菊以为她与村长之间的官司就此了 结，不料市中级法院此时判决下来，村长因伤害罪被捕入狱。张艺谋首次改变精雕细琢的 美学路线，深入农村以纪实片风格拍摄的一部乡土喜剧，获意大利第49届威尼斯国际电影 节最佳影片金狮奖、最佳女演员奖。影片根据陈源斌原著小说《万家诉讼》，以贴近真实 生活的半纪录片方式拍摄，大量采用真正的农民和警察演出，并且有很多镜头采用偷拍方 式完成，效果生动逼真。 《活着》是根据余华同名小说改编。以贴近生活的小人物反映数十年来中国老百姓“好死 不如赖活”的生活观，故事很亲切，很真实，就像发生在我们身边。一个小人物在巨变的 历史中浮沉，完全不能掌握自己的命运，不幸和坎坷总是缠绕着他。然而他从没有放弃活 下去的信念，从不怨天尤人，并且对生活和未来报着无限美好的希望。由于影片对大陆的 政治运动荒谬性作出嬉笑怒骂的批判，是罕见的黑色喜剧佳作，故在大陆遭禁映。因投资 者为香港年代公司，所以在海外均有公映。 1994年的《摇啊摇，摇到外婆桥》是张艺谋刻意迎合商业市场而拍摄的黑社会片。故事 描述乡下水生来到上海，被安排在红舞女小金宝身边侍候。小金宝是帮会头子老爷的情妇 ，但心中却爱着二爷。在一次黑帮仇杀后，老爷、小金宝和水生乘小船逃到孤岛上，在那 里发生了另一场内弛外张的人性斗争。从一个小孩子的眼光反映三十年代上海帮会斗争的 人心险恶，包装相当华丽，巩俐更在片中大展歌舞。 《有话好好说》是张艺谋执导的第一部城市喜剧片。片中演员李保田、姜文、瞿颖及后来 加盟客串的赵本山，都有出色的演出。特别是身材高挑容貌亮丽的瞿颖更是光彩夺目。在 北京城内有这么一群人，他们有的想发达，有的想当官，有的想挣好多的钱，这些人充满 了躁动，也充满了活力，也就是这些人之间在剧中闹出了不多于五分钟一个笑话，导演也 通过这些人的生活，反映了在大城市内，都在忙碌的人们虽都在忙，但又不知在忙什么， 也不知为谁忙的一种心态。 《一个都不能少》是张艺谋的又一部现实主义作品，与以往他的影片不同的是，这部影 片以其独特的角度，从一个侧面反映了中国农村教育的现状，表现了贫困地区农村教育中 存在的令世人关注的问题。影片选用的所有演员均是普通中、小学的教师、学生。他们虽 然未曾经过专业培训，但却以其真诚质朴的表演，演绎出震撼人心的故事。 2002年，张艺谋开始构筑他的武侠商业大片《英雄》，这部明星云集的影片耗资两亿多人 民币，最终获得了大范围的观众认可，票房突破中国历史记录（国内票房是2.5亿人民币， 全球总票房合人民币14.5亿多人民币） 2004年在美国公映时连续两周位居排行榜第一名。 《英雄》热映之后，他马不停蹄的又接着拍摄了《十面埋伏》。 2005年初，张艺谋又回归到他最为拿手的文艺片之中来了，拍摄由日本著名影星高仓健主 演的《千里走单骑》。影片讲述的是上世纪20年代一对日本父子和一名中国姑娘的故事， 片中的儿子从事戏曲研究，不幸患上绝症，父亲为了实现儿子的夙愿，特地带他到中国学 戏，日本小伙同一名美丽的中国姑娘相遇，两人逃脱黑帮追杀终成眷属。片中通过日本与 中国两对父子情的对比描写，充分表达出张艺谋对父子情的解读。而新任“谋女郎”蒋雯 则在片中饰演一位旅行社日语翻译，据悉这次的角色在片中戏分不算多，也不会与男主角 有感情戏，但其中还是有几场与高仓健较重的对手戏。影片看似美丽的爱情故事，实则全 篇都充满着浓郁的父子情。 张艺谋是中国最具国际知名度的“第五代导演”。他的大部分影片都在国际电影节上获奖 。早期的影片多以中国传统社会中的妇女生活为题材，叙事平实，影象风格浓烈热情。但 近年来作品风格日趋转变，不复早期作品侧重于意识形态的批判，而对人情、社会作深层 的呈现。 张艺谋作品年表： 1987：《红高粱》 获奖记录：1988年第38届德国柏林电影节金熊奖 1988年获第8届中国电影金鸡奖最佳故事片奖 第11届电影百花奖最佳故事片奖 1988：《代号美洲豹》（和杨凤良合导） 1990：《菊豆》 获奖记录：1990年第43届法国戛纳国际电影节首届路易斯·布努埃尔特别奖 西班牙第35届巴利亚多里德国际电影节金穗奖、观众评选最佳影片奖 美国芝加哥国际电影节大奖（金雨果奖） 1991：《大红灯笼高高挂》 获奖记录：1991年第48届意大利威尼斯电影节银狮奖、国际影评人协会大奖 1992：《秋菊打官司》 获奖记录：1992年第49届意大利威尼斯电影节金狮奖、最佳女演员奖 1993年第13届中国电影金鸡奖最佳故事片奖 1993年第16届《大众电影》百花奖最佳故事片奖 第1届北京电影学院奖最佳故事片奖 1993：《活着》 获奖记录：1994年第47届法国戛纳电影节评委会大奖、最佳男演员奖 第48届英国电影学院最佳外语片奖 1994：《摇啊摇，摇到外婆桥》 1996：《有话好好说》 1999：《一个都不能少》 获奖记录：1999年第56届意大利威尼斯电影节金狮奖 1999：《我的父亲母亲》 获奖记录：2000年第50届德国柏林电影节银熊奖 2001：《幸福时光》 2002：《英雄》 2004：《十面埋伏》 2005：《千里走单骑》 奥逊·威尔斯（Orson Welles，1915—1985） 奥逊·威尔斯（原名乔治·奥逊·威尔斯）1915年5月6日出生于美国威斯康星州的基诺萨 。父亲是发明家兼企业家，母亲是钢琴家，家中的满座高朋大都来自艺术界和知识界。父 慈母爱爱护下的威尔斯很小就显出音乐、语言和戏剧的天分：两岁能阅读，七岁就会拉一 手好琴，十岁就能背诵莎士比亚戏剧，在当地享有“神童”称号。可惜十多岁时父母相继 辞世，由父母的好友伯恩斯坦博士担任监护人，此时他已游遍欧亚，并到过遥远的中国。 曾在都柏林、纽约舞台上饰演过多种角色，展现出非凡的才华。 1940年的夏天，威尔斯拍摄了名震世界的《公民凯恩》，他身兼编剧、导演、主演等职， 用了三个月的时间完成。《公民凯恩》的艺术魅力是历久弥新的，1997年，美国电影协会 从本国电影史上众多影片中筛选出好莱坞百年百部经典，《公民凯恩》众望所归，名列第 一。《公民凯恩》在叙事形式的建构、影像风格的确立、以及电影语言的创新等方面，一 直是电影史学家们研讨的重点。从总体上看，《公民凯恩》透出西方人文思潮中相对主义 的气韵，在承继了格里菲斯四个故事交叉剪辑直奔同一主题的叙事手法的基础上，别出心 裁地让片中五个人物分别回忆与凯恩的交往经历，借助这种极具形式感的叙事风格来探究 每一位被访者还原凯恩真实面相的可能性。这种叙事形式更贴近后现代主义边缘，五个人 的回忆中掺杂了叙述戏仿和反驳叙述，没有哪一个词语能完全揭示一个人的生活本质。《 公民凯恩》在现代主义与后现代主义的双重视野中，又显现出更新的意义。 《公民凯恩》和《追寻逝去时光》借助情景中的某一物作为回忆媒介来建立叙事，本是电 影、文学等艺术的法门之一。正如安德烈·巴赞所指出的，威尔斯的技巧不仅是一种处理 摄影机、布景和演员的导演方法，也揭示出故事的真正，强化电影艺术的叙事性偏离戏剧 艺术的表演性。电影一如小说，其重要性在于对话和明晰的叙述，更是透过语言呈现风格 来创造意义。电影史学家们历来关注《公民凯恩》的电影语言。在片中得以系统运用的景 深镜头、长镜头段落、音响蒙太奇等技巧，逐渐成为许多导演常用的手法。 《安倍逊大族》威尔斯继《公民凯恩》后的第二部长片，同样名垂史册。该片讲述的是安 倍逊家族从辉煌到没落的过程。影片情节几乎都围绕着马车与汽车的矛盾展开，与安倍逊 家族逐渐走向没落形成鲜明反差的是，摩根家族开始在汽车发明中兴起，并悄悄地改变着 历史。影片由布斯·塔金顿的同名小说改编而成，其繁琐的结构非常令制片方头痛，他们 不能宽恕威尔斯在《公民凯恩》中因为艺术忽略了票房，结果给公司造成了巨额损失，严 令他在这部作品中必须把商业效益放在首位。看完样片的雷电华行政主管乔治·史基弗大 发雷霆，意欲删改，便调虎离山，打法威尔斯到巴西去拍一部由政府资助的记录片《真实 无误》。就在威尔斯滞留里约热内卢之际，公司派出罗伯特·怀斯作为指导，擅自将影片 剪至88分钟，更为严重的是还将悲剧性的结局（医院里的场面）篡改为讨好人的大团圆式 的，结果不免流于浅薄。威尔斯曾抱怨说这个篡改后的结尾“不啻是毁掉了影片的整个心 脏”。影片的最初版本人们已无缘得见，但这部“剪得支离破碎的杰作”仍在电影史上和 威尔斯的作品中占有一席不容忽视的地位，被普遍认为是仅次于《公民凯恩》的“准”杰 作。 1948年，威尔斯导演了莎士比亚的著名悲剧《麦克白》。《麦克白》讲的是在中世纪的苏 格兰，国王年迈，敌军进犯，贵族背叛，一时间狼烟四起，国土备受蹂躏。在一片硝烟之 中，3位命运女巫的出现，道出了改变命运的预言。麦克白和班柯两人在战斗中力挽狂澜。 国王邓肯将叛变的考顿爵士的封号和领地转封给麦克白，却将王位传给了长子马尔康。麦 克白十分震惊，当晚和夫人合谋杀了邓肯国王。因为害怕班柯泄露命运女巫的预言，他也 将班柯杀害。 1949年后，因好莱坞的大公司制度很难使他独立地发挥自己的创造力，又到欧洲执导了《 阿卡汀先生》、《审判》以及一些由莎士比亚戏剧改编的影片《奥德赛》等。 1958年的《历劫佳人》威尔斯展露个人导与演才华的作品，他饰演一名腐败、龃龊的警察 ，银幕上很少看到这样充满活力的个性显现。威尔斯利用一个小镇做象征，反映美国当时 的社会。邪恶的小镇为了阻止侦探办案，绑架其娇妻作为威协，他用非常自信的小聪明， 一件件地侦破，直到救回娇妻。 1976年的《赝品》描述一些声名狼藉的艺术伪造者和传记作者，他们制作一些自由形态的 纪录片和欺世盗名的自传来欺骗市民，其中简略提及自己的事业，和假履历表，甚至伪造 的火星人侵犯地球的记录。玩弄视听是他们做大的乐趣，从这些过程中得到满足…… 奥逊·威尔斯继《公民凯恩》之后，还拍摄了13部影片，皆无法超越这部力作。威尔斯始 料未及的是自己一部作品就成了旷世经典，定了影坛乾坤。以戈达尔、特吕弗为代表的法 国新浪潮的大师们，视威尔斯为艺术灵感的源泉。1973年，特吕弗以《日以作夜》一片向 《公民凯恩》致敬。 1970年美国电影艺术与科学院授予他荣誉奖；1975年，电影学院授予威尔斯终生成就奖； 1984年美国导演演员公会授予他最高荣誉——格里菲斯奖。奥逊·威尔斯于1985年10月1日 逝世于洛杉矶自己家中。 奥逊·威尔斯作品年表： 1942：《公民凯恩》Citizen Kane 获奖记录：1942年第14届美国奥斯卡金像奖最佳原著剧本奖 1942：《安巴逊大族》The Magnificent Ambersons 1946：《陌生人》The Stranger 1947：《上海来的女士》The Lady from Shanghai 1948：《麦克白》Macbeth 1949：《黑魔王》Black Magic 1952：《奥赛罗》The Tragedy of Othello: The Moor of Venice 获奖记录：1952年第5届法国戛纳电影节金棕榈奖 1955：《阿卡汀先生》Mr. Arkadin 1958：《历劫佳人》Touch of Evil 1962：《审判》Le Procès 1962：《没有出口》No Exit 1965：《午夜钟声》Campanadas a medianoche 获奖记录：1966年第19届法国戛纳电影节技术大奖 1976：《赝品》Vérités et mensonges 伍迪·艾伦（Woody Allen，1935－ ） 伍迪·艾伦于1935年12月1日出生于美国纽约的布鲁克林区一个犹太人家庭，他原名叫艾伦 ·斯图亚特· 康尼斯伯格。他从小就对电影有一种狂热的喜爱，但是他却从未接受过正式 的电影或者表演教育。中学时，他就有了一套熟练的写作才能，为报纸写一些讽刺小品， “伍迪·艾伦”就是他所用的笔名。中学毕业后他进入大学，却先后被两所大学开除。他 决定依靠自学走上电影之路。他一面学习一面以他过人的才华智力加入了一个电视导演班 子为电视台编写节目。 经过长期磨练，到 60年代初，他已经成为一名相当出色的电视表演艺术家。 于是他开始 向戏剧界发展，为百老汇编写剧本，1969年，由他编剧、主演的舞台剧《再弹一遍，萨姆 》，取得决定性的成功，在百老汇连演不衰，轰动一时。然而戏剧并不是伍迪的目标，更 加吸引他的是电影。1966年，伍迪领着一班人马，把日本出品的一部名为《关键的关键》 的侦探片重新剪接、配音，弄出一部日本007寻找拯救世界最美味的鸡蛋色拉配方的十分搞 笑的讽刺性影片《出了什幺事，老虎百合》。之后的第二年，伍迪再次编写并主演了一部 拿007系列影片“开涮”的搞笑影片：《皇家赌场》。 1969年他自编自导自演了他的第一部故事片《拿了钱就跑》，之后他一发不可收拾，编导 了一连串的影片。在这部伍迪导演的处女作里，延续了伍迪前两年的成功路数，仍然是以 颠覆类型片为己任。片中的强盗连字都写不明白，以至于被抢劫的银行小姐都不知道他要 干什幺，这个又倒霉又愚蠢的家伙，当然是由伍迪自己饰演，从而开创出富有个人特色的 喜剧角色类型。这次对类型片的利用，由于伍迪自己的全面控制，就不仅仅局限在讽刺性 模仿的单纯颠覆上，而是开始创造伍迪自己的电影角色和电影世界。在这些早期影片中， 伍迪展现出一种夸张搞笑的喜剧风格,所有银幕人物都是疯疯傻傻，或呆或蠢的喜剧形象。 到了1977年,伍迪自编自导自演的影片《安妮·霍尔》击败了所有对手，在强者林立的奥斯 卡争夺战中取得了辉煌的胜利，捧走了四项奥斯卡大奖，伍迪一夜之间成了享誉全球的大 明星。神经质的纽约喜剧家阿尔维·辛格在经历了两次失败的婚姻后，遇到了一心想成为 歌星的姑娘安妮·霍尔，他们之间渐渐产生了恋情，但安妮的父母却不喜欢阿尔维。在阿 尔维的鼓励下，安妮开始学习声乐，并且进步很快，但他们的关系却经历了一个波折，后 来又重归于好。安妮的歌越唱越好，引起了唱片商托尼的注意，在托尼的邀请下，安妮来 到了好莱坞灌制唱片。阿尔维意识到了安妮的离去，他来到洛杉矶，向安妮求婚，但却被 安妮拒绝了。在生活和事业上渐渐成熟的安妮开始了自己的人生旅程。 然而辉煌后的伍迪似乎是走入了低谷，拍的几部影片连受冷遇。直到80年代，伍迪再次以 《变色龙》一片震惊美国，东山再起。它延续并发扬了伪纪实风格，使用大量真实的史料 贯穿影片，从而取得了强烈的讽刺效果。 此后伍迪又拍出了《开罗的紫玫瑰》，对现实社会中人类的处境进行了嘲讽。在经济大崩 溃的时代，一名平凡的家庭主妇一有空便往电影院做白日梦，并且对银幕上的男主角情有 独钟。没想到英俊小生竟然从银幕上走到现实世界，跟这名忠心的女影迷共度一段美好时 光，并且还将她带进银幕中的花花世界，令她经历了一段贵妇般生活。这一对银幕上下的 男女迷茫地产生了一段情，但最终还是被逼分手。这是伍迪·艾伦导演作品中最为温馨动 人的一部，故事有趣，处理手法平易近人。此外，本片生动地表现出“人生如戏、戏如人 生”的主题，对电影与生活之间真真假假的互动关系作出想象力丰富的注释 《汉娜姐妹》是一部轻松的探讨家庭生活问题的幽默喜剧。是伍迪·艾伦代表作之一，剧 情围绕着米亚·法萝、芭芭拉·赫尔希和戴安·韦斯特三姊妹及这个纽约娱乐业家族成员 之间发生的故事。主题仍然是伍迪·艾伦作品中热衷讨论的人生与爱情与欲望，但这次采 用的戏剧结构有如精彩的乐章，在段落与段落之间有强烈的音乐性。一大群演技出色的男 女明星彼此穿梭搭配，编织出多段散发人生智能和令人感动的故事。其中最精彩的是米高 肯恩与芭芭拉·赫尔希之间的一段暧昧恋情，而艾伦自己演的神经质前夫和戴安·韦斯特 演的缺乏自信心的妹妹则为这部文艺色彩浓厚的影片增加了喜剧趣味。该片又获得了奥斯 卡三项大奖，这标志着艾伦所创造的这一种类型的喜剧样式已得到社会的肯定和赞美。 《无线电时代》对那些无所事事，缅怀过去的人进行了辛辣的讽刺和揭露。二次世界大战 的美国，一群小孩在海滨玩耍时，无意中发现迷失航线的德国潜水艇。男孩的风骚姊姊和 男友驾车出游，当他们在车内打得火热时，忽闻收音机广播外星人来袭，吓得惊惶逃跑。 小偷在行窃时意外接到猜谜电话。糊里糊涂地为受害者带来一笔意外之财。这些事件都在 收音机放出的老摇滚乐中渡过。伍迪艾伦这次带领着观众进入一个光鲜有趣的昔日岁月， 片中所呈现的时间正是收音机的黄金时代，第二次世界大战、摇滚乐、圣诞节一切的历史 痕迹。都足以令人倍感温馨。 艾伦在《非强力春药》中继续探索新的形式。在古希腊女神的名字之下，在片中采取古希 腊唱诗班的形式对片中的人物、情节加以评述，而情节又是以人类繁衍、血统为主题，于 是形成一部现代的古希腊神话。 《名人百态》这部挤满了名人的影片也不见得都是揭露名人丑态，激发小资产阶级由嫉妒 而反感，甚至蔑视的那一类影片，片中的名人也确实并不怎幺上台面，但也不是完全龌龊 不堪，只是，只是一个个“名人”而已。艾伦把这个灯红酒绿纸醉金迷的花花世界用黑白 片形式表现出来，自然有些用意，片头和片尾出现在好莱坞影片的天空中大大的“HELP” 无疑是将这个圈子中人物的彷徨无助直白地告诉给各位观众。 他的影片大部分自编、自导、自演。同样的，他最好的影片包含了幽默、细腻和感伤。但 是伍迪艾伦影片中的角色通常是一个自我关注，伴有神经衰弱，时常呓语连连并缺乏安全 感的现代人物。几乎所有他的影片的场景都设置在曼哈顿。那里为他的故事线索提供了那 个城市诡辩并有些许浪漫的形象。他曾扮演过无数喜剧人物形象，他的喜剧多半悲观，讲 的大都是中产阶级对于婚姻、性、事业、金钱的困惑。 伍迪•艾伦作品年表： 1969：《拿了钱就跑》Take the moner and run 1971：《香蕉》Bananas 1972：《性爱宝典》Everyting you always wanted to know about 1973：《傻瓜大闹科学城》Sleeper 1975：《爱与死》Love and death 获奖记录：1975年第25届德国柏林电影节特别奖 1977：《安妮•霍尔》Annie hall 获奖记录：1978年第50届美国奥斯卡最佳影片、最佳导演、最佳女主角、最佳原著剧本奖 1978年美国金球奖最佳女演员奖 1978：《内心世界》Interiors 1979：《曼哈顿》Manhattan 获奖记录：1979年纽约影评协会最佳导演奖 第33届英国电影与电视艺术学院最佳影片奖 1980：《星尘往事》Stardust memories 1982：《仲夏夜绮梦》A midsummer nights sex comedy 1983：《变色龙》Zelig 1983意大利威尼斯电影节最佳电影 1984：《百老汇的丹尼·罗斯》Broadway danny rose 1985：《开罗紫玫瑰》The purple rose of cario 1986：《汉娜姐妹》Hannah And Her Sisters 获奖记录：1987年第59届美国奥斯卡最佳原著剧本、最佳男配角、最佳女配角奖 1987：《无线电时代》Radio days 1987：《情怀九月天》September 1988：《另一个女人》Another woman 1989：《纽约故事之俄狄普斯的烦恼》New york stories 1989：《犯罪和不端》Grimes and mis-demeanors 1991：《爱丽丝》Alice 1991：《丈夫与妻子》Husbands and Wives 1993：《影与雾》Shadows and Fog 1993：《曼哈顿神秘谋杀》Manhattan Murder Mystery 1994：《百老汇上空子弹》Bullets Over Broadway 1995：《非强力春药》Mighty Aphrodite 1996：《大家都说我爱你》Everyone Says I Love You 1997：《解构哈里》Deconstructing Harry 1998：《名人百态》Celebrity 1999：《甜蜜与卑微》Sweet and Lowdown 2000：《业余小偷》Small Time Crooks 2001：《玉蝎子的魔咒》The Curse of the Jade Scorpion 2002：《好莱坞式结局》Hollywood Ending 2003：《奇招尽出》Anything Else 2004：《双生美林达》Melinda and Melinda 2005：《赛末点》Match Point 弗朗西斯·福特·科波拉（Francis Ford Coppola，1939－ ） 法兰西斯·福特·科波拉1939年出生于美国底特律一个意大利移民家庭，其父是位音乐指 挥家兼作曲家。科波拉童年时就混迹于剧院后台，还经常偷看父亲的演出。他从小就对电 影十分着迷，17岁时，他进入了霍夫斯特拉学院戏剧系，在参加校内戏剧演出时，他几乎 什么都能干。大学毕业后，科波拉进入加州电影学院专攻电影，其间，他应聘参加了好莱 坞导演罗杰·考尔曼的摄制组，当了一名打杂工。 从加州电影学院毕业的科波拉起先充当的是编剧的角色。但一开始,名不见经传的他的作品 往往被人忽视、贬低。直到1970年，他因《巴顿将军》一片获得奥斯卡最佳剧本奖时，他 的才能才得到了社会的承认。 此后，科波拉又满怀热情地担任了导演的职务。他的最大的特点就是善于把影片的立意与 美国观众的需要、美国社会的注意力相结合。1972年，科波拉执导了影片《教父》, 教父 是根据马里奥·普佐(Mario Puzo)的畅销小说改编。原小说问世后，被西方评论界称为现 代通俗小说杰作。教父片长三小时。小说的主要情节与人物基本上保留着，但删去了一些 赤裸裸的描写。全片是通过局外人－－迈克尔的妻子凯的视角加以表现的，科莱昂家的种 种内幕活动显得那么荒唐可怕。策划、暗杀、追逐、枪战等场面连续不断，气氛肃杀，且 用纪实手法处理，真是摄人心魄，目不忍睹。该片对了解黑手党的内幕提供了相当形象化 的材料。 他有意识地去表现了美国黑手党的活动与美国政界、司法界的关系，而且还从同情的视角 去表现了这些黑社会人物的“人性”。他们并不是一般影片中常见的那种杀气腾腾的恶霸 歹徒，而是同样重视家庭伦理的“严父”和“富有责任心”的“有志青年”。这种新的构 思使美国观众有耳目一新之感，特别是影片宣传的那种奋斗精神与美国社会一贯提倡的“ 美国精神”十分契合，在观众中引起了极大的反响。 1974年，科波拉又执导了《对话》一片。该片通过描述窃听专家哈里以窃听别人秘密为生 ，不料反倒被别人所窃听，揭示了美国社会的现实，人人都摆脱不了被监视的命运。这便 使人更加孤独、相互猜忌，加速了人际关系的紧张和人的异化。他十分巧妙地在影片中渲 染了一种令人不安的气氛，从某一侧面反映出了美国公众当时出现的对美国政治和社会的 那种惶惶不安情绪。该片获1974年戛纳国际电影节金棕榈奖。 同年，科波拉还导演了《教父》续集，该片又当之无愧地赢得了当年奥斯卡六项大奖。 《教父》和《对话》使科波拉获得了巨大的荣誉和商业成就，他更是踌躇满志，希望超过 好莱坞历史上那些威名赫赫的电影巨头。经过数年的准备后，他决定独资拍摄《现代启示 录》了。在该片中，他试图用哲学的观点来叙述以战争为代表的暴力如何使人异化的问题 。为了拍摄这部巨片，他不惜血本，共耗资三千六百万美元。可是，命运不济，此片推出 后，评论界一片死寂，他们看不懂科波拉想要说明什么，观众们对这部高成本新片也并没 有表现出科波拉曾经斯待过的热情。该年度的奥斯卡奖角逐中，该片也榜上无名，这对欠 下重债的科波拉无疑又是一个沉重的打击。 《现代启示录》该片情节框架大体取自英国作家约瑟夫·康拉德（Joseph Conrad）的小说 《黑暗之心》（Heart of Darkness），只是对时代、背景和人物作了一番调换而已。越战 期间，美军情报官员威尔德上尉奉命“毫不留情”地除掉库尔兹上校，一个叛逃美国军人 。接到命令后，威尔德率领小分队，乘小艇逆河而上，冒险深入柬埔寨。在一处偏僻的热 带丛林内，精神失常的库尔兹上校以其嗜血成性的残暴统治着当地土著居民，成为他们盲 目崇拜、迷信的图腾。随着小艇驶入柬埔寨，威尔德一行人似乎卷入一个超乎现实、彻底 疯狂的世界。《现代启示录》是科波拉1979年拍摄的经典名作。当时，受政治环境的影响 以及为了迎合主流观众的胃口，该片曾删掉长达49分钟的内容。20年后，科波拉在电视上 收看这部旧作时，深感当时的“顺从”给它带来的缺憾。也许，经过这二十年的风云变幻 ，如今的观众已趋向成熟，可以承受当初大刀阔斧剪去的那些个性独特和带明显政治意味 的情节。于是，在科波拉的策划下，这部惊世之作终于恢复其本来面目。 继《现代启示录》之后，科波拉为挽回损失，接连拍摄了《心上人》、《小教父》、《斗 鱼》、《棉花俱乐部》、《佩姬苏要出嫁》、《石花园》、《塔克：人和梦想》以及《纽 约故事（之一）》等诸多影片，但大多反映平平，近乎失败。八十年代的科波拉因此而几 乎一蹶不振。但是，经历大劫的科波拉还是挺过了难关。1990年，《教父》第三集的推出 重新为科波拉赢得了昔日的殊荣。在《教父续集》面世十六年之后，导演弗朗西斯．福特 ．科波拉逼于经济因素而拍了这部帮会电影经典的第三集，整体成绩虽不及前二作，但仍 为柯里昂家族史作出了史诗式的完结篇。阿尔．帕西诺饰演的麦可此时已步入老年，他想 将家族事业从黑道漂白，向欧洲的大企业和上流社会发展，并准备安享晚年，不料发现白 道的斗争跟黑道一样激烈，最后仍不得不用暴力手段解决纷争。本片主要角色沿续前两集 ，但加入了安迪．加西亚演饰新一代接班人，导演的女儿索菲亚．科波拉也参加演出。而 此后的《Barm Stoker\'s Dracula》(1992) 与《Mary Shelley\'s Frankenstein》(1994 )亦同样使科波拉再显辉煌。 最近，科波拉一改老路，拍摄了一部内蕴悲凉的喜剧片《杰克》。科波拉一改以往风格， 与大牌喜剧明星罗宾．威廉姆斯合作，拍摄了这部轻松而又严肃的通俗文艺片。故事描述 卡伦怀胎仅两个月便产下了一名漂亮健壮的男孩杰克，医生诊断，这种早衰患者的生长速 度是正常人的四倍。杰克以令人难以置信的速度长大起来，只有10岁时已具备了40岁人的 成熟外形，但心智还只是个孩子。当高大的杰克出现在同龄的同学当中时，引起了很大的 骚动。起初同学们排斥他，拿他取笑，后来发现杰克十分单纯并乐于助人，便开始与他交 往起来。可他差一点让一个同学的妈妈犯了错误，那位太太误以为他是校长，还爱上了他 。后来杰克的病日趋严重，不得不离开学校和刚交往的好朋友。影片给人启迪的是人生短 暂，须珍惜光阴。对该片的执导使他回想起了自己幼时因患小儿麻痹症而被隔离的孤独与 恐惧感，这也使他在导演该片时更能融入自己的深切体会。影片以喜剧形式向人们阐述了 珍惜光阴的生活理旨，受到了公众的一致好评。 法兰西斯•福特•科波拉作品年表： 1963：《痴呆13》Dementia 13 1967：《菲尼安的彩虹》Finian\'s Rainbow 1969：《雨族》The Rain People 1972：《教父》The Godfather Part 获奖记录：1973年第45届奥斯卡最佳影片、最佳男主角、最佳改编剧本奖 1974：《教父第二集》The Godfather Part Ⅱ 获奖记录：1974年第47届奥斯卡最佳导演奖 1974：《对话》The Conversation 获奖记录：1974年第32届法国戛纳电影节金棕榈奖 第28届英国电影学院最佳音响、最佳剪辑奖 1979：《现代启示录》Apocalypse Now 获奖记录：1979年第32届法国戛纳电影节金棕榈奖 第52届奥斯卡最佳摄影、最佳录音奖 第37届金球奖最佳导演、最佳男配角最佳配乐奖 第33届英国电影学院最佳导演、最佳男配角奖 1982：《心上人》One From Heart 1982：《小教父》The Outsiders 1983：《斗鱼》Rumble Fish 1984：《棉花俱乐部》The Cotton Club 1986：《佩姬苏要出嫁》Peggy Sue Got Matted 1987：《石花园》Gardens of Stone 1988：《塔克：人和梦想》The Man and His Dream 1989：《纽约故事（之一）》New Youk Stories 1990：《教父第三集》The Godfather Part Ⅲ 1992：《吸血鬼》Barm Stoker\'s Dracula 获奖记录：1993年第65届奥斯卡最佳服装设计、最佳音效剪辑、最佳化妆奖 1996：《杰克》Jack 1997：《造雨人》The rainmaker 2000：《超新星》（和其他导演合拍）Supernova 马丁·西科塞斯（Martin Scorsese，1942－ ） 马丁·西科塞斯1942年11月17日出生于美国纽约市的一个熨衣工家庭，父母都是虔诚的意 大利裔天主教徒。他的一家所处的皇后区是纽约著名的“小意大利”区，这里居住着大量 意大利移民的后裔，他们有着自己独立的宗教文化和生活理念。多年以后，这种“小意大 利”式的生活背景赋予斯科西斯以无数灵感，他的作品始终带有美籍意大利裔文化的烙印 ，其中《谁在敲我的门》、《穷街陋巷》和《愤怒的公牛》等影片就完全以这片街区为根 基创作的。 童年的西科塞斯因患有先天性哮喘病而丧失了在户外嬉戏、跑动的自由。长时间在室内独 处、以书为伴的西科塞斯，不但形成了内向、孤僻的性格，并且开始对艺术和神学产生兴 趣。每当西科塞斯病情有所好转后，父亲查理就经常带他去看电影。可能是源于父亲的影 响，也可能是由于那些电影给他带来了少有的快乐，少年时代的马丁·西科塞斯就对电影 产生了一种特殊的感情。从中学开始，斯科西斯近乎狂热地泡电影院，收集有关电影的杂 志和海报，电影已经成为他生活无法脱离的部分。由于家庭的影响，高中毕业的西科塞斯 原本打算成为一位牧师，然而神学院考试的落选却使他鬼使神差般地迈进了纽约大学电影 学院的大门。于童年观看的好莱坞及欧洲经典影片不同，大学期间的西科塞斯接触到很多 “新浪潮”电影，他被这些电影崭新的思想与技法所深深吸引，也从此下定决心要拍出属 于自己风格的电影。在纽约大学接受专业电影教育的同时，斯科西斯还亲自指导了《你这 么好的女孩在这里干什么》和《那不仅是你，穆瑞》两部短片。 1966年成绩优异并已取得硕士学位的西科塞斯在纽约大学留校任教，值得一提的是当时他 的学生中就有后来名声大噪的奥利佛·斯通。在这段时间里，西科塞斯利用课余时间拍摄 了一部影射越战纪录短片《剃须记》，并参与了一些影片的剪辑工作。1967年，积累了一 定经验的西科塞斯踌躇满志地着手拍摄自己编导的第一部剧情长片《谁在敲我的门》。第 二年在芝加哥影展上，《谁在敲我的门》这部反映美国意大利裔青年生活的低成本影片没 能引起人们丝毫的注意，更不用说发行商的青睐。这对一个野心勃勃的新导演而言实在是 相当无情的打击。 沮丧的西科塞斯动身前往荷兰，因为在那里摄制一部电影比较便宜。然而事与愿违的是， 在荷兰西科塞斯也没能找到自己的位置，他所追求的电影无法为制片人理解，在阿姆斯特 丹的那段日子里，他不得不一直以剪辑为生。1968年底，西科塞斯再次回到母校纽约大学 任教。1970年5月，美国东海岸群众反对越战的运动达到高潮，西科塞斯为其中精神感动， 带领学生走上街头，拍摄了出色的纪录片《街景》。与此同时，一位B级片的制作人同意发 行《谁在敲我的门》，只要西科塞斯在片中增加一场裸戏。影片的发行自然没能让影评人 鼓掌叫好，但是却引起了“B级片教父”罗杰·科尔曼的注意。罗杰·科尔曼的公司是美国 独立制片的先锋，专门生产低成本、风险小的B级影片，因此可以也必须接纳新手。科波拉 、德·帕玛都是踩者这块踏脚石进入好莱坞的。西科塞斯在这里拍摄了《冷血霹雳火》。 但很快，他就离开了罗杰·科尔曼，他要拍摄真正属于自己的电影。他找出在学校时和同 学合编的剧本，然后，很幸运地从摇滚圈里找到出钱的人，于是就有了《残酷大街》，这 是西科塞斯的第一部力作。《残酷大街》狂乱的影调，复杂的结构，不驯的视听语言，仍 然无法为一般的观众所接受，票房虽然不好却广受好评。1974年，西科塞斯来到好莱坞拍 了《爱丽丝不住在这里》，影片反响不错，也赚了钱，然而这却是他相当痛苦的一次经历 ，他没想到在好莱坞必须做这么大的让步。 1975年，他完成了著名影片《出租车司机》，该片荣获次年戛纳电影节金棕榈大奖，西科 塞斯从此声名大噪。趁着《出租车司机》之势，他开始拍摄了《纽约，纽约》，900万美元 的大制作，比他以前所有片子的总投资数还高出数倍。该片却票房不利，西科塞斯接着拍 摄了摇滚纪录片《最后的华尔兹》。后来，通过罗伯特·德尼罗的帮助，西科塞斯才幸运 到又可以开拍《愤怒的公牛》，该片获得了奥斯卡最佳男主角奖，但是他在商业上的失败 却比《纽约，纽约》还惨。西科塞斯的坎坷还没有算完，之后的《喜剧之王》使他的电影 生涯跌到了谷底，然后再一次的从头开始，1985年的《下班之后》和1986年的《金钱本色 》渐隆了他大师的声誉。 1988年，西科塞斯执导了《基督最后的诱惑》，由于影片对耶稣大胆的人性化表现使他受 到世界的关注。1989年他和伍迪·艾伦、科波拉联合执导了三段式电影《纽约故事》。 2004年，西科塞斯完成了最新影片《飞行家》获得了2005年第59届英国电影学院奖最佳影 片奖。 马丁·西科塞斯在好莱坞拍片三十年，却从未因商业目的而拍摄一部“大片”；在斯皮尔 伯格、卢卡斯等人依靠上亿美元和电脑特技吸引观众的同时，却始终以自己独特的视角， 以电影冷静地剖析着社会和人类的种种顽症；在好莱坞只崇尚商业票房的环境下，却一直 坚持自己的意愿，不遗余力地追求电影语言的探索，被誉称为“电影社会学家” 。 马丁·西科塞斯作品年表： 1967：《谁在敲我的门》 1972：《冷血霹雳火》 1973：《残酷大街》（另译《穷街陋巷》） 1975：《爱丽丝不住在这里》 1976：《出租车司机》 获奖记录：1976年第29届法国戛纳电影节金棕榈奖 第30届英国电影学院奖最佳音乐、最佳女配角奖 1977：《纽约，纽约》 1977：《美国男孩》 1978：《最后的华尔兹》（摇滚纪录片） 1980：《愤怒的公牛》 1982：《喜剧之王》 1985：《八小时之外》 获奖记录：1986年第39届法国戛纳电影节最佳导演奖 1986：《金钱本色》 1988：《基督最后的诱惑》 1989：《纽约故事》 1990：《好家伙》 获奖记录：1990年第47届威尼斯电影节最佳导演奖 1992：《恐怖角》 1993：《纯真年代》 1995：《赌城风云》 1999：《意大利电影课》（纪录片） 1999：《急救医生》 2002：《纽约黑帮》 2004：《飞行家》 获奖记录：2005年第59届英国电影学院奖最佳影片奖 弗朗索瓦·特吕弗（Francois Truffaut，1932－1984） 弗朗索瓦•特吕弗1932年2月6日出生在法国巴黎。他小的时候就十分喜爱文学和电影 ，在整个少年时代里，他就已经阅读了大量的文学著作。15岁的时候，特吕弗就在巴黎发 起了大众电影俱乐部。这个俱乐部主要是聚合了很多喜欢电影的青年人，一起对电影进行 研讨。在这个俱乐部里，他和伙伴们营造了一个非常好的讨论电影的氛围，纠结了一批热 爱电影的死党。 1953年，21岁的特吕弗进入了法国农业部电影处工作，这个职位主要是拍摄一些关于法国 农业的科教纪录片，显然使他无法满意，很快他就辞掉工作，在《电影手册》杂志和《艺 术》担任了编辑，这期间，写了大量的电影评论，成为了当时法国著名的电影评论家。这 期间，他撰写了理论文章《论法国电影的倾向》，成为了法国电影“新浪潮”的一个理论 宣言。他的观点很大程度上被让-吕克·戈达尔、阿仑·雷乃等所推崇。但是，这个时候， 特吕弗显然不愿意只是做一个电影评论家了，1957年，他发表了电影评论《法国电影在虚 假中死去》，之后就去了意大利，跟着意大利著名电影导演罗西里尼，开始学习电影导演 技术。 1958年的《淘气鬼》这部短片是根据一部短篇小说改编的。里面的小男孩们萌发了朦胧的 性意识，他们和一对幽会的恋人暗中捣蛋，影片结尾，男青年因意外死去。这部短片留给 我们的有伯纳黛特在风中轻快地骑着自行车，字幕在她身上闪现的画面，这样愉快的情景 让人难以忘怀。该片后来获奖更坚定了他摄制长片的信心。 1959 年，年仅27岁特吕弗拍摄了他的长篇处女作《四百下》，一举夺得戛纳电影节的最佳 导演奖。这部影片至今看来仍然是激动人心的。虽然场景和剧情有点平铺直叙，但是始终 维持着一种张力，在结尾的时候定格为一张少年的迷惘的面孔，带着犹疑和困惑凝视着镜 头,把此前积累的张力无声地爆发出来。这个电影史上被经常提到的经典场面，宣告新浪潮 运动登上电影的历史舞台。这是部探讨十三岁少男的内心世界的电影，以一种平铺的手法 引出本片的中心人物，忠实记录着每个人都曾拥有过的青春期回忆：逃学、对现行的教育 制度、老师的怀疑、对亲情的反叛与排斥，辗转于学校、家庭、警察局与感化院之间。这 部电影可以说是导演自己童年生活的自传，故事鲜少是虚构的，大部份都是他及其玩伴的 真实故事。这部电影无数次被当成法国新浪潮电影的标志。特吕弗自己说：“和别人的青 春期比起，我的青春期相当痛苦，希望藉本片描述青春期的尴尬。” 1961年的《朱尔与吉姆》特吕弗早期的重要作品。二次世界大战时期，朱尔和吉姆是非常 要好的朋友，一天二人在幻灯片里看到一尊雕像，留下深刻的印象。不久他们认识了一个 女郎卡多利，他们惊奇的发现她很像那一尊雕像。而朱尔与吉姆的性格完全不一样，前者 不善言辞，后者是一个花花公子。吉姆要朱尔去追求卡多利，朱尔不知所措，而卡多利则 主动向朱尔求婚。后来他们结了婚。从战争开始到结束，他们三人都变了很多。一次朱尔 夫妇邀请吉姆来到他们的别墅，吉姆发现他们夫妇生活并不和谐。后来朱尔发电要吉姆和 卡多利结婚，但要有个附加条件，就是他们三人要生活在一起，就这样他们三人过着这种 奇妙的生活。一天，卡多利与吉姆因车祸丧生，这时的朱尔才发觉此时的朋友与妻子终于 完完全全属于自己了。本片的内容是叙述两男一女之间的三角关系，爱情观念及心理过程 。 《华氏451》讲述的是一个关于未来的故事，在那个时代里，书籍是一种违禁品，人们一旦 被查出私藏书籍，将立刻遭到逮捕，而搜出的书籍也将被焚烧。因为统治者们认为，书籍 会使人产生不必要的各种幻想从而影响现实的生活。那个时代的消防员的工作不是负责救 火，而是专门来烧毁书籍。451号消防员本来工作努力，就要得到晋升，结果却在一个邻居 女孩的影响下，开始私藏并阅读本应烧毁的书籍，并且从此开始对自己的人活与未来产生 了怀疑。就在他决定有所行动而警醒世人的时候，他的妻子秘密告发了他…… 1967年的《黑衣新娘》是特吕弗向他最崇拜的导演希区柯克是致敬之作。原著是《后窗》 作者威廉·艾瑞许的同名小说，描写一名刚结婚的丈夫在步出教堂时就遭五名醉汉在嬉戏 中误杀，含恨的新娘化悲愤为力量，逐一追查出五名凶手，然后用不同的方法把他们杀死 。全片在紧张悬疑之外加上了法国式的凄美气氛。 《偷吻》特吕弗“安托万”系列的第三部，安托万系列是特吕弗与演员让-皮艾尔·雷奥德 合作完成的五部曲，拍摄跨度长达20年，始终以让-皮艾尔·雷奥德扮演的安东尼·多尼尔 为主人公，关注了人成长过程中遇到的各种问题。这个系列由主人公的童年——《四百下 》（1959）、青年《二十岁的爱情》（1962）、服役装病躲差的士兵生活（1968）《偷吻 》、家庭生活《床笫风云》（1970）和《飞逝的爱情》（1978）。 《野孩子》特吕弗自导自演的代表作之一，根据十八世纪法国的一宗真人真事改编。一名 小孩子在丛林中长大，被带回文明社会。弗朗科依斯．特鲁芬特饰演的医生用耐心教导这 个野孩子一点一滴地适应新的生活，又让他学习听话和说话，终于达成了两人之间的沟通 。本片用最基本的电影技巧平实交代故事，将镜头焦点完全集中在医生与野孩子之间的互 动过程，看来有点平淡，但流露出浓厚的文化色彩。 《床笫风云》是特吕弗安托万系列中的一部，在这部影片中，特吕弗用细致入微的笔触向 我们描述了安东尼——小安托万的成年版在资产阶级的大杂院里经历的小甜蜜、小烦恼。 影片的最初特吕弗就向我们展示了一个充满了温馨、诙谐氛围的大院，安东尼被亲情、友 情、邻里之情包围着，他已不是那个在海边迷惘彷徨的坏孩子，已经被改造成为一个深得 旁人喜爱的中产阶级的一分子。他和他那有着一张娃娃脸的妻子一起享受着中产阶级的种 种生活情趣，低俗的黄色笑话、庸俗的言情剧、无聊的打闹，这些中产者的小温馨连同漂 亮坚固的住宅楼、宽敞整洁明亮的居室以及友好和睦的邻里关系，特吕弗向我们描绘了一 副充满了伦常之情中产阶级的天堂画卷。 1980年的《最后一班地铁》描述在德军占领下的巴黎，戏剧照常上演，犹太籍的剧场主人 在剧院的地下室继续排戏，而一名风流的新进男演员则和剧场女主人产生了微妙的爱情。 直到大战结束，一切才开始回复正常。本片是舞台版的《日以继夜》，以戏中的方式描写 战争、人性、爱情，虽然不是导演楚浮的最佳作品，但仍具有相当高的水准。 弗朗索瓦•特吕弗是一位热衷探讨人生哲理的电影大师，擅长借助影片进行自我分析 。他所有的影片中几乎都可以找到他自己的影子。1984年10月21日特吕弗逝世。 弗朗索瓦•特吕弗作品年表： 1958：《淘气鬼》（短片）Les Mistons 1959：《四百下》The 400 Blows 获奖记录：1959年第12届法国戛纳电影节最佳导演奖 美国纽约影评协会最佳外语片奖 1960：《射杀钢琴师》Tirez sur le pianiste 1961：《朱尔与吉姆》Jules et Jim 获奖记录：1963年意大利国际电影记者联盟银绶带大奖 1962：《二十岁的爱情》 1964：《柔肤》La Peau Douce 1966：《华氏451》Fahrenheit 451 1967：《黑衣新娘》 1968：《骗婚记》Mississippi Mermaid 1968：《偷吻》Stolen Kisses 1969：《野孩子》L\'Enfant sauvage 1970：《床笫风云》Domicile conjugal 1971：《两个英国女孩与欧陆》Two English Girls 1972：《美女如我》Une belle fille comme moi 1973：《日以作夜》La ricaine 获奖记录：美国奥斯卡最佳外语片奖 1974：《阿黛尔·雨果的故事》The Story of Adele H 1976：《零用钱》L\'Argent de poche 1977：《男欢女爱》L\'Homme qui aimait les femmes 1978：《绿屋》La Chambre verte 1978：《飞逝的爱情》（另译：《爱情私奔》）L\'Amour en fuite 1980：《最后一班地铁》 获奖记录：1981年第6届法国电影凯撒奖最佳影片、最佳导演、最佳男主角、最佳女主角、 最佳摄影、最佳音乐、最佳美工、最佳音响、最佳编剧、最佳剪辑奖 1981：《隔墙花》 1983：《激烈的周日》Vivement Dimanche！ 贝特朗·塔维尼埃（Bertrand Tavernier，1941－ ） 贝特朗·塔维尼埃1941年4月25日生于法国里昂，从小就喜欢电影的他13岁时便立志成为一 名导演，并将目标放在约瑟福·洛塞、约翰·福特、萨姆·福勒等著名导演之列。法律院 校毕业后，塔维尼埃成为黑色电影大师让-皮艾尔·梅尔维尔的助手。但很快他就发现自己 并不适合这种工作，并转入职业影评行业，成为《电影手册》、《正片》等刊物的撰稿者 ，并出版了两本关于美国电影的书籍：《美国电影三十年》，《雪佛莱鲍嘉》。 从事出版代理工作期间，塔维尼埃结识了制片人乔治·比瑞达尔。在他的帮助下，1974年 ，塔维尼埃的第一部影片《圣保罗的钟表匠》得以问世并获得了柏林电影节评委会特别奖 。 《死亡的窥伺》卡特琳要死了，她也知道，她染上了一种不治之症，她拒绝所有的一切， 她想安静地走。她躲在爱尔兰，在霍迪的帮助与支持下生活着。电影也是在她不知道的情 况下，用摄像机从她脑袋“移植”过来的，在全世界的电视上散布卡特琳之死......过分 幻想的推断和那些不只还叫作电视事实的泛滥；一段阴暗爱情的历史，带点浪漫的味道； 一场社会戏剧就像塔韦尼埃知道如何精彩的描绘。罗密施奈德与哈维凯特出众的表演很精 彩。面对一个不真实和令人震撼的情况，力量也平衡了不稳定性和保证了其它的不安。 《政变》影片根据美国作家吉姆·汤普森的小说《POP·1280》改编，塔维尼埃将原著故事 发生地美国南部改为30年代的北非殖民地，讲述了一段发生在当地警察头目身上的黑色喜 剧。《巴黎警察》是关于巴黎吸毒分子的真实写照，以鲜明的现代色彩和反叛精神来刻画 吸毒青年虚无的生活态度，社会写实作品。 1994年的《诱饵》获得第45届德国柏林电影节金熊奖。影片讲的是三名年约二十的男女， 娜塔丽与艾瑞克是一对恋人，他们梦想凑足一千万法朗前往美国开服装店做老板，于是纵 恿一起居住的朋友布鲁诺一韦行劫。方法是由娜塔丽当鱼饵勾引有钱的单身男人，再设法 让两个男的入屋抢劫，不料行动时失控而杀了人，但东窗事发时他们仍毫无悔意。该片剧 情其实很简单，改写自法国一则真实而且轰动一时的社会新闻。可是主要人物被改写得天 真无邪，碰巧演员又演得实在出色，极具说服力，所以影片在法国推出时引起“为罪犯脱 罪”的批判，造成不小的风波。塔维尼埃以鲜明的现代色彩和反叛精神来刻画青年虚无的 生活态度，堪称上乘的社会写实作品， 2002年的《通行证》讲述了在纳粹统治下的两个法国电影制作人所走的不同道路。在巴黎 被占领期间，有两个男人都试图生活下去并进行抵抗。每个人都有自己的方式。导演助理 约翰.德威尔为了更好地参加由地下组织的抵抗运动，选择了一家德国电影公司即大陆公司 工作。另外，生活于三个情人之间的约翰·欧罗奇却顽固地拒绝向德国人妥协，并用他唯 一的武器——笔杆子，以诗歌的形式进行抵抗。该片真实回忆了二战德国纳粹占领法国电 影制片厂期间的法国电影人的故事。前半部分毫无亮色，但后半部分的传奇和紧凑，尤其 是结尾的处理非常法国式逸韵深长。 贝特朗·塔维尼埃的影片关注社会底层的生存状态，以刻画老人心理见长，叙事深情内敛 ，画面如油画般优美。 贝特朗·塔维尼埃作品年表： 1974：《圣保罗的钟表匠》L\'Horloger de Saint-Paul 获奖记录：1974年第24届德国柏林电影节评委会特别奖 1974：《让节日开始吧》Que la fete commence! 1975：《法官和刺客》Le Juge et l\'assassin 1979：《死亡的窥测》（另译《死亡直播》）La Mort en direct 1981：《政变》Coup de torchon 1983：《密西西比旋律》Mississippi Blues 1984：《乡村星期天》Un dimanche à la campagne 获奖记录：1984年第37届法国戛纳电影节最佳导演奖 1986：《午夜时分》Round Midnight 1989：《人生就是这样》（另译《生活，仅此而已》）La Vie et rien d\'autre 获奖记录：1989年第2届欧洲电影节评委会特别奖、最佳男演员奖 1989年东京国际电影节最佳艺术贡献奖 1990年第15届法国电影凯撒奖最佳男主角、最佳电影音乐 1990年洛杉矶影评人协会奖最佳外语片 1990：《爸爸的乡愁》Daddy Nostalgie 1992：《巴黎警察》L.627 1994：《豪情玫瑰》La Fille de d\'Artagnan 1994：《诱饵》L\'Appât 获奖记录：1994年第45届德国柏林电影节金熊奖 1996：《柯南上尉》Capitaine Conan 1999：《稚子骄阳》Ça commence aujourd\'hui 2002：《通行证》Laissez-passer 鲁奇诺·维斯康蒂（Luchino Visconti，1906－1976） 鲁奇诺•维斯康蒂1906年11月 2日出生于意大利米兰，父亲是公爵，母亲是意大利大 企业家的女儿，从小就受贵族教育的，他有着深厚的文化素养。不过生性独立的维斯康提 ，因反抗家庭生活的方式而曾离家出走过。青年时代的他热爱戏剧，因父亲的关系，他也 顺理成章的进入剧坛。但后来因剧坛变得死气沉沉，而将兴趣转移到电影。 他的第一部作品《沉沦》是改编自詹姆斯·凯恩的小说《邮差总按两次铃》。这部描写加 油站老皮的妻子与人通奸的故事，却被意大利政府柰演。二次大战期间，维斯康提因为把 一群游击队藏匿在他家，发现后他被判死刑，他幸运的从牢里逃出，开始过东躲西藏的日 子直至大战结束。 1948年他回重回影坛，拍摄了《大地在波动》，这是一部充满左派人道主义思想的半纪录 片作品，全片不断以加入旁白的方式，描绘出西西里岛渔民的生活。以安东尼奥为首的一 家三代男子，和全村的人一样以捕渔维生，但是所得渔获，却都被不肖渔贩从中剥削，试 图自力更生改善现状的男主角，说服家人把房子抵押，买下一艘自己的渔船，在生活似乎 将要出现转机时，一场暴风雨却摧毁这一家人的全部希望，船受损、房子被银行没收、家 庭成员纷纷出走频临解体，革命不成的男主角，只好再回头去过被剥削的生活。本片对于 世袭社会不公的指控溢于言表，全片惊人的写实性，特别令人震撼。本片不但指控渔贩对 渔民的剥削，更描绘出所有渔民集体一代又一代甘于这种命运的结果，是使得对抗宿命的 勇者，成为一名殉道者，而贫穷会进一步腐蚀人性的尊严和道德理想。 完成于1951年的《小美女》几乎和德·西卡的《偷自行车的人》有异曲同工之妙，在本片 中，一心想让女儿成为明星的女主角，完全不理会小女儿的感受，和自家经济生活条件的 拮据，她帮女儿作造形、拍沙龙照等，到头来，却发现自己这一番努力只是电影公司工作 人讪笑的材料。意大利新写实主义对战后贫困生活现况的基本刻画，无处不在，出自对人 尊严和价值的关怀，在刻画人物面对贫穷和梦想交战时的处境，格外有力，片中一心想看 到女儿成为明星的母亲，发现片厂人员无情地取笑她女儿的试镜时，那种在羞辱中苏醒的 意义，等同于《单车失窃记》里，父亲偷车被抓到、在街上被路人围殴，儿子在一旁哭泣 的强烈人道气息。这种完全落实于生活和人的处境的作品，是新写实主义对影史最永恒不 朽的启发和意义。 1945-1960年，维斯康蒂还导演了一系列舞台剧。新现实主义趋向衰落后，他致力雨创立一 种近似小说的电影叙事风格，拍摄了杰作《情欲》、《罗果和他的兄弟们》。 《豹》曾获得1963年法国戛纳电影节金棕榈大奖。影片以1860年意大利的西西里岛为背景 ，通过萨里纳亲王这个中心人物的心路历程，反映出面对风起云涌崭新时代的到来，身处 翻天覆地的社会变革的浩荡潮流当中，原有权贵和贵族因此而没落这一无奈而必然的命运 。本片出色地展现了浓郁的西西里乡土风情，细腻地了描绘当时贵族的奢华生活，反映出 那个变迁的时代的特色和风貌，被称为是“一部上乘的意大利史诗壁画”。 维斯康提通过 萨利纳亲王家族的兴衰起伏，表达了自己对新旧交替的感怀，更表达出一种对于时间的无 奈和宿命感。同时由于维斯康提本人身为贵族，因此影片也从其自身的经历出发，感慨了 贵族阶级的灭亡，被国际影评人认为是他用心灵拍摄的大手笔影片。 《魂断威尼斯》改编自德国作家汤玛斯曼的同名小说。搬上银幕后造成轰动。 内容描写一 位艺术家因为沉醉于追求青春与美，而不幸丧失性命。电影大师卢西亚诺．维斯康堤将人 对事物的种种看法以高明的艺术技巧，彻底的表现出来。在1911年，有位德国作曲家阿巴 森斯哈到威尼斯来休养，起初他对这里的一些景像极为看不顺眼，后来在旅馆里遇到一位 美少年塔基欧时，使他原本萎靡的精神为之一振。此后在他的心中一直都对塔基欧留有深 刻的印象。由于威尼斯的灰暗气氛使阿森巴斯哈感到难以忍受，于是决定离开这个地方， 但由于行李无法及时运送而不得不再停留一段时间。这时，北非所流行的霍乱传到威尼斯 ，阿森巴斯哈不幸染上，高烧不退，神智昏迷，还经常梦见塔基欧和他的母亲为了躲避这 场灾难而准备离开。一天，当阿森巴斯哈神智不清，坐在沙滩上的椅子上时，恍忽中看见 塔基欧穿着泳衣要游到远方去，他起身拦着他却因为体力不支而摔倒在沙滩上，气绝身亡 。 鲁奇诺•维斯康蒂的影片致力于反映人性中的情欲及人于人之间的“背叛”关系。他 的一贯倾向是以现实主义的创作方法，通过对环境的描绘来刻画人物的性格和心理，其作 品被称为是“小说派电影”、“有关人的电影”。他的作品同新现实主义电影、同60-70年 代欧美流行的“反戏剧”、“反情节”影片在美学上有很大的不同，可谓独树一帜。 鲁奇诺•维斯康蒂作品年表： 1942：《沉沦》 1948：《大地在波动》La Terra trema: Episodio del mare 获奖记录：1962年被英国《画面与音响》杂志评为“世界电影十大佳片”之一 1951：《小美女》Bellissima 1953：《意大利影星浮世绘》 1954：《情欲》Senso 1957：《白夜》Le Notti bianche 1960：《罗果和他的兄弟们》Rocco e i suoi fratelli 1962：《三艳嬉春》（与费里尼、德·西卡各执导一段）Boccaccio \'70 1963：《豹》Gattopardo, Il 获奖记录：1963年第16届法国戛纳电影节金棕榈奖 1965：《桑德拉》（另译：《北斗七星》）Vaghe stelle dell\'Orsa 获奖记录：1965年第30届意大利威尼斯电影节金狮奖 1966：《被迷惑的人》（与其它四个导演合作摄制） 1967：《陌生人》 1969：《受苦的人们》La Caduta degli dei 1971：《魂断威尼斯》Morte a Venezia 1974：《家族的肖像》Gruppo di famiglia in un interno 1976：《无辜》L\'Innocente 罗伯特·罗西里尼（Roberto Rossellini，1906－1977） 罗伯特·罗西里尼1906年5月8日生于意大利罗马，祖父和父亲都是著名的建筑师，家境富 裕又是长子，他自小倍受宠爱。少年时期对机械很感兴趣，常常埋头在实验室。高中毕业 后，他突然开始热衷电影，并放弃读大学而进入电影界，开始做布景方面的工作。之后， 他又学习了摄影和剪辑。1934年写了一篇灵感来自德彪西的音乐《牧神午后》的电影故事 ，然后把它拍成电影《从牧神午后的前奏曲》。但一部分场面过于露骨而未获电检机关通 过。1941年在海军上尉德罗勃蒂斯的监督下拍摄了宣扬法西斯意大利武装力量的电影《白 色的船》，还为当时的宣传机关服务，于1942年拍摄了《飞行员归来》，次年拍摄《带十 字架的人》。在创作手法上他企图使故事片接近纪录片。 罗西里尼早期拍摄一些颂扬法西斯战争的影片，但是二战结束前他受抵抗运动的影响，转 变了立场，拍摄了《罗马，不设防的城市》。影片根据塞吉欧·阿米迪的原著改编，描述 反抗组织的领袖遭德军追缉，一同志因掩护他而被捕，后来领袖仍被一吸毒女人密告，被 纳粹逮捕入狱。纳粹故意在同属组织内的一位神父面前严刑拷打领袖，领袖最终气绝身亡 ，第二天早晨神父亦被杀成仁。导演以极写实的手法，生动地呈现意大利人在纳粹铁蹄下 英勇抗暴的壮烈事迹，部分镜头为战争状态下偷拍完成，故画面虽然粗糙，却具有逼真的 亲切感。该片堪称第一部意大利新写实主义电影，并为这一电影流派的风格和美学奠定了 基础，影片以纪实风格真实反映了二战结束前，意大利人民前仆后继的反法西斯斗争。影 片中除了皮德罗神甫和工人的妻子平娜是由专业演员扮演之外，其它人物均由非职业演员 出演。影片一面世，就在国际影坛获得了轰动性的巨大成功。 《游击队》是他的战争三部曲之一（其它两部是《罗马，不设防的城市》和《德意志零年 》）。第二次世界大战末期，在意大利登陆的美军攻破了正在后退的德军防卫线。罗西里 尼以令人感动的场面把美军从南部攻到北部期间所引发的一些意大利民间各种小故事编成 一部有连贯性的社会写实的电影，曾获得多项大奖。画面上的真实感，给予人们非常大的 冲击。 1947年的《德意志零年》也是一部重要的新现实主义杰作。影片主要讲述战争给人民带来 的灾难，战争不仅使人民陷入饥饿贫困，还使儿童的心理产生畸形。影片中的主角是个儿 童，他把他那卧床不起、患有心脏病的父亲毒死，因为他认为父亲对社会毫无用处。事后 ，他又因内心不安而自杀。影片表面上把这个儿童产生杀父和自杀的心理归咎于一个老师 的教育错误，实际上则是在揭露德国的纳粹主义，认为他们才是这一切罪恶的根源。影片 在意大利新现实主义全盛时代曾引起广泛而激烈的讨论，它在意大利影史上占有重要的地 位。 1948年，罗西里尼与瑞典女明星英格丽·褒曼展开了一段轰动的恋情,当时褒曼被罗西里尼 的名作《罗马，不设防的城市》深深感动，并写给他一封信表示期望能与之合作, 罗西里 尼也为之动容,后来两人于1949年合作《火山边缘之恋》时坠入情网,褒曼并怀上了罗西里 尼的孩子,当时她还与瑞典医生彼得·林斯特龙保持着婚姻关系,不顾大量舆论的抨击,褒曼 很快与林斯特龙离婚,并与罗西里尼结婚。结果两人遭到了以好莱坞为首的电影界的抵制， 两人后来合作的电影大都在业内颇有口碑却难以与观众见面。但是这段感情最终在1958年 以离婚告终。 1950年拍摄了宗教题材的故事片《圣·弗朗西斯的花束》，1952年拍摄了《1951年的欧洲 》，叙述一个精神空虚的女主人公想从耶稣的思想里寻找人生出路，1958年他拍摄了影片 《印度》，在这部作品里，他又重新运用了纪实手法，使用了非专业的扮演者。1959年他 拍摄的故事片《德拉·罗维雷将军》不仅表现意大利抵抗运动，而且着重分析了那个年代 一些最普通的人成为英雄人物的原因。1960年他拍摄的影片《罗马的夜晚》的故事情节也 发生在战争年代。1961年他拍摄了影片《意大利万岁！》，叙述了意大利人民英雄加里波 第的生平，同年，他拍摄了影片《凡尼娜·凡尼尼》(根据法国小说家司汤达的作品改编) 。 70年代﹐他主要为电视台工作﹐拍摄了关于优秀历史人物的传记电视片﹐如《苏格拉底》 (1970)﹑《布列兹·帕斯卡》(1971)﹑《笛卡尔》(1974)等 罗伯特·罗西里尼于1977年6月3日突然在罗马心脏病发去世。 罗伯特·罗西里尼是意大利新现实主义电影发起人，他拍摄的一系列低成本电影用最大的 真实记录了战后意大利的民生，这种关切相比起其中那些手摇镜头、低俯的角度等电影语 言更为人们所纪念。 罗伯特·罗西里尼作品年表： 1934：《从牧神午后的前奏曲》 1941：《白色的船》La Nave bianca 1942：《飞行员归来》 1943：《带十字架的人》 1945：《罗马，不设防的城市》Roma, città aperta 获奖记录：1946年第1届法国戛纳电影节获奖影片 1946：《游击队》Paisà 1947：《德意志零年》Germania anno zero 1949：《火山边缘之恋》Stromboli 1950：《圣·弗朗西斯的花束》Francesco, giullare di Dio 1952：《1951年的欧洲》Europa \'51 1953：《自由何在？》 1953：《意大利的旅行》Viaggio in Italia 1956：《贞德上火刑台》 1957：《恐惧》La Paura 1958：《印度》 1959：《德拉·罗维雷将军》Il Generale della Rovere 获奖记录：1959年第22届意大利威尼斯电影节金狮奖 1960：《罗马的夜晚》 1961：《意大利万岁！》 1961：《凡尼娜·凡尼尼》Vanina Vanini 1963：《软奶酪》（三段式影片，分别由帕索里尼、戈达尔执导）Laviamoci il cervell o 1964：《铁器时代》（电视片） 1966：《路易十四的崛起》（电视片）La Prise de pouvoir par Louis XIV 1969：《耶稣使徒们的传教》（电视片） 1970：《苏格拉底》（电视片） 1971：《布列兹·帕斯卡》 1974：《笛卡尔》 1977：《蓬皮杜艺术中心》（纪录片） 米开朗基罗·安东尼奥尼（Michelangeio Antonioni，1912－ ） 米开朗基罗•安东尼奥尼于1912年9月29日出生于意大利一个中产家庭，20岁之前他 很倾心造型美术，后来着迷戏剧。安东尼奥尼最早的电影从业经历是为杂志做撰稿人，19 39到1940年，他当上了罗马权威电影杂志《电影》的编辑，该杂志虽然是属于法西斯体系 内的杂志，但后来却可以称为意大利新写实主义电影的保姆，从中产生了许多新写实电影 的著名导演。他只在杂志上开始发表了几篇文章，就因为政治运动解职。在罗马实验电影 中心短时间学习之后，安东尼奥尼开始撰写剧本。在1942年，替罗西里尼写了《飞行员回 来了》的剧本，受到赞扬。费里尼的《白酋长》也有他的贡献。此外，他还作为见习导演 ，在法国参与了马塞尔·卡内尔《夜间来客》的创作。 1940年，安东尼奥尼离婚后，开始拍摄各种短片和纪录短片。第一部《波河上的人们》（ 1947年）使他奠定了新现实主义的前驱地位。影片以波河上一条驳船的航行为线索，用不 动声色的客观纪实手法捕捉渔民生活，被认为是影响后来新现实主义的重要作品。 战后，安东尼奥尼继续写剧本，为桑提斯写了《欲海奇女子》的剧本。他作为新现实主义 的旗手，在1948—50年拍了数部短片。1950年，38岁的安东尼奥尼开拍自己的第一部故事 片《爱情故事》。这是一部暗示新写实电影将给意大利新气息的作品，但当时很多观众和 影评人并未意识到这一点。此后，《失败者》、《不戴茶花的女人》、《小巷之爱》等片 ，都反映平平。直到1955年，《女朋友》获得威尼斯电影节银狮奖。在这些早期作品中， 他已经显露了带有安东尼奥尼标签的主题和风格，如将影片的重点放在人物，尤其是中上 层社会人物的内心世界，而并非以戏剧性的冲突来结构情节。安东尼奥尼虽然和新现实主 义有着密不可分的种种关系，但在电影作品上却有着很大的区别。 1960年《奇遇》获得第13届戛纳电影节评委会特别奖，是真正使他享誉世界影坛之作。本 片陈述一位豪门女子退出传统社会价值与文化观点，追求情欲自由的心路历程。表现一个 发生在利帕里群岛和西西里岛上的奇特的探索。他因此被喻为电影界的纪德——镜头近乎 旁观者般冷静观察，却又如曾身历其境般深入细腻，将最微小的心理悸动呈现无遣。笔调 忽冷忽热，若即若离，惟妙惟肖地再现现代人的焦虑状态。 《奇遇》和1961年的《夜》及1962年的《蚀》被称为疏离（爱情）三部曲，刻画现代人因 缺乏有效沟通而苦闷、孤独，转而寻求爱情以寄托心灵。但往往不得慰藉，反而再度因无 形的隔阂之墙而爱情挫败，陷入绝望与更深沉的孤独中，充满了浓厚的安东尼奥尼式悲观 情结。 《红色沙漠》女人和他的丈夫共同生活在意大利北部的一个工业城市，丈夫是一个大型企 业的经理，这座城市的上空常常是烟雾笼罩，这使女人感到非常郁闷，整天焦躁不安而且 神情恍惚。在焦躁不安时女人经常做出许多正常人不可想象的行为，饱食之后居然向别人 乞讨一块面包，女人难以控制自己的感情就和丈夫的一个同事偷情并且一起出去游玩，见 到的景物都受到了工业文明的污染而污浊不堪，见到的人们都是冷漠的感情如女人一样的 异常。而女人的反常似乎只是因为在一次车祸中受到了惊吓。时间长了，女人发现以前同 丈夫和儿子之间的那份亲密了再也不可能存在了，那位丈夫的同事对她的感情也无法抚慰 她寂寞的心灵。女人想找到理解，找到感情，但一切都是徒劳的。在这样一个现代文明的 社会丰富的物质生活里，女人彻底的迷失了，内心空虚孤独犹如一片荒芜的沙漠。《红色 沙漠》和安东尼奥尼的爱情三部曲一样，都是以一个女人的精神状态和混乱的内心作为影 片的中心内容。在这部影片中女主人公承受着一种难以言传的焦虑，在烦躁不安的情绪的 折磨下她和丈夫无法相处，对于他人的爱意又不能理解从而也无法接受，在精神其实并不 错乱的情形下，女人却做出许多有悖于常理的事。影片敏感准确的再现了现代人的内心世界。工业文明推动了人类世界的进步，但同时工业文明又使人的主体陷 淞恕Ｈ死啻丛煳拿魇且恢纸剑拿魅捶垂囱蛊戎圃甲湃死啵馐窃跹囊桓鲢Ｂ郏 “捕岚履岚严执说男奶拖执ひ滴拿饕黄鸨硐郑捌乃枷胫赶虼佣哺用魅罚 斐扇说那楦谢奈呷缟衬谎脑蚩赡芫褪枪ひ导际醯母咚俜⒄埂Ｊ堑佳荻韵执拿鞯 囊恢指叨戎室伞Ｔ谡獠坑捌校捕岚履岽丛煨缘脑擞蒙首魑捌囊桓鲈兀压 钟衅缆鬯担骸逗焐衬肥堑缬笆返谝徊空嬲庖迳系牟噬Ｉ试谟捌兴坪醪恢皇 亲匀簧脑傧郑嗟木哂辛酥鞴坌浴⑶樾餍浴Ｕ釉蟮厥腔疑模且蛭鹘堑笔钡男那 榫龆怂Ω镁哂械幕疑考淅镆黄酆欤蛭槿苏两谝黄疑小Ｓ捌幕 婀雇汲渎帕Γ凶排ㄅǖ某橄笈苫婊囊馕叮怀隽伺鹘堑幕炻业牟晃榷ǖ木褡 刺：桶捕岚履嵋还岬姆绺褚谎菰钡谋硌菔悄：摹⒅行缘摹 《放大》获得1967年第20届法国戛纳电影节金棕榈奖。摄影师托马斯是个玩世不恭的年轻 人，某一天他在一个公园里偷拍了一对似乎是热恋中的男女的一系列照片。这个名叫简的 女人发现后近乎疯狂，甚至不惜献身地要得到这些照片的底片，似乎这些底片将泄漏什么 秘密。托马斯怀疑之下放大了照片，在极其细微之处，他相信自己发现了一次谋杀，而简 即是这次神秘谋杀的关键人物。影片的其余部分都是托马斯为了证实自己的设想而采取的 种种行动。但他的调查取证是徒劳的，一切证据都不能明确证明什么，仿佛这只是一场幻 觉的挑衅。 安东尼奥尼在1972年这个特殊的年代来到了中国，拍了一部长达三小时半、毁誉参半的纪 录片。据说安东尼奥尼把南京长江大桥拍得反过来，又拍了滚地龙的镜头。那时侯南京长 江大桥在中国是社会主义优越性的象征，而且当时中国不识西方腐朽没落的颓废派作品， 故认定安东尼奥尼是在污蔑社会主义中国，于是组织批判他。当时的一首儿歌：“红小兵 ，志气高，要把社会主义祖国建设好。学马列，批林彪，从小革命劲头高。红领巾，胸前 飘，听党指示跟党跑。气死安东尼奥尼，五洲四海红旗飘。”中国人批判安氏的活动持续 了将近一年时间，那一年究竟发表了多少篇批判文章现在已难以统计，仅1974年2月和3月 间发表的部分文章就结集了一本200页的书，名为《中国人民不可侮——批判安东尼奥尼的 反华影片〈中国〉文辑》（人民文学出版社1974年6月版），本书辑录文章43篇，作者来自 全国各条战线，其中很多都是安东尼奥尼拍摄过的地方的革命干部和群众。 1985年安东尼奥尼中风后，身体状况一直不好。1995年，《云上的日子》问世，这部短片 集式的作品既表明安东尼奥尼的健康状况已经不允许他结构一部完整的长片巨制，也以这 种主题堆积的方式，对导演一向所关注的各个主题进行一次总结性地阐述。在文德斯的鼎 力协助下，影片仍然呈现出安东尼奥尼当年的风采，无论是哲学主题的挖掘，还是影象精 美严谨的构成，都显示出一代大师风范。 2004年安东尼奥尼与王家卫、索德伯格合导了一部《爱神》，但是反响平平。 安东尼奥尼是享誉世界影坛的电影大师，重要作品都获得国际电影节奖项。他的影片被称 为“内心的新现实主义”。 米开朗基罗•安东尼奥尼作品年表： 1947：《波河上的人们》（纪录片）Gente del Po 1948：《清道夫》（纪录片） 1949：《甜蜜的谎言》（纪录片） 1950：《爱情故事》Cronaca di un amore 1952：《失败者》I Vinti 1952：《不带茶花的女人》La Signora senza camelie 1953：《小巷之爱》Amore in città 1955：《女朋友》Le Amiche 获奖记录：1955年第18届意大利威尼斯电影节银狮奖 1957：《呐喊》Il Grido 1960：《奇遇》L\' Avventura 获奖记录：1960年第13届法国戛纳电影节评委会特别奖 1960：《夜》La Notte 获奖记录：1961年第11届德国柏林电影节金熊奖 1962：《蚀》L\'Eclisse 获奖记录：1962年第15届法国戛纳电影节评委会大奖 1964：《红色沙漠》Il Deserto rosso 获奖记录：1964年第29届意大利威尼斯电影节金狮奖及国际影评奖 1966：《放大》Blow Up 获奖记录：1967年第20届法国戛纳电影节金棕榈奖 1969：《扎布里斯基角》Zabriskie Point 1972：《中国》（纪录片）Chung Kuo Cina 1975：《职业：记者》（另译《旅客》）Professione: reporter 1980：《奥伯瓦尔德的秘密》Il Mistero di Oberwald 1982：《一个女人身份的证明》Identification of a Woman 获奖记录：1982年第35届法国戛纳电影节奖 1997：《云上的日子》Par-delà les nuages 2004：《爱神》（与王家卫、索德伯格分别执导一段）Eros 彼埃尔•保罗•帕索里尼（Pier Paolo Pasolini，1922－1975） 彼埃尔·保罗·帕索里尼1922年3月5日出生于意大利波罗尼亚贫民窟。 他的父亲是一名法西斯军官，母亲是一位反墨索里尼的农村妇女。他在故乡上完中学和大 学，战时被征入伍，战后他携家人避难费雷里这个贫困落后的北部地区，在中学任职，并 以该地方言发表诗作。当时，以方言写诗，还没有得到广泛的承认，称得上是一项创举。 1947年他加入共产党，同时开始阅读意大利共产党精神领袖葛兰西的著作，1949年他被控 “道德败坏”，被革除教职，遂与母亲赴罗马定居。50年代初，他任教于罗马邦区贫民窟 学校。于是他目睹了一无所有的流氓无产者的被社会所遗忘了的生活角落：这里有骗子、 窃贼、强盗、妓女、妓男，有被污辱与被损害的，有肮脏、下流、背叛……他记录表现这 些社会历史边缘人物的文学和电影作品屡道非议，但他声称：“真正的残酷来自事物本身 ，是生活的本质使人恐怖。”在此其间，他先后写了《生活的年轻人》、《激动的生活》 等反映罗马贫民生活的小说，在当时是为人瞩目的新进小说作家。而且由于他的小说比较 注重视觉，特别受电影人的喜爱，很多导演纷纷邀请他撰写剧本。他曾先后为马里奥苏迪 特、费里尼、波罗格尼尼等人撰写剧本。其中费里尼的两部名作《卡比利亚之夜》和《甜 蜜的生活》就是与费里尼合写的。当时还年轻的贝尔托鲁奇对帕索里尼极为尊敬，并请这位亦师亦友的前辈为他写了处女作《死神》的剧本。 1961年帕索里尼导演了处女作《迷惘的一代》，曾被誉为60年代初最具有代表性和独创性 的影片之一。该片站在同情的立场上描绘罗马底层贫民在生活中找不到自己的位置而愤世 迷惘，同时表达了作者的思想、感情和道德观念。在表现风格上，采用“反新现实主义” 并穿插以梦幻等手法，反映了帕索里尼的“诗意世界”。 1962年他拍摄的影片《罗马妈妈》和他的讽刺片《软奶酪》的主人公都是罗马最底层的贫 苦居民﹑资产阶级社会中受歧视者。帕索里尼试图把共产主义理想和天主教教义两者融为 一体﹐他的作品中的主人公总是一些不可幸免的现实殉难者﹑自己忍受苦难来赎资本主义 罪恶的牺牲者。 1964年的《幽会百科》是帕索里尼在当时“真实电影”刚刚开始起步阶段“实况采访”理 念支持下的一部探讨意大利人爱情与性观念的带有社会学性质的纪录片。影片向意大利各 地、各种阶层，各种行业、各种年龄的男女们询问关于爱情和婚姻生活、性生活方面的各 种问题，甚至采访孩子们“孩子是怎样生出来的”。长达90分钟的纪录片，展示出导演的 宽宏视野和以此展现意大利性风俗的野心。在编辑这些现场采访的同时，帕索里尼还编进 著名作家莫拉维亚、穆萨蒂和自己三人之间，就电影形式和内容的历史沿革以及未来进行 的讨论。这些具有启蒙意义的问题和采访，揭示出意大利平民还处在蒙昧阶段（有些落后 地区甚至是愚昧）的性观念。 1969年，帕索里尼完成了《美狄亚》。从希腊悲剧到现代戏剧，这个故事被翻写过无数回 。帕索里尼的版本抛开三一律古典包袱，以一位来自远古的情欲象征——半人半马怪为叙 事者，把来龙去脉从头说起。他到土耳其和叙利亚取镜，将场景拉回故事发生的高加索蛮 荒世界，开场恍如人类学影片：一场惊心动魄、交糅恐怖与狂喜的原始仪式，美狄亚正是 祭司，杀人献祭的过程呼应了后来的血腥报复手腕。两性战争被转化为美狄亚的史前泛灵 世界与杰森的现代务实世界的对比，这对比也不无当代第三世界文化被西方物质文明侵蚀 的影射。美狄亚嫁给杰森后，在理性世界中仿佛沦落得法力尽失。最后，在希腊悲剧中扬 长而去的美狄亚，电影却让她消失在熊熊烈焰中──太阳神的华辇也被现实化了，直接关 涉到美狄亚的炽烈性情。就像《定理》中的性瓦解了中产价值，《美狄亚》中的巫术神话 力量也反扑了现代文明。 《猪圈》是一部寓言片，由两个互相交叉的故事组成，一个是神话，一个是现代故事。在 第一个故事中，彼埃莱·克雷门蒂扮演一个由于饥饿而不定期地在一个荒凉的环境里吃人 肉的人；他被抓了起来，被扔到野兽堆里以示惩罚。1965年就已构思好的这第一部分，叫 《酒神节》，本来要同布努艾尔的同是中等长度的影片《沙漠中的西蒙》合在一起的。第 二部分叙述一个出身德国工业家庭的儿子如何对猪产生变态的好感，最后被猪吃掉。这是 一部帕索里尼以简直发人深省的客观态度和幽默拍摄的“可怕而又温和的影片”。他的主 人公是个人主义者，社会的叛逆(帕索里尼把他第一部分的主人公称为是“知识分子和尼采 的学生”)。 1974年的《一千零一夜》是帕索里尼“生命三部曲”的最后一部，把印度著名古典故事集 《一千零一夜》搬上银幕。和前两部作品《十日谈》和《坎特伯雷故事》不同的是，在这 部叙述者不再出现的影片中，全能的叙述视点取代了前两部影片中的旁观者和叙述者的视 点，而对于前两部影片中大量关于性风俗的粗俗描绘也转化为正面的抒情和全面的肯定。 影片不再是充满嘲讽口吻的谣言故事，不再是无善无恶的市井描绘，而是基于一种肯定的 东方异教风情展示。帕索里尼借讲述东方古老故事机会，把同志之爱顺理成章地推上东方 异教的神坛。影片中出现大量异性爱和同性爱的故事和段落，帕索里尼都一反前两部影片 中不加肯否的态度，而给与全部性爱以全部的热忱。“生命三部曲”也由对猥琐风俗的恶 作剧嘲弄升华为对人类自然性爱的歌颂和赞美。片中几乎所有故事都是正面赞美，帕索里 尼的性爱观念尤其在苏玛洛讲述的国王出游故事里，得到了最直接的体现。 1975年11月1日，帕索里尼在罗马郊区被一个17岁的同性恋少年杀害。 帕索里尼不仅仅是一个电影导演，他还是著名的作家、诗人、政论家、语言学家，他是一 个有多方面兴趣爱好的艺术家，电影只是他涉及的一个方面。他不断的从一种文艺形式转 向另一种形式。这种在创作活动上的无常性和多方的涉猎，也可解释为他在自己的世界观 和艺术观的矛盾中试图寻找解决的出路。帕索里尼创作思想的矛盾特别明显地表现于他最 后的一部影片中，《萨罗，或索多玛的120天》表面看来他是按照萨德的小说原来的结构拍 摄的，但他把故事情节改为发生在墨索里尼统治的后期。导演的意图是暴露虐杀者们的凶 残，但同时却把注意力集中在对充满病态的色欲和施虐淫者的残忍这类画面的描述方面。 彼埃尔•保罗•帕索里尼作品年表： 1961：《迷惘的一代》（另译《乞丐》、《寄生虫》）Accattone 获奖记录：1962年捷克斯洛伐克卡罗维发利电影节最佳影片奖 1962：《罗马妈妈》Mamma Roma 1963：《软奶酪》（同罗西里尼、戈达尔合导）Laviamoci il cervello 1964：《马太福音》Gospel According to St. Matthew 获奖记录：1964年第29届意大利威尼斯电影节评委会特别奖 1965年国际天主教电影节最佳影片奖 1964：《幽会百科》（纪录片）Comizi d\'amore 1966：《大鸟和小鸟》Uccellacci e uccellini 1967：《俄底浦斯王》Edipo re 1968：《定理》Theorem；Teorema 1969：《美狄亚》Medea 1969：《猪圈》Porcile 1970：《十日谈》The Decameron 获奖记录：1971年第21届德国柏林电影节评委会特别奖 1971：《坎特伯雷故事集》I Racconti di Canterbury 获奖记录：1972年第22届德国柏林电影节金熊奖 1974：《一千零一夜》（另译《阿拉伯之夜》）Il Fiore delle mille e una notte 获奖记录：获奖记录：1974年第27届法国戛纳电影节评委会大奖 1974：《萨罗，或索多玛的120天》Salo 弗朗切斯科•罗西（Francesco Rosi，1922－ ） 弗朗切斯科•罗西1922年11月15日生于意大利南部城市那不勒斯。曾就学于那不勒斯 大学。第二次世界大战期间，参加抵抗运动。从1944年起,在广播电台和电视台担任演员、 剧作家和导演等。先后为维斯康蒂、拉斐尔·马达拉佐、安东尼奥尼和马里奥·莫尼切利 等导演的影片担助理导演。 1958年，罗西首部独立执导的影片《挑战》问世，这部基于那波利黑社会的敌对黑帮的火 拼事件的影片已经揭示了他的电影创作的全部主题：取材真实事件，富有社会意识。影片 获得了第23届意大利威尼斯电影节评委会特别奖。1959年《布商》是一部有关黑手党对移 民的暴力行为的影片，在本片中，罗西的新现实主义风格得到确定。 1962年，在《萨尔瓦多•朱莉亚诺》一片中，他对社会问题的偏爱得到了最佳表现， 影片采用节奏快速的倒叙结构，运用了纪录片素材，打破了歹徒形象中所有的神话因素， 而这种歹徒形象曾是战后西西里岛用来解释其介于匪帮和黑手党之间的不同历史的理由。 以西西里岛的一个传奇式的匪首为题材的影片。这部迄今为止也许是罗西最有感染力的影 片奠定了他的纪录式的戏剧结构风格。他从朱莉亚诺的死入手，通过一系列的闪回，反映 了他的过去，但不是按年代顺序排列的。影片记录了1945年到1951年间朱莉亚诺的匪徒反 对官方警察的战争，也记录了他反对左派、工会和共主义人民党的活动。人民党1947年“ 五一”大会就是被朱莉亚诺手下的人破坏的。影片没有完全揭示(正像法庭一样) 朱莉亚诺 、他的朋友们、匪帮及其后台之间的错综复杂的关系和阴谋。罗西没有使观众得到结论性 的认识，而是展现了了解西西里岛社会史的直观材料；朱莉亚诺几乎没有在影片中露面。 除了两名职业演员外，其他的演员都是罗西从朱莉亚诺的故乡——蒙泰里亚尔村找来的非 职业演员。这也说明导演要忠实于现实的努力，但这种努力是针对材料本身，而不是材料 的组织。罗西把影片安排得层次分明，剪辑具有动势，作为有意识地强调手段，在影片中插进了风景，这些都清楚地证明《萨尔瓦多•朱莉亚诺》是一部 颇具匠心的影片。 1963年的《控制城市的手》为罗西带来了意大利威尼斯电影节金狮奖。影片揭露了建筑商 埃多阿尔多·诺托拉的阴谋。诺托拉由于同那不勒斯市议会关系好而获准在他廉价购进的 地皮上为市政府建造巨型建筑；此外，他还得到右翼党的支持，并是该党地区议会的候选 人。但是，在拆房过程中，出现了倒塌事故。当要求市议会调查时，右翼党抛弃了诺托拉 ；诺托拉摇身一变，投靠天主教民主党，在大选中获胜，当上了市议员。罗西抨击了政治 和商界在政治党派的庇护下为了个别人的利益而贪污公款的合谋。同时影片也揭露了这一 阴谋发展的规律。导演在影片中使各种观点和立场对峙，表现了反动与反反动，揭示了一 种政治制度的辩证法。影片的不足之处是除了一些典型场面(如房子的倒塌及其后果、最后 神甫为工程祝福等)外，影片主要是以对话贯穿起来的，并把议会内部的辩论处理得太戏剧 化；特别是公式化地塑造了诚实的，但是一事无成的左派形象。此外，罗西放弃了刻画人 物的心理状态，但影片却更尖锐，结论也更明确，由于《控制城市的手》，罗西创造了一 种新类型的政治片，这符合他的信条：“今日电影艺术已经发展到可以使观众意识到一种 政治制度的内部规律。”这类政治片在六十年代是许多导演的楷模(甚至包括科斯塔·加夫拉斯)。 在的1972年《马太伊事件》和1973年的《幸运的鲁奇诺》这两部社会调查影片中，他的谴 责主题继续出现，展示了导演对这样一种叙事题材的把握。《马太伊案件》是罗西力求分 析社会和历史关系的一部成功的政治片。影片虚构与纪实相结合，所有表现手段都达到完 美无暇的地步，影片得到了观众和评论界的一致好评。罗西叙述了一帆风顺的经理马太伊 的故事。他出身贫穷，战后由于当上天主教民主党的议员而官居意大利国家石油组织康采 恩——国家石油协会的主席，一直到1962年因飞机失事丧生。影片打乱了时间顺序，从飞 机坠落开始，然后是闪回和多次采访(电视台和一个美国记者)，再现了马太伊的过去。当 然不是完整的叙述，只是提供一些史料和假设。马太伊同美国石油康采恩(他妒忌他们的权 力)之间的争论以及他争取第三世界的努力在影片中占了重要的位置。当然罗西的这部影片 是要表现对一个经济管理人员的天才的高度崇敬；而且不允许对马太伊的工作意义和后果 提出实质性的疑问。此外，罗西所掌握的高超的表现技巧再一次驱使他极为重视影片的效 果、光彩夺目的画面和戏剧化的对比。 罗西的另一个创作源泉是文学作品：1970年的《寸土必争》是根据艾米利奥·鲁肃的小说 《高原上的一年》改编；1976年的《精彩的尸体》根据莱昂那多·夏侠的小说《背景》改 编；1979年，罗西根据卡尔诺·莱维的小说《基督停留在埃博利》拍摄了同名电影，影片 回溯了他的南方血脉，所展现的举止和眼光的抒情色彩非常出色，并构成了他随后的影片 《三兄弟》的一个主要因素，影片描写了农业文明的终结，它在面对以来的当代恐怖主义 时表现为三种态度：愤怒，理性和乌托邦。1984年罗西拍摄影片《卡门》，由于忠实于比 才的歌剧，影片在法国获得了巨大的成功。故事发生在塞维利亚也就是卡门的故乡，对于 作曲家来说是虚构的理想之地，对于导演来说却是真实的：歌唱家们活动在西班牙南部的 街头、家中、斗牛场和山上，仿佛是在一个真实主义的戏剧中，造型非常壮观，色彩浓丽 鲜艳。1987年，罗西根据加西亚·马尔克斯的同名小说拍摄了影片《一桩事先张扬的命案 》，把作家叙述的事件生动而鲜活地展现在银幕上。 弗朗切斯科•罗西年表： 1958：《挑战》 获奖记录：1958年第23届意大利威尼斯电影节评委会特别奖 1959：《布商》 1962：《萨尔瓦多•朱莉亚诺》Salvatore Giuliano 获奖记录：1962年第12届德国柏林电影节最佳导演奖 1963：《控制城市的手》Le Mani sulla città 获奖记录：1963年第28届意大利威尼斯电影节金狮奖 1970：《寸土必争》Uomini contro 1972：《马太伊事件》Il Caso Mattei 获奖记录：1972年第25届法国戛纳电影节金棕榈奖 1974：《幸运的鲁奇诺》Lucky Luciano 获奖记录：第36届英国电影学院最佳外语片奖 1976：《精彩的尸体》Cadaveri eccellenti 1979：《基督停留在埃博利》Cristo si è fermato a Eboli 1981：《三兄弟》Tre fratelli 1984:《卡门》Carmen 1987：《一件事先张扬的谋杀案》Cronaca di una morte annunciata 1990：《遗忘巴勒莫》 1996:《休战》La Tregua -- http://bbs.sjtu.edu.cn:8000/SMD/109232017975860.JPGhttp://wulunkai.yculblog.com 看我 我手指放鬆 我目光如龍 當敵人是空 我戰法無窮 我攻勢如風 用單車入宮 碾過你懊喪的臉孔 http://bbs.sjtu.edu.cn:8000/SMD/1094703195194130.jpg 在我地盤這 你就得聽我的 把音樂收割 用聽覺找快樂 開始在雕刻 我個人的特色 未來難預測 堅持當下的選擇 ※ 来源:·饮水思源 bbs.sjtu.edu.cn·[FROM: 203.188.80.105] |
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